Топ 10 самых известных скульптур в стиле барокко
Стиль барокко был распространен в Европе в XVII-XVIII веках. Он оказывал свое влияние на многие виды искусства: музыку, архитектуру, живопись и скульптуру. Наш топ 10 самых известных скульптур в стиле барокко расскажет о десятке статуй, созданных в ту эпоху.
10«Эней, Анхиз и Асканий» Джованни Лоренцо Бернини
Эта мраморная скульптура была создана Джованни Лоренцо Бернини в 1618-1619 годах. Сейчас она хранится в Галерее Боргезе. Скульптура изображает сцену из «Энеиды». По сюжету герой Эней выводит свою семью из горящей Трои. Обрабатывая и полируя мрамор, Бернини мог добиться удивительного результата: человеческая кожа и фактура ткани выглядят очень реалистично.
9«Давид» Джованни Лоренцо Бернини
Эта мраморная скульптура, созданная Джованни Лоренцо Бернини, изображает персонажа древней легенды, который с помощью камня победил грозного великана Голиафа. Скульптура выполнена в натуральную величину. Она была создана за 7 месяцев, в 1623-1624 годах. «Давид» хранится в Галерее Боргезе.
8«Похищение Сабинянок» Джамболонья
Эта мраморная скульптура была вырезана Джамболонья из цельного куска камня. В ней скульптор сочетает веяния греческой скульптуры (классические обнаженные формы) и детали маньеризма (общая динамичность композиции). «Похищения Сабинянок» иллюстрирует легенду о том, как римские мужчины на празднике похитили женщин-сабинянок. Проектировать статую Джамболонья начал в 1579 году, сначала задумав вырезать только две фигуры и лишь потом изменив свое решение.
7«Добродетель с двумя детьми» Джованни Лоренцо Бернини
Эта скульптура Джованни Лоренцо Бернини была создана в 1634 году. На сегодняшний день «Добродетель с двумя детьми» хранится в Музее Ватикана. Как всегда в своих работах, Бернини стремился к реалистичности. Поза статуи создает впечатление, что в скульптуре было запечатлено одно конкретное мгновение. А мастерство скульптура заставляет каменные складки «ткани» выглядеть невероятно настоящими.
6«Милон Кротонский» Пьер Пюже
Эта мраморная скульптура была создана Пьером Пюже по заказу Людовика XIV, который хотел украсить ею Версаль. Скульптор завершил свою работу в 1692 году. Статуя изображает атлета, который пытался расщепить дерево, но попал в расщеп, став жертвой льва. Персонаж пытается высвободить руку и одновременно отбиться от льва. Драматическая и динамическая, эта скульптура получилась до пугающего реалистичной, и не получила успеха у Людовика XIV. А потому «Милон Кротонский» был перенесен из Версальского парка в Лувр, где и хранится до наших дней.
5«Истина, открытая Временем» Джованни Лоренцо Бернини
Эта мраморная скульптура была создана Бернини в 1646-1652 годах. В этой композиции Истина изображена прекрасной девушкой, которая сидит на обломке скалы. В ее руках сияет солнце, а под левой новой располагается земной шар. Бернини планировал добавить в композицию аллегорическую фигуру Времени, стоящего за спиной Истины. Однако скульптор не успел закончить свое творение. После смерти Бернини неоконченный блок мрамора был продан.
4«Святая Цецилия» Стефано Мадерно
Эта мраморная скульптура была создана Мадерно в 1599-1600 годах. На сегодняшний день она располагается в церкви Санта-Чечилия-ин-Трастевере, в Риме. По легенде, именно на этом месте находился дом, где жила святая Цецилия, погибшая примерно в 230 г. Мадерно при создании скульптуры ориентировался на собственное воспоминание о нетленном теле святой, саркофаг которой был вскрыт в 1599 году.
3«Аполлон и Дафна» Джованни Лоренцо Бернини
Эта мраморная скульптура была создана Бернини в 1622-1625 годах. Сейчас она находится в Галерее Боргезе. Статуя изображает мифологических персонажей и иллюстрирует события, описанные в рассказе из «Метаморфоз» Овидия. Скульптор попытался передать в своей работе весь трагизм неразделенной любви.
2«Распятие» Хуан Мартинес Монтаньес
Эта скульптура была вырезана из дерева, которое позже было окрашено. Точная дата создания этой статуи неизвестна, но предполагается, что Монтаньес работал над ней после 1605 года. Эта деревянная скульптура обладает впечатляющими размерами: ее высота составляет 190 см.
1«Экстаз святой Терезы» Джованни Лоренцо Бернини
Скульптуры барокко выглядят величественно и необычно. Создается впечатление, что случайно ухваченное мгновение застыло в камне, чтобы сохраниться до наших дней.
17. Скульптура барокко.
Барокко (Baroque), стиль европейского искусства и архитектуры XVII-XVIII веков. Первоначально очагом культуры барокко была Италия. Для Италии — это время медленного заката, многовекового блистательного искусства. Самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность. Наиболее ярко стиль проявился в архитектуре.
Произведения барокко отличаются несоблюдением правил ренессансной гармонии ради более эмоционального взаимодействия со зрителем
Скульптура барокко – художественный стиль в сфере скульптуры, характеризующийся подчёркнутой театрализацией образов, динамизмом поз, экспрессивностью лиц и жестов, специфической экстравагантностью. Сложился в XVII – первой половине XVIII века, как одна из составляющих эпохи барокко в культуре.
Одним из главных достижений маньеризма в скульптуре была экспрессия, которую стиль барокко развил до невиданного ранее уровня. В то же время скульпторы этого периода во главе с Бернини усилили в своих композициях элемент театрализации.
Первым новшеством, привнесенным скульптурой барокко, стал интерес к драматической сложности и многообразию мира. Главное внимание уделялось динамизму ансамбля благодаря воплощению сцен, изображавших определенный момент какого-то действия. Скульпторы стремились к включению зрителей в пространство скульптуры и усилению зрелищности сцены. Многие мастера начали использовать в своих произведениях комбинации различных материалов. Скульптура, так же как живопись и архитектура, служила монархии, церкви и буржуазии.
