особенности стиля, художник этого стиля.

Рококо́ ( от фр. rocaille — дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо) — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко.

Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту.

Идейная основа стиля — вечная молодость и красота, галантное и меланхолическое изящество, бегство от реальности, стремление укрыться от реальности в пастушеской идиллии и сельских радостях. Стиль рококо зародился во Франции и распространился в других странах: в Италии, Германии, России, Чехии и др. Это относится и к живописи, и к другим видам искусства. В России в эпоху рококо живопись европейского типа только появилась впервые, сменив свою, русскую традицию, иконопись. Это портретная живопись Антропова и Рокотова. На смену репрезентативности приходит камерность, изысканная декоративность, прихотливая игра форм. Наиболее ярко живопись рококо проявилась во Франции и Италии. Вместо контрастов и ярких красок в живописи появилась иная гамма цветов, легкие пастельные тона, розовые, голубоватые, сиреневые. В тематике преобладают пасторали, буколика, то есть пастушеские мотивы, где персонажи не обременены тяготами жизни, а предаются радостям любви на фоне красивых ландшафтов в окружении овечек. Впервые черты этого стиля проявились в творчестве Антуана Ватто, у которого главной темой были галантные празднества. Его творчество относят к реализму, он изображал жизнь придворных довольно справедливо. Но в его картинах явно просматривается и новый стиль. Другой, характерной чертой того времени была эротика. Создано много картин, изображающих обнаженную натуру, различных нимф, Венеру. Крупнейший представитель рококо во Франции — Франсуа Буше, работавший в жанре портрета и пейзажа.

В Италии крупнейший представитель того времени — Джамбаттиста Тьеполо (1696, Венеция — 1770, Мадрид). Большое внимание тогда уделялось фрескам, росписи потолков, сводов, стен. Была даже особая специализация среди художников — квадратурист. Он изображал иллюзорные архитектурные формы, служившие обрамлением, а то и фоном. В этом случае нарисованное на плоскости с расстояния кажется скульптурой. Такие росписи есть, например, в вестибюле Зимнего дворца. Видным художником является Пьетро Лонги. Его бытовые сцены вполне соответствуют характеру стиля рококо — уютные гостиные, праздники, карнавалы.

Среди крупных представителей живописи рококо в других европейских странах: Фрэнсис Котс (в Великобритании), Жан Юбер (в Швейцарии), Густаф Лундберг (в Швеции).

https://ru.wikipedia.org/wiki/Рококо#Живопись

Характеристика и особенности стиля рококо в интерьере

Стиль рококо в интерьере известен нам со времён Франции XVIII века. Он стал своеобразным продолжением барокко, логичным этапом развития этого стиля. Характерные для барокко театральность и вычурность несколько сглаживаются, но в целом стиль остаётся столь же манерным, декоративным, однако, приобретая некую изящность.
  
   

содержание:

 Краткая история стиля

 Цветовая гамма

 Линии и формы

 Материалы

 Планировка помещений

 Мебель

    
    

«Краткая история стиля»

Название «рококо» произошло от французского «rocaille», что означает «раковина» или «дроблёный камень». Именно лёгкий, капризный изгиб, читающийся в форме раковины, стал символом рококо. Поначалу стиль подвергался многочисленной критике, и его название носило скорее негативный, презрительный оттенок. Виной этому была идея бегства от реальности, легкомысленность, излишняя декоративность при отсутствии рациональной нагрузки. Но стремление к художественности и личному комфорту победило – стиль рококо получил огромное распространение, особенно в Германии и Италии.

   

 

«Цветовая гамма»

Свойственная барокко насыщенная палитра тускнеет, на смену ей приходят новые оттенки. Мир, далёкий от реальности, увлечение мифологией, культивирование внутренних переживаний – всё это наложило отпечаток на характерную для рококо цветовую гамму. Дизайн интерьера в стиле рококо выглядит нездешним и сказочным благодаря преобладанию пастельных размытых цветов. Основные: нежно-голубой, сиреневый, розовый, карамельный, золотистый, белый. Неудивительно, что детская комната в стиле рококо выглядит столь гармонично.

    

 

«Линии и формы»

В архитектуре и интерьерах того времени вы не встретите прямых и чётких линий. Рококо избегает симметрии и лаконичных форм, распоряжаясь ими, как ему вздумается.