Джан Лоренцо Бернини (1598-1680)
Бернини считается создателем и выразителем барокко. В его скульптуре воплотились основные элементы этого стиля: динамизм поз, резкий разворот тел, экспрессивность жестов и лиц, отполированная до блеска поверхность мрамора, а также множественность ракурсов, что позволяет воспринимать скульптуру с разных точек зрения. Бернини заставлял мрамор светиться, что придавало его так называемым «говорящим», в том числе придворным портретам особую жизненность. Он умел извлечь самое важное из пожеланий своих клиентов и, в сочетании с достижениями своих предшественников и всем художественным наследием, сводил все это к одной главной идее. Он включал зрителя в действие и создавал интерактивное пространство между ним и своим произведением. В число лучших его работ раннего периода входят «Аполлон и Дафна» (1622-1625) и «Давид» (1623).
Одна из этих статуй изображает Давида (1619 Рим, галерея Боргезе). Библейская легенда рисует образ смелого юноши, который пастушеским оружием — камнем, пущенным из пращи, убил грозного врага, великана Голиафа. Искусство эпохи Возрождения неоднократно обращалось к этому сюжету, воплощая в образе Давида свое восхищение человеческим благородством и силой, воспевая красоту героизма. Созданные в XV веке статуи Давида изображали его победителем. Его образ Давида, например, звучит иначе, чем у Донателло, Вероккио или Микеланджело; Микеланджело представил его готовым к свершению подвига; Бернини при решении этой темы нашел новый ключ: действие, движение, душевное напряжение; он избрал самый момент борьбы, и уже этим поставил свое юношеское произведение в ряд передовых, проблемных работ своего столетия. Он изобразил Давида в тот момент, когда все его силы и чувства собраны для решающего удара; нахмурив брови, крепко закусив губы, он наклонился и откинулся в сторону: Давид целится в своего противника, устремив на него напряженный, ненавидящий взгляд. Вместо героизма — драматизм, вместо возвышенного обобщения — острота конкретной характеристики, вместо строгой уравновешенности — бурная динамика. Собственно, уже эта ранняя работа Бернини целиком принадлежит барокко. «Давид» — это «воинствующий плебей», бунтарь, в нем нет ясности и простоты скульптур кватраченто, классической гармонии Высокого Ренессанса. Его тонкие губы упрямо сжаты, мелкие глаза зло сузились, фигура предельно динамична, тело почти повернуто вокруг своей оси.
Если мы сравним «Давида» работы Бернини со скульптурой Микеланджело и зададимся вопросом, какая из них ближе к Пергамскому фризу, то нам придется признать первенство Бернини. С эллинистическими произведениями его скульптуру сближает как раз то единство плоти и духа, движения и эмоции, которого так целенаправленно избегал Микеланджело — этот пример показывает, прежде всего, что и барокко, и Высокое Возрождение признавали авторитет античного искусства, но каждый период черпал вдохновение из различных его сторон. Совершенно очевидно, что «Давид» Бернини — ни в коей мере не подражание Пергамскому алтарю. Барочным его делает подразумеваемое присутствие Голиафа. В отличие от других статуй, изображающих Давида, скульптура Бернини задумана не как самостоятельная фигура, а как часть парной группы — все внимание изображенного сосредоточено на его противнике. Интересно, намеривался ли Бернини создавать статую Голиафа для придания группе завершенности? Он этого не сделал, но по его «Давиду» мы можем ясно понять, где он видит своего противника.
Соответственно, пространство между Давидом и его невидимым соперником заряжено энергией — оно «принадлежит» статуе. Новые, активные пластические отношения с окружающим пространством — это то, что отличает барочную скульптуру от скульптуры двух предыдущих столетий. Скульптура Бернини отказывается от самодостаточности ради иллюзии живого присутствия или подразумеваемых поведением статуи сил.
«Давид» вместе с выполненной тогда же группой «Аполлон и Дафна» привлек к Бернини общее внимание. 1622-1624. В основе скульптурной композиции лежит древнеримский сюжет поэта Авидия «Мектоморфоза». Бог Аполлон преследует нимфу Дафну, которая стремилась соблюсти свою целомудренность. В момент, когда Аполлон все же настиг ее, произошло чудо, боги укрыли ее от глаз Аполлона и она стала деревом. Он выполняет еще ряд работ на мифологические сюжеты античности.
Барокко в европейской скульптуре XVII века
11 марта
Очередное эссе на искусствоведческую тему, для души. Автор- Валеева Н.А.
Культура XVII столетия в Европе характеризуется новой вехой в сознании, изменением миропорядка, иным восприятием человеком собственного места в мире и своих возможностей. Осознание человеческого бессилия перед многообразием и могуществом мира, ощущение себя лишь частью, а не центром мироздания прямым образом отразилось в искусстве, а именно – в стиле барокко.
Барокко характеризуется повышенным интересом к мистическим темам, фантастичности, выражается в повышенной экспрессии изображаемого. Религиозная тематика произведений искусства XVII столетия – сюжеты, связанные с мученичеством и религиозной экзальтацией. У светских заказчиков в лице влиятельных политических фигур отзыв вызывали патетичные мотивы.
В политической жизни Европы в XVII веке образовываются абсолютистские национальные государства, что не могло не найти отражения в изменении мира искусства, выразившемся в становлении стилей барокко, классицизма и реализма.
Рассматривая расцвет барокко, можно заметить, что оно ярче других направлений расцвело в странах со сравнительно могущественными силами феодальных устоев, поддерживаемых неоспоримым авторитетом католической церкви: Италии, Испании, Португалии и Фландрии. В XVIII столетии традиции барокко появятся в России.