• Здесь капризность и игривость стиля становится наиболее очевидной – композиция не стремится к законченности, архитектурные элементы внезапно меняют размер, а то и закручиваются лихими завитушками.

• Комнаты редко имеют форму простого квадрата – их делают круглыми, овальными, восьмиугольными. Пространство многократно дробится, в стенах создаются углубления, а прямые поверхности покрываются рельефным орнаментом.

• Огромное значение уделяется оформлению потолка – он украшается росписями и фресками, розетками, разнообразной лепниной.

 

   

«Материалы»

Для отделки помещения стиля рококо не применяются простые и дешёвые материалы, всё в интерьере должно говорить о богатстве и наслаждении жизнью. Широко используются экзотические породы дерева, шелка и гобелены, мрамор, золото, бронза. В моде буазери – деревянные узорчатые панели, которые применяются для обшивки стен. Популярность завоёвывает и новая диковинка из Китая – бумажные обои, ею отделывается даже кухня в стиле рококо.

 

   

«Планировка помещений»

Интерьеры рококо в прямом смысле «светские». Комнаты, которые предназначались для приёма гостей, всегда располагались в передней части помещения – вестибюль, холл, гостиные и будуары. Жилые же помещения были небольшого размера, и обыкновенно помещались в заднем крыле дома. Таким образом, создавался баланс между местами для увеселения и спокойного отдыха, чего не было в стиле барокко.

Спальни становятся общественной зоной, там же делаются кабинеты для приёма гостей. Поэтому помимо кровати и шкафов комнаты наполняются кушетками и шезлонгами – это интересная особенность стиля рококо.

Дверные и оконные проёмы решаются в виде полукруглых, слегка заниженных арок. Широко используются колонны и полуколонны, если не прямые, то винтообразные. Ни один выступ или обрамление не остаётся без внимания, всюду пускаются в ход орнаментальные мотивы, гирлянды, фестоны.

   

 

«Мебель»

Фантазия архитекторов и декораторов была безграничной! Приёмные и салоны были перенасыщены разнообразной мебелью и украшениями интерьера.

• Мебель ставится на небольшие, изящно изогнутые ножки, украшается позолотой. Широко используется как дорогая обивка, так и мебельные чехлы.

• Схема её расстановки свободная, порядок может быть хаотичным, лишь бы хозяевам было удобно. Гостиная в стиле рококо, спальня и любая другая комната предполагает преобладание мягкой мебели для сидения, на которой дамы могут отдыхать и предаваться приятной беседе.

• Также распространены всевозможные места для хранения, от маленьких шкафчиков до объёмных шифоньеров. Тогда же появляются новые элементы мебели, такие как секретеры, бюро, различные комоды и даже специальные шкафчики для хранения бумаг.

Характеристика стиля рококо этим не исчерпывается, он продуман до мелочей и таит в себе ещё множество секретов, о которых вы можете узнать из дальнейших статей на эту тему!

История стиля «рококо» (стр. 1 из 2)

Стиль Рококо, возникший во Франции в начале XVIII века, был своего рода ответной реакцией на монументальный классицизм и парадно-официальный стиль барокко, выразившийся в архитектуре и внутреннем убранстве Версальского дворца Людовика XIV и господствовавший во французской архитектуре на протяжении почти всего периода правления короля-Солнца (1643-1715). Термин «рококо» происходит от франц. rocaille, что означает декоративные раковины и камни. Основные черты этого стиля — динамичные асимметричные формы (раковин таких моллюсков, как гребешки), различные завитки (S — и С-образные), натуралистично выполненные побеги цветов и волнообразный растительный орнамент. Встречаются экзотические китайские мотивы, сюжетные орнаменты: Элементы стихии и Времена года. Цветовая гамма — золотой, белый, цвет слоновой кости, кремовый, а также пастельные оттенки голубого, зеленого, розового и желтого. Французское рококо — своего рода передышка после тяжеловесного барокко, а характерное для него обилие стенных зеркал (прием, использованный в Версале, в конце строительства которого уже проявились элементы рококо) придало интерьерам воздушную легкость.