Барокко имеет выраженную систему изобразительных средств, определённые специфические черты – динамичность, любовь к контрастам, асимметрии, перегруженности декоративными элементами и грандиозность. Произведения стиля барокко – это не единичные (самостоятельные) картины, статуи, здания, это части пространства, с ним гармонично объединённые, связанные, вытекающие из него и составляющие с ним единый микрокосм.
Гении XVII столетия создавали целые миры, позволяя своим творениям выходить из мира иллюзорного, из царства идей и замыслов, в мир реальный, будучи с ним чрезвычайно похожими. «Барокко тяготеет к ансамблю, к организации пространства: городские площади, дворцы, лестницы, фонтаны, парковые террасы, партеры, бассейны, боскеты; городские и загородные резиденции построены на принципе синтеза архитектуры и скульптуры, подчинения общему декоративному оформлению»[1].
[1] Ильина Т.В. История искусства Западной Европы от Античности до наших дней Учеб.3-е изд., перераб. и доп. М.: Высш. шк., 2013. С. 102.
§ 1. Итальянская школа скульптуры XVII века
Во время становления барокко как художественного стиля в искусстве был значительно усилен декоративный элемент вилл, дворцов, церквей и загородных резиденций, которые всё более тяготели к ансамблю и собственной приобщённости к окружающему пространству посредством парков, аллей, садов, курдонеров, площадей.
Статуи становятся декоративными элементами фасадов зданий, плоскости которых из прямых становятся более изогнутыми и пластичными, образующим элементом садов и парков, а также центром площадей, зачастую в виде художественно оформленных фонтанов. Характерной особенностью скульптуры этого времени стала потребность в среде и активном с ней взаимодействии – со стихиями воды, воздуха и света. Произведения скульптуры барокко нуждались в архитектурном и природном (пейзажном) обрамлении, тускнея в музейной среде, будучи оторванными от «привычного места обитания».
Первым скульптором итальянского барокко был Стефано Мадерна (1576 – 1636). Создавая скульптуру в только зарождающемся новом стиле, автор передавал тонкую натуралистическую экспрессию с помощью освещения и архитектурного обрамления.
Речь в данном случае идёт о его статуе «Святая Цецилия», которая была создана в 1600 году и находится в церкви Cанта-Чечилия-ин-Трастевере в Риме.
Скульптурное изображение посвящено памяти слепой мученицы Цецилии, мощи которой были обнаружены в IX столетии в разветвлённых катакомбах святого Каллиста и перенесены папой Пасхалем I в римскую церковь Санта-Чечилия-ин-Трастевере. В момент перестройки церкви в 1599 г. было произведено вскрытие саркофага с мощами святой, тело которой осталось нетленным, чему свидетелем был сам Мадерна. Предположительно скульптор изобразил её тело таким, каким видел его в момент вскрытия гроба: голова отсечена от тела и прикрыта материей, пальцы изящных женских рук сохранили предсмертные послания. Правая рука мученицы сложена щепотью, левая – зажата в кулак. Эти руки стали символом бесконечной веры и преданности Единому Богу и Святой Троице.
Безжизненное тело святой помещено скульптором на ровную визуально холодную белую мраморную доску внутри глубокой открытой ниши над алтарём. Фигура будто мягко светится в полутьме, подчеркивая святость мученичества за истинную веру. Трагическая сцена смерти натуралистично передана скульптором, что во многом предвосхитило эстетику барочной скульптуры в целом.
Ведущим мастером итальянской школы XVII столетия был Джованни Лоренцо Бернини (1598 – 1680). Будучи потомственным скульптором, занимаясь этим искусством с юных лет и овладев им в совершенстве, в историю искусства имя гения Бернини вошло благодаря его творениям, апогеем которых являлись скульптурные алтари.
История самой известной работы Бернини, алтарной группы, восходит к письмам монахини из Испании Терезы, которую католическая церковь признала святой. В этих письмах монахиня описывала чудесные видения, в которых ей являлись ангелы и святые, а также те светлые чувства, которые рождались в её душе в момент прикосновения к божественной силе.
Создавая скульптуру «Экстаз Святой Терезы» в период 1645 – 1652 гг. Бернини сумел вложить в образ Терезы послание, согласно которому кающаяся светлая человеческая душа в присутствии божественных сил обретёт покой, блаженство и праведное наслаждение. Именно этот смысл автор сумел передать в камне, что само по себе является чудом.
Алтарная группа, в состав которой входит ангел с золотой стрелой и Святая Тереза, фигуры которых выполнены из белого мрамора, расположена на фоне бронзовых лучей Божественного света. Цвет мрамора двух фигур создает чистый светлый образ на фоне колонн темного мрамора.
Довольно много описаний данной скульптуры акцентируют внимание на пластике изображаемого действия, согласно которой ангел стрелой стремится достать сердце святой Терезы, завершив тем самым акт слияния с Богом, а монахиня испытывает подлинный религиозный экстаз с эротическим подтекстом. На мой взгляд, это не совсем так. Мне думается, что подобная трактовка позы святой является несколько поверхностной и основанной на первом впечатлении от увиденного.
Безусловно, запрокинутая голова, приоткрытые веки и рот женщины, слабость тела переданы Бернини весьма чувственно, реалистично и отчасти откровенно, однако, если внимательно рассмотреть фигуру Терезы, можно обратить внимание на её руки, которые не просто давно расслаблены, а будто только что опустились и поддались действию, к которому её подготовил улыбающийся любящей улыбкой ангел. Создается впечатление, что Бернини сумел запечатлеть секунду, между тем, как Тереза поддалась уговорам ангела и согласилась открыть своё сердце Божественной силе, подготовившись к неизведанному сильному чувству, которое пронзит её всю. Изображен не продолжающийся какое-то время акт, не экстаз от присутствия рядом божественного посланника, а запечатлён момент сдачи своей души на волю Господа, которому служит и верна монахиня Тереза. Ангел же спокойно и умиротворённо улыбается, прекрасно понимая трепетные и взволнованные чувства Терезы, которая будто от страха перед неведанным теряет сознание. Ангел поддерживает святую, готовя свою руку к касанию сердца женщины, стараясь не причинить ей вреда. В этом моменте, в лице и позе ангела, в сосредоточенности его руки передана любовь Господа, а в образе Терезы – истинная самозабвенная сила человеческой веры и света служения.
Будучи совершенно нерелигиозным человеком, эта скульптурная композиция воспринимается мной именно так, без каких-либо эротических неоправданных смыслов.
В своей пластической манере, искусно используя цветовую гамму камня, Бернини создает парящую в воздухе легкую композицию, основанную на восприятии тёплого источающего белым мрамором света, отблески которого усилены расположенными позади божественными ниспадающими золотыми лучами. Воздушность, натуралистичность, возвышенность этой композиции роднят искусство скульптуры с живописью.
На счету Джованни Лоренцо Бернини великое множество выдающихся произведений искусства, в частности – фонтан Тритона на площади Бернини, фонтан Четырёх рек и Мавра на площади Навона, фигура воинствующего «Давида», но уделить внимание мне хотелось именно ранее описанной алтарной скульптуре, которая не смогла оставить меня равнодушной.
§ 2. Испанская школа скульптуры XVII века
Испания в XVII столетии переживает стремительный культурный расцвет, который был вскоре ограничен экономическим и политическим упадком феодального режима.
Как и в других странах европейского мира, в Испании религиозная тематика в искусстве была самой востребованной, призванной осуществлять воздействие, впрочем, как и в предшествующие века.
В начале столетия сложилось две ведущие школы – северная школа Кастилии с центром в Вальядолиде, и южная – в Андалузии[1].
Крупнейшим представителем северной школы был Грегорио Фернандес (1576 – 1636). Высшим достижением таланта испанского скульптора стала группа «Оплакивание», 1617 г.
Силуэт скульптуры замкнут, основная фигура – Мария, которая держит на коленях снятое с креста тело сына. Вся горечь материнской утраты передана в выражении лица Марии, в скорбящих глазах, молящих поднятых бровях; протянутая рука взывает к Божьей милости и открыта небу, другая – раскрытой ладонью прижимает к себе безжизненное тело. Голова убитого Христа спокойной опущена, тело умиротворённо лежит на белом саване. Трагизм сюжета передан именно в лице Марии, и, на мой взгляд, сомкнутых расслабленных коленях, обессиленной свисающей руке и поникшей голове Христа.
Землисто-серый цвет крашеного дерева, из которого выполнено тело Христа болезненно контрастирует с приглушёнными тонами одежд Марии, которые украшены золотой вышивкой, повторяющейся на белом саване.
Скульптура «Оплакивание» не столь реалистична, как, например, работы Бернини: тела представлены менее рельефно, складки тканей и одежд менее разнообразны и текучи, но общее впечатление от скульптурной композиции является целостным, гармоничным, запоминающимся, притягательным. При этом довольно искусно изображены ссадины на коленях, следы крови, стекающие по лицу и телу Спасителя, недавно снятого с креста.
Южная школа в лице Мартинеса Монтаньеса (1568 – 1649) также часто использовала дерево в качестве материала для создания скульптур. Его работы сдержаны, в них нет явно выраженной экспрессии, характерной для традиции барокко. Однако одна из его скульптур способна это оспорить – «Святой Бруно», ок. 1634 г., хранящаяся в музее г. Севилья.
Образ основателя ордена картезианцев Святого Бруно Кёльнского, одетого в белое платье с белым капюшоном, которое данным орденом было принято носить внутри обители, спокоен, но выразителен. Лицо Святого мягкое, глаза обращены к небу, как и зажатый в правой руке крест. Этим жестом передан главный девиз ордена – Stat crux dum volvitur orbis («Крест стоит, покуда вращается мир»). И на лице Бруно читается именно этот смысл, в котором святой совершенно убежден. Но убежден он не воинственно, а уверенно и спокойно.
Испанская школа менее экспрессивная, она выражает достойную уверенность в праведности религиозных чувств. По изобразительным средствам, на мой взгляд, она не уступает итальянской традиции, имеет свой характер и национальные особенности, выраженные как минимум в используемом материале – более тёплом и мягком – дереве.
[1] Каптерева Т. П. Искусство Испании // Всеобщая история искусств. Т. IV. Искусство XVII – XVIII вв. Под ред. Ю. П. Колпинского, Е. И. Ротенберга. М.: «Искусство», 1963. [Электронный ресурс]. URL: http://totalarch.ru/art_history/17th_century/spain (дата обращения: 20.12.2018).
§ 3. Скульптура Фландрии, XVII век
Фландрия с конца 60-х годов XVI века находилась под политическим и культурным влиянием Испании, однако, влияние итальянской школы в области скульптуры было крайне велико. Многие мастера Фландрии уезжали в Рим и в последствии привносили в свои работы черты итальянского барокко.
Официально господствующим направлением во Фландрии, как и в Италии, было барокко, однако, оно имело собственные принципиально отличительные черты. Оно не было трагичным или мистическим, оно было – жизнеутверждающим и стойким.
Скульптуры обильно украшали интерьер храмов, которые «хранят прекрасные образцы этой пластики: саркофаги надгробий со статуями усопших, мраморные алтари, покрытые орнаментом резные скамьи для молящихся, насыщенные скульптурным убранством деревянные проповеднические кафедры, исповедальни, подобные архитектурным сооружениям и оформленные кариатидами, барельефами и медальонами»[1].
Одним из прославленных имён Фландрии в области искусства скульптуры был Франсуа Дюкенуа (1570 – 1641). Работая длительное время в компании с Бернини в Риме, Дюкенуа перенял итальянский дух барокко, сочетав его с глубокими традициями Античности.