От Швеции, на севере, и до Португалии, на юге, декоративное убранство в стиле рококо ассимилировалось с традиционной архитектурой европейских стран. Например, в 1730-х годах стиль рококо распространился в католических немецкоязычных государствах и французская элегантность прекрасно ужилась с театральной напыщенностью национальной архитектуры. Самым ярким образцом германского рококо можно считать церковь Вискирхе близ Мюнхена, построенную в 1745 году Доминикусом Циммерманом. Важнейшие элементы рококо присутствуют (наряду с элементами барокко) и в розово-белом дворце Сан-Суси 1745 года в Потсдаме Георгом фон Кнобельсдорффом. Его проект набросал сам Фридрих Великий. Красочность барокко XVII века не утратилась в немецком рококо XVIII века, выразившись в цветовом богатстве и утонченности орнамента. В это время устанавливается оживленная торговля со странами Дальнего Востока. На европейский рынок попадают изделия из лака, фарфора, шелка, что формирует вкус к экзотике. Товар этот дорог и доступен немногим, но пользуется большим спросом. Это приводит к появлению дешевых подделок лаковых изделий и бело-синего китайского фарфора династии Мин в европейских странах. Вначале они достаточно близки к восточным прототипам, но постепенно все больше отходят от оригинала и создают стиль шинуазри.

Философию стиля Рококо определяли женщины — фаворитки короля: маркиза де Помпадур, мадам Дюбарри, Мария Лещинскя. Рококо считает главным в жизни праздник. Скрытые павильоны, китайские домики, укромные гроты. Камерность и уютность помещений рококо создавалась за счет гораздо меньших размеров и особого декорирования.

Стиль рококо — это скорее оформление интерьеров, чем архитектура зданий. В его духе делались мебель, посуда, драпировка, металлическая утварь. Ведущими творцами этого направления были такие известные французские художники-оформители, как Жан Берэн, Жермен Боффран, Жиль-Мари Оппенор, Жюст-Орель Мейсонье, Жан Пильман и Николя Пино. Вершиной рококо можно, пожалуй, назвать залы отеля «Субиз» в Париже, оформленные Боффраном. Орнаменты в этом стиле были запечатлены на многих гравюрах, что способствовало быстрому распространению рококо не только во Франции, но и за ее пределами.

В некоторых регионах Франции рококо оставался в моде до конца 1780-х, однако в Англии и Северной Америке он с самого начала не прижился, а с середины XVIII столетия и вся Европа стала подвергать его критике. Если по началу рококо считался стилем легким, радостным, то впоследствии его объявили фривольным и претенциозным, в итоге рококо, сменивший в свое время барокко, уступил место неоклассицизму. Однако присущие ему тонкий орнамент и пастельная, непременно с золотым компонентом, палитра продолжали вдохновлять следующие поколения оформителей. В XIX веке рококо пережил второе рождение (причем даже в Соединенных Штатах). Более того — он послужил почвой для направления «ар нуво», расцвет которого приходится на конец XIX — начало ХХ века.

Рококо в России вошло в моду при отделке дворянских особняков середины и конца 19 века. Роскошь гостиных, изобилующих дорогостоящими коллекциями произведений искусств. Вторая половина 19 века интересна Российским вариантом формирования рококо, а именно отказом от услуг архитекторов в оформлении интерьера. Сам владелец оформлял помещение в своем вкусе. Перегруженность декором, количеством предметов и, как следствие, замкнутость пространства — типичные признаки кризиса стиля этого времени.

Архитектура в стиле «рококо»

Рококо возникло в последние годы правления короля Людовика XIV (1643-1715), но в отличие от всех предшествовавших ему стилей французской архитектуры не было придворным искусством. Архитектура в стиле Рококо представляет собой воздушность и игривость, целесообразность и симметричность в данном стиле уходит на второй план, на первом, воплощение капризов в интерьере и декоративной эффектности.