Одной из самых впечатляющих его работ стала скульптура «Святого Андрея в соборе Святого Петра», 1640 г. в Риме, изображённого с Х-образным крестом, на котором был распят. Будучи первым последователем Спасителя, Андрей, прозванный Первозванным, был представлен как античный образ, который читается в позе и ниспадающих складках одежды.
В его лице отразилось мученичество одновременно с непринятием иной судьбы, кроме той, которая ему уготована Господом. Композиция скульптуры продиктована иконографической традицией – Святой Андрей изображается с недлинной бородой и с символом своей казни.
Скульптура производит мощное впечатление благодаря своей композиции, архитектурному обрамлению – нише, искусно переданной фактуре дерева, из которого сделан крест.
В мужской фигуре трагизм воспринимается иначе, чем в женском образе; он не такой тонкий, он – сдержанный. Возможно по этой причине данная скульптура сильнее воспринимается как античная, чем как соответствующая характеристикам стиля барокко.
[1] Колпинский Ю. Д. Искусство Фландрии // Всеобщая история искусств. Т. IV. Искусство XVII – XVIII вв. Под ред. Ю. П. Колпинского, Е. И. Ротенберга. М.: «Искусство», 1963. [Электронный ресурс]. URL: http://artyx.ru/books/item/f00/s00/z0000015/st008.shtml (дата обращения: 20.12.2018).
Заключение
Стремящаяся к динамичности, экспрессии, натуралистичности скульптура барокко становилась живописной, выходящей из замысла скульптора, воздуха и камня в материальный мир.
Мастера XVII века умело использовали свет, подчеркивая красоту камня, создавая его объемность и пластичность. Переходы тени и света, встроенность в сложную архитектурную конструкцию гармонично выстроенного пространства, а также сюжетность и проникновенность произведений барокко, стали одной из вех развития данного искусства в Европе, существенно обогатив культурное наследие, которое бережно сохранено до наших дней, и сделав скульптуру одновременно самодостаточной и незаменимой в контексте пространства.
Будь то культовая, светская или традиционная, скульптура барокко – движение, вызванное сильным чувством, будь то скорбь, вера, боль, любовь, захваченное и воплощённое мастером в мраморе или дереве, передав всю экспрессию момента.
Список литературы
1. Гращенков В. Н. Искусство Италии // Всеобщая история искусств. Т. IV. Искусство XVII – XVIII вв. Под ред. Ю. П. Колпинского, Е. И. Ротенберга. М.: «Искусство», 1963. [Электронный ресурс]. URL: http://totalarch.ru/art_history/17th_century/italy/sculpture (дата обращения: 20.12.2018).
2. Ильина Т. В. История искусства Западной Европы от Античности до наших дней Учеб.3-е изд., перераб. и доп. М.: Высш. шк., 2013. 368 с.
3. Каптерева Т. П. Искусство Испании // Всеобщая история искусств. Т. IV. Искусство XVII – XVIII вв. Под ред. Ю. П. Колпинского, Е. И. Ротенберга. М.: «Искусство», 1963. [Электронный ресурс]. URL: http://totalarch.ru/art_history/17th_century/spain (дата обращения: 20.12.2018).
4. Колпинский Ю. Д. Искусство Фландрии // Всеобщая история искусств. Т. IV. Искусство XVII – XVIII вв. Под ред. Ю. П. Колпинского, Е. И. Ротенберга. М.: «Искусство», 1963. [Электронный ресурс]. URL: http://artyx.ru/books/item/f00/s00/z0000015/st008.shtml (дата обращения: 20.12.2018).
Описание стиля барокко. Скульптура «Аполлон и Дафна», «Похищение Прозерпины» (Бернини)
Искусство ваяния пришло к нам из глубин тысячелетий. Классические эллинские произведения искусства Европа узнала в период Ренессанса по римским копиям. Но движение неумолимо шло вперед. XVII век потребовал других форм выражения мысли. Так появилось «причудливое» и «странное» барокко. Скульптура, живопись, архитектура, литература – все откликнулось на зов времени.
Происхождение термина
Возникновение слова «барокко» вызывает много споров. Предлагается португальский вариант – «жемчужина», форма которой неправильна. Противники этого направления называли его «нелепым», «вычурным», так как в этом стиле причудливо сливались комбинации классических форм, а также эмоциональность, усиленная световыми эффектами.
Приметы стиля
Пышность и величие, иллюзия и реальность, преднамеренная возбужденность и некоторая неестественность – это все стиль барокко. Скульптура – неотъемлемая его часть, которая показывает раскрытие человеческого образа в конфликте, с повышенной эмоциональностью и психологической выразительностью персонажа. Фигуры даны в быстрых и резких движениях, их лица искажены гримасами боли, горя, радости.
Динамику образов и напряженность создал в своих работах Лоренцо Бернини. С помощью мертвого камня он изображал драматические повествования, особенно искусно используя свет. Художественное превосходство по сравнению с современниками Л. Бернини для нашего времени бесспорно. Скульптура в стиле барокко была поднята этим гением на необычайную высоту. Она стремилась уподобиться живописи благодаря искусным переходам света и тени. Произведения можно рассматривать со всех сторон, и всякий раз они будут совершенны.
Это происходит потому, что материал полностью подчинен художественной идее. Творчество ваятеля барокко, скульптура в особенности, входит в контакт с окружающей средой, с воздушным пространством вокруг нее. Именно барокко открывает на природе, в садах и парках, новую веху в истории светской скульптуры.Как работает скульптор
Только гениальный Микеланджело был способен взять глыбу мрамора и отсечь все лишнее, создав шедевр. Главное – как рождается образ в голове скульптора, с какими творческими муками он связан, как продумывается каждая деталь, как заранее ваятель видит будущий результат, и как он стремится приблизиться к воображаемому идеалу. Так веками работали творческие люди. Не является исключением стиль барокко. Скульптура создавалась по этой же методике. Лоренцо Бернини, как он сам говорил, мрамор подчинял себе, как воск.