Большинство построек рококо — это частные дома французской аристократии: богатые городские особняки (во Франции их называли «отелями») и загородные дворцы. Как правило, высокая ограда отделяла особняк от города, скрывая частную жизнь владельцев дома. Комнаты отелей часто имели криволинейные очертания; они не располагались анфиладой, как было принято в особняках XVII века, а образовывали весьма изящные асимметричные композиции. В центре обычно помещался парадный зал — так называемый салон. Комнаты были гораздо меньше, чем залы дворцов эпохи классицизма, и с более низкими потолками. Окна же, напротив, были очень большими, почти от самого пола. Интерьеры построек рококо оформлялись скульптурными и резными украшениями, живописью на фантастические темы и множеством зеркал. Отель Субиз в Париже был построен для принца де Субиза в 1705-09 гг. по проекту Пьера Алексиса Деламера (1675-1745). Как и другие особняки, он отгорожен от прилегающих к нему улиц высокой стеной с роскошными въездными воротами. В интерьере отеля Субиз особенно интересен Овальный салон (1735-38), созданный в стиле рококо архитектором, скульптором и декоратором Жерменом Боффраном (1667-1754). Здесь все углы закруглены, нет ни одной прямой линии, даже переход от стен к потолку замаскирован картинами, помещенными в рамы криволинейных очертаний. Все стены украшены резными панелями, позолоченными орнаментами и зеркалами, которые словно расширяют пространство, придавая ему неопределенность.

В эпоху рококо был создан также один из самых красивых городских ансамблей Франции — ансамбль трех площадей в городе Нанси в Лотарингии, построенный в 1752-55 гг. по заказу Станислава I, герцога Лотарингского. Автором этого проекта был ученик Боффрана Эмманюэль Эре де Корни (1705-1763). Королевская площадь перед Дворцом правительства представляет собой как бы огромный парадный двор, почти овальной формы. По всему периметру площади тянется колоннада, включающая в себя также и портик Дворца. С портика открывается вид на узкую и длинную, засаженную деревьями площадь Карьер, которая завершается триумфальной аркой. Последняя представляет собой вход на главную площадь ансамбля — Площадь Станислава, имеющую форму прямоугольника. Угловые въезды на площадь оформлены коваными решетками и воротами с изящным позолоченным узором. В центре площади возвышается конный монумент герцога Станислава I. Ансамбль в Нанси хронологически завершает эпоху рококо.

Палитра «рококо»

В колористической гамме рококо всегда и повсюду присутствует золото. В основном его использовали, чтобы выделить важные детали и элементы оформления: те же завитки, раковины, рамки филенок. Если денег на сусальное золото не хватало, выручала желто-золотистая краска. Для фонов интерьеров характерны были пастельные тона: голубые, зеленые, розовые, желтые, кремовые, беловатые и цвет слоновой кости. С ними хорошо гармонировали глянцевые коричневые тона дерева твердых пород. Использовались и более насыщенные цвета: фиолетово-синий, зеленый и розовый «помпадур» — цвет севрского фарфора, который встречается и в гобеленах.

Мебель в стиле «рококо»

Стиль рококо, характерен абсолютным отсутствием прямых линий. Мебель стиля рококо изящная, небольшая по размерам, со скругленными углами и удобная для пользования. Характерные изогнутые ножки, спинки и подлокотники, диваны обильно украшенные резьбой и бронзовыми накладками в виде гирлянд цветов, растений, раковин, составляющих своеобразный рисунок орнамента. Большая часть кресел, стульев и других сидений становятся мягкими, для их обивки применяется тончайшие и дорогие ткани. Входит в моду специализированная мебель, например, дамские секретеры; кофейные столики и столики для завтрака в постели; письменные и швейные столы. Кресла и стулья теперь имеют широкие сиденья и спинки. Для отдыха широко используются канале — небольшие диваны, спинки которых высоко подняты. Деревянные части предметов окрашены в светлые тона — белый, голубой, фисташковый, — покрыты лаком или позолотой. Обилие подушек, обитых шелковой материей, с крупными букетами цветов.

Материалы изготовления в основном — липа, орех, красное дерево, вишня, пальмовое дерево, легко поддающиеся мелкой и тонкой резьбе.

Наиболее распространенным предметом мебели в европейской обстановке начала XVIII века был стол. А вернее сказать, множество разновидностей столов и столиков: туалетные, рукодельные, столы-серванты, столы-консоли, ломберные и пр. Во Франции в это время появились маленькие изящные столы-бобики, получившие свое название из-за формы столешницы, которая напоминала бобовое зерно, и служившие для письма, чаепития, рукоделия и т.д. Однако никакой другой вид столика нельзя было сравнить по популярности с пристенным — столом-консолью.