Миф о похищении Прозерпины
Скульптурную композицию «Похищение Прозерпины» заказал молодому талантливому ваятелю Л. Бернини (1621-1622 гг.) кардинал Сципион Боргезе. Мастеру было всего 23 года. Он решил как можно ярче выразить все чувства, которые возникли в момент поимки юной Прозерпины Плутоном. Счастливо проходила юность дочери Деметры, которая резвилась и водила хороводы с подругами в лугах и лесах. Она и ее мать не знали, что могущественный Зевс решил сделать ее женой властителя подземного царства Плутона. Как-то во время прогулки ей приглянулся цветок. Прозерпина сорвала его. Именно в этот момент из-под земли явился на золотой колеснице мрачный повелитель царства теней и мертвых Плутон. Только Гелиос с небес видел, как схватил и забрал под землю красавицу могущественный бог. Прозерпина успела только вскрикнуть.
Скульптура Лоренцо Бернини
Динамичная композиция «Похищение Прозерпины» хорошо сбалансирована и симметрична.
Мощное тело Плутона с напряженными бицепсами и тщательно вырезанными икроножными мышцами, вздутыми венами и связками очень устойчиво благодаря широко расставленным ногам и выдвинутому вперед колену. Фигура Прозерпины извивается в его руках. Одной рукой она отталкивает от себя голову Плутона, а другую в мольбе о помощи выбросила вверх. Своими бедрами и всем телом юная отроковица отталкивается от грозного бога. По ее лицу текут слезы.
Она вся – порыв вверх, на волю. Нежное тело девушки крепко и нежно держат изящные пальцы бога. Их тела образуют устойчивую X-образную композицию. Первая диагональ проходит от отставленной в сторону ноги Плутона вверх к откинутой головке. Вторая – через правую ногу Прозерпины, корпус и голову бога. Тела персонажей и цербера в том числе, который призван уравновесить композицию, выглядят крайне реалистично. Если рассматривать ее с разных сторон и при разном освещении, то получаются либо зловещие эффекты, либо теплые на лицах. Интересен также контраст гладких, с мягкими округлостями тел с мохнатой шерстью цербера. Вот таким захватывающим может быть искусство. Скульптура создает впечатление, что они сделаны из разного материала. Но это не так. К тому же следует добавить, что волосы на голове бога как будто взметнул ветер, и выглядят они чрезвычайно естественно. Работу «Похищение Прозерпины» следует обходить по кругу, тогда выявится, что с минимальным количеством деталей мастер создал шедевр с совершенно беспомощной девушкой и непоколебимым в своем стремлении Плутоном.
Второй заказ кардинала Боргезе
Восхищенный совершенством работы ваятеля, кардинал Боргезе в 1622 году заказал ему следующую композицию. Она основывалась также на греческом мифе. Он был знаком просвещенным итальянцам по «Метаморфозам» Овидия. Суть состоит в том, что Аполлон, пораженный стрелой Купидона, увидев прекрасную нимфу, стал ее преследовать. Вот он уже ее настиг, но беглянка стала молить отца, бога реки, о помощи, и на глазах потрясенного Аполлона превратилась в лавровое дерево. Скульптура «Аполлон и Дафна» Бернини изображает именно тот момент, когда ноги нимфы превращаются в корни, а пальцы рук – в ветви с листвой.
Ничего от нее не осталось, кроме сияющей прелести. Феб не потерял к ней любви. Он поцеловал кору, скрывшую тело нимфы, и на свою голову надел венок из ветвей лавра. Гений Бернини превратил поэзию в реальность. Он показал динамизм действий и изменений. Особенно у Дафны. Ее наряд, спадая с плеча, превращается в кору, руки – в ветви. Выражение лица нимфы – это трагедия. Бог с бесконечной надеждой смотрит на нее и не верит, что она изменится. Эта скульптура иллюстрирует напрасную любовь. Она говорит о том, что погоня за земными удовольствиями может привести к разочарованию и, более того, навредить другому человеку.Обе композиции сейчас выставлены в галерее Боргезе в Риме.
Скульптура барокко: Шедевры зодчества | Музей искусств
Для эпохи барокко скульптура была весьма «незаменимым» видом искусства. Можно сказать, что всё направление в целом было «скульптурным»: в скульптурное произведение превращались монументальные здания, скульптурная пластика была присуща героям живописных полотен, со скульптурной грацией обустраивались садово-парковые, городские и дворцовые ансамбли. И сам человек, заключённый в элегантные одежды, парики и высокие шляпы, обсыпанный пудрой, превратился в живую скульптуру.
Скульптура для барокко была незаменима ещё и по той причине, что позволял добиться нужной торжественности и впечатляющего эффекта. Скульптура в эпоху барокко становится частью дворцового и церковного интерьера, парка, городской площади, поэтому заказывается в значительных объёмах.
Скульптура барокко характеризуется избыточностью деталей, театральностью поз и жестов, сложностью сюжетов и торжественностью обстановки. Эти принципы творчества потребовали от мастеров тщательной проработки своих произведений, включая мельчайшие детали. Скульпторы пользовались различными материалами, создавая насыщенные и зачастую многоцветные композиции, цель которых – подчеркнуть богатство и могущество владельца произведения, даже если такового не было. Так, массивная скульптурная группа в алтаре церкви должна была внушать прихожанам благоговейный страх и покорность, смешанные с восхищением.
У скульптур и лепнины было и ещё одно предназначение в этом смысле. В эпоху барокко распространение научных знаний и популяризация светского образа жизни изменили мировоззрение человечества. Человек перестал бояться бога и его рясоносных слуг, а помыслы из этических переросли в эстетические. Пугать население «божьей карой» и обещать послушным рабам «царство небесное» уже не было смысла, и церкви нужно было изобрести что-то, что могло бы поразить людей и вернуть церкви былой авторитет. Таким изобретением и стало барочное искусство в целом и скульптура в особенности. Поэтому темами барочных произведений становились чаще всего библейские мифы и аллегорические творения, излагающие христианское учение. Наконец, с помощью пышного искусства католическая церковь пыталась бороться с набиравшим силу протестантизмом.
Скульптуры с прямо-таки античной претенциозностью (и неким азиатским роскошеством) как бы бросали вызов скромным молельным домам протестантов, лишённым всяких «благоукрашений», кроме того – церковь, позволяя в своём пространстве подобные «вольности» и даже покровительствуя им, пыталась «переманить» на свою сторону творческих людей, которых она в предшествующую эпоху тщательно от себя отторгала.
Знаменитые скульптурные произведения барокко, фото которых представлены, в частности, на различных туристических сайтах, стали «визитной карточкой» многих городов, площадей и церквей.
Экстаз святой Терезы
Характерное произведение эпохи итальянского барокко, созданное Джованни Лоренцо Бернини. Работы этого великого скульптора считаются эталонными для всей барочной эпохи. Сюжет этой скульптурной группы, расположенной в капелле церкви Санта-Мариля-Делла-Витториа, взят из христианской легенды о святой Терезе – испанской монахине, канонизированной церковью. Она якобы удостоилась видения: к ней спустился ангел, когда она лежала в постели, и пронзил ей живот золотой стрелой, отчего она испытала «сладостную муку».
Скульптура выполнена из мрамора; в мраморе же вырублен фон произведения – облака на небе. Одеяния персонажей – святой Терезы и ангела – как бы развеваются на ветру. Чувства их, особенно оперируемой «святой», сильно выражены и преувеличены, что создаёт эффект пафоса и неестественности. Действие происходит под сиянием бронзовых лучей, обозначающих божественный свет.
Однако барочная скульптура тяготела не к одной лишь пафосности. Художники и скульпторы продолжают изучать человеческое тело, предметы и законы окружающего мира; при всей своей фантастичности произведение должно было быть правдоподобным.
- Если это человеческий портрет, то он должен подчёркивать особенности внешности изображённого, даже если эти особенности окружены неестественным фоном.
- Правдоподобие для барочных скульпторов было одним из действенных средств их арсенала: зрителю должно казаться, что сейчас вот эта величественная скульптура оживёт и пойдёт бродить по городу, а то и начнёт преследовать непокорного грешника.
- Характерно в этом плане испанское барочное искусство. Скульптуры в Испании чаще всего изготавливались из дерева, а для пущего правдоподобия их снабжали стеклянными глазами, хрустальной слезой, одевали в настоящую одежду.
«Экстаз святой Терезы» связан с непростой жизненной судьбой Бернини, которая является хорошим примером образа жизни человека эпохи барокко. Сын и ученик известного скульптора Пьетро Бернини, Джованни Лоренцо Бернини поначалу развивается как полноценная творческая личность: у него множество заказов от знатных особ, ему покровительствуют римские папы, называющие его своим другом; папа Григорий XV посвятил его в рыцари. При этом Бернини сожительствует с некоей Констанцией, однако однажды узнаёт, что она изменяет ему с его младшим братом Луиджи.
Бернини подстерегает брата и вступает с ним в драку, а его слуга в отместку за измену по приказу Бернини уродует Констанцию, пока она спит. История имеет неприятный исход: Бернини калечит своего брата. Констанция садится в тюрьму за измену, а Луиджи подвергается высылке из города. Сам Бернини, однако, отделывается лёгким штрафом – ведь за него вступился его друг – папа Урбан VIII.
Но популярность Бернини падала, а очередной папа приблизил к себе другого фаворита. Чтобы вернуть утраченную популярность и положение в обществе, Бернини на поздней стадии своего творчества и создал скульптуру «Экстаз святой Терезы». Скульптура произвела нужное впечатление, репутация Бернини была восстановлена, а сам он, по легенде, прожил оставшуюся жизнь как прилежный христианин.
Бывало, что стремление к внешнему впечатлению соседствовало с конструктивной недальновидностью неопытных мастеров. Тому же Бернини были заказаны две башни на собор Святого Петра в Риме. Он решил сделать их побольше, но не учёл элементарных обстоятельств конструкции, и первая же башня вскоре разрушилась.
Видео: Архитектура барокко
Стиль барокко в скульптуре Л. Бернини
Стиль барокко в скульптуре Л. Бернини
Баро́кко ( «порочный», «распущенный», «склонный к излишествам», «жемчужина неправильной формы) — характеристика европейской культуры XVII—XVIII веков, центром которой была Италия. Стиль барокко появился в XVI—XVII веках в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации». Барокко противостояло классицизму и рационализму.
Стиль барокко был призван прославлять и пропагандировать могущество власти, знати и церкви, но вместе с тем он выразил прогрессивные идеи о сложности мироздания, безграничности и многообразии мира, его изменчивости. Человек в искусстве барокко воспринимается как часть мира, как сложная личность, переживающая драматические конфликты.
Особенность барокко — не соблюдение ренессансной гармонии ради более эмоционального контакта со зрителем
Бернини крупнейший скульптор и архитектор Италии ХVII века. Был представителем итальянского барокко. Сын известного скульптора Пьеро Бернини Лоренцо. Начал заниматься ваянием еще в детстве. В 17 лет он мог уже принять заказ на портретный бюст епископа Сантоки, установленный на его надгробии, а в 20 лет – выполнить портрет папы Павла V. Вслед за этим он несколько лет провел за созданием четырех больших мраморных скульптур, которые заказал ему для сада кардинал Шипионе Боргезе.
В 1650–1670 гг. Бернини делит свое внимание между созданием уличных фонтанов, монументальных надгробий и архитектурных сооружений.В качестве придворного архитектора и скульптора римских пап Бернини выполнял заказы возглавлял все остальные архитектурные, скульптурные и декоративные работы, которые велись по украшению столицы
В соборе святого Петра находятся виртуозно исполненные скульптурные произведения Бернини — алтарная кафедра апостола Петра (1657—1666) с фигурами отцов церкви, святых и ангелов, сверкающая позолотой, привлекающая бурной динамикой и масштабностью. В интерьерах собора в капеллах размещены пышные папские надгробия; статуи святых в стремительных движениях и поворотах, с экспрессивной мимикой и жестикуляцией как бы разыгрывают драматические сцены оплакивания и прославления. Декоративную скульптуру Бернини уподобляет своеобразной картине, располагая ее то в глубоких нишах, то перед стеной, используя цветовые эффекты, достигнутые сочетанием различных материалов: бронзы, позолоты, разноцветных мраморов.
Наряду с барочной декоративной пластикой Бернини создает ряд статуй и портретов, подчас перерастающих рамки барочного искусства. Характер его новаторских исканий ясно ощутим в страстно патетической статуе «Давид» (1623, Рим, галерея Боргезе). В противовес завершенному действию в статуях Донателло и Верроккьо, спокойно-уравновешенным гармоничным героям эпохи Возрождения, Бернини, словно развивая идею Микеланджело, изображает Давида в момент схватки в неистовом порыве ярости, полным драматического пафоса. Герой приготовился с помощью пращи метнуть камень в своего врага. Его фигура в резком развороте и наклоне, нарушающем композиционное равновесие, требует обхода и рассмотрения с разных сторон. Лицо полно ненависти, губы гневно сжаты, взгляд яростен. В скульптуре Бернини намечаются черты реализма нового типа, включающего множество конкретных ощущений и наблюдений.
Тонкость жизненного наблюдения пронизывает позднее произведение Бернини — алтарную группу «Экстаз святой Терезы» (1645—1652, Рим, церковь Санта-Мария делла Виттория), послужившую образцом для многих барочных ваятелей не только в Италии, но и в других странах.
С поразительным мастерством размещает Бернини в алтаре, среди расступающихся колонн мраморные фигуры парящей в облаках Терезы и ангела. Это изображение мистического видения скульптор претворяет в образы, исполненные трепета жизни. Разметались складки монашеского одеяния Терезы, бессильно повисла нервная тонкая рука, запрокинута голова с прекрасным лицом, полуоткрытыми губами, с выражением экстатического блаженства и страдания. Душевное движение передано с невиданной ранее убедительностью. Тереза не видит ангела, но ощущает его присутствие всем существом. Обе мраморные фигуры кажутся совершенно реальными и в то же время представляют зрелище, полное мистического настроения. Сочетание в одном произведении реальности и вымысла способствует созданию впечатления двойственности, столь характерной для искусства барокко в целом. Церковная идея находит здесь свою конкретную, убедительную чувственную оболочку в пышном зрелище, которое захватывает зрителя своей необычностью. В стремлении к иллюзионизму Бернини порывает с тектоническим принципом скульптуры Возрождения. Скульптурная группа в его трактовке утрачивает самостоятельность и включается как фрагмент в общую картину, рассчитанную на эффектные контрасты светотеневых и цветовых пятен, — разноцветный мрамор обрамления, серый гранит, претворенный в легкие облака, на фоне которых размещены фигуры, усиливают ее декоративность.
Новаторство Бернини проявилось и в многочисленных портретах, скульптурных бюстах. Бернини видел и понимал человеческое лицо как пластическое целое, находящееся в постоянном движении. С поразительной остротой передавал он характеры портретируемых. В портрете кардинала Боргезе (1632, Рим, галерея Боргезе) он воссоздал многогранный образ самоуверенного, надменного, умного и властолюбивого человека. Смело обобщая пластическую форму, тонко обыгрывая детали, скульптор добивался передачи наиболее существенных черт модели, осязаемости фактуры материалов. Созданный Бернини пышный репрезентативный портрет Людовика XIV — французского «короля-солнца» (1665, Версаль) послужил образцом для подражания барочным скульпторам.
БАРОККО. Архитектура. Скульптура. Живопись. Под редакцией Рольфа Томана.
Рекомендую всем, кто интересуется художественной культурой и ее историей.Барокко. Архитектура. Скульптура. Живопись. Под редакцией Рольфа Томана.
Искусство эпохи барокко, и прежде всего архитектура, — это пышные декорации, на фоне которых разыгрывался величайший спектакль европейской истории. Первый акт грандиозной пьесы состоялся около 1600 года в Риме. Отсюда и началось распространение нового стиля.
Папы, главные покровители барочного искусства, в первую очередь стремились прославить в веках собственную персону. Именно от них великие художники получали заказы на создание произведений искусства, которые должны были восславить Господа и послужить благим целям наглядной пропаганды в пользу Контрреформации.
Театрализованные представления и роскошь двора «Короля-Солнце» Людовика XIV в символической форме утверждали идею абсолютной власти с жесткой иерархией, пронизывающей общество. «Двор дворов» служил образцом для подражания и во Франции и за ее пределами начиная со второй половины XVII века и на всем протяжении XVIII столетия. Международным придворным языком стал французский.
Центрами барочной культуры были оплоты Контрреформации в католических странах и дворы европейских монархов. Но в этой книге прослеживается еще и роль буржуазии протестантских стран в развитии искусств. В голландской живописи XVII века, основной темой которой была повседневная жизнь человека, религиозные нормы становятся практическим руководством, наставляющим вести нравственный образ жизни.
В данном альбоме барочная живопись рассмотрена только в пределах XVII века, а эволюция архитектуры и скульптуры прослеживается вплоть до позднего барокко и рококо. Авторы намеренно оставляют хронологические границы не вполне четкими. Еще до того, как в 1789 году во Франции пала монархия, барочное искусство сошло с европейской художественной сцены. Мощь и повышенная эмоциональность исчерпали себя, на смену им пришла эпоха Просвещения.
#книги@modern_era_architecture
Рольф Томан (ред.) — Барокко. Архитектура. Скульптура. Живопись — 2000.pdf