Декор

Декоративное искусство рококо принадлежит к высшим достижениям искусства 18 в. по изысканности, красоте асимметричных композиций, по духу интимности, комфорта и личному удобству. Основными принципами этого стиля в искусстве был уход от жизни в мир фантазии, игры, мифических сюжетов. Господствует грациозный, прихотливый орнаментальный ритм.

Рококо

РОКОКО   РОКОКО, ИЛИ СТИЛЬ РОКАЙЛЯ (франц. Rococo — «вычурный, прихотливый, извилистый», от Rocaille — «скальный»; Roc — «скала, гора, утес») — исторический художественный стиль, распространенный в западноевропейском искусстве второй четверти и середины XVIII в. В 1736 г. французский ювелир, рисовальщик-орнаменталист и резчик по дереву Жан Мондон «Сын» (J. Mondon Le fils) опубликовал альбом гравированных рисунков под названием «Первая книга форм рокайль и картель» («Premier livre Les formes Rocaille et Cartelle»). Картель (франц. Cartelle, от итал. Carta — «бумага, сверток») — элемент орнамента, близкий бандероли , картушу, кнорпелю, ролльверку. Однако слово « рокайль» было в то время новым. В 1754 г. рисовальщик и гравер Шарль-Николя Кошен Младший опубликовал памфлет, адресованный парижской гильдии ювелиров, в котором призывал отказаться от вычурных форм «rocaille«. Существуют сведения о том, что в XVIII в. на профессиональном жаргоне резчиков по кости слово «рокайль» означало: выпуклый рисунок, рельеф. Это же слово встречается в «Карманном словаре изящных искусств» аббата А. Булье (1759). Архитектор французского Неоклассицизма Ж.Ф. Блондель Младший употреблял слово «rocaille» в 1770-х гг. для обозначения причудливых форм предшествующей его творчеству эпохи. Термин «рококо» в ироничном смысле (добавив к слову «рокайль» двойное окончание, наподобие: «обезьянничанье») использовал Ж.Ж. Руссо, когда высмеивал вкусы и нравы « эпохи маркиз«. Однако до середины XIX в. слово «рококо» не являлось названием художественного стиля, его употребляли исключительно в негативном значении, иногда в качестве синонима слова «барокко» (которое тоже считали наименованием дурного вкуса). С 1759 г. в Германии встречается синоним «рокайля» — «Grillenwerk» (вычурная работа). Появление же самого слова «рокайль» связано с эстетикой «Большого стиля» эпохи «Короля Солнце» Людовика XIV (вторая половина XVII в.). Во французских парках «регулярного стиля», в частности в Версале, было принято устраивать потайные павильоны среди зеленых боскетов. Павильоны стилизовали под естественные пещеры — гроты, внутри их оформляли как морское царство Нептуна. В жаркое лето кавалеру с дамой было приятно зайти в прохладный полумрак пещеры, где бил небольшой фонтан, бежал ручеек, а на стенах среди грубо обработанных, поросших мхом камней виднелись искусно сделанные лепные украшения в виде раковин ( атрибутов морского бога) и переплетающихся растений. Постепенно форма раковины действительно стала одним из основных мотивов стиля Рококо. Однако происхождение термина связано не со словом «раковина«, а со словом «грот, камень, скала» (франц. Roc). Стилю Рококо 1730—1740-х гг. предшествовал французский стиль Регентства (1715—1722). Его рассматривают в качестве этапа, связующего эпохи Людовика XIV («Большой стиль») и Людовика XV, но в истории искусства Франции «стиль Людовика XV» («Le style de Louis Quinze»), совпадающий по времени с годами правления этого короля (1715—1774), не отождествляют с Рококо. «Стиль Луи XV» трактуют в качестве переходного к «стилю рокайля«. Последний в этом случае понимается шире в хронологическом и географическом отношениях, поскольку он был распространен и в других странах помимо Франции. В таком случае « стиль Людовика XV» является историко-региональным, а стиль Рококо — историческим. Предыдущий стиль в истории искусства Франции — стиль Людовика XIV — соединял элементы Классицизма и Барокко. На этом основании Рококо иногда представляют как естественное развитие Барокко. Однако в отношении французского искусства подобная трактовка неприемлема. Принципиальное различие обоих стилей можно рассмотреть на примере их типичных мотивов. Ренессансная раковина морского гребешка, характерная для искусства Итальянского Возрождения и французского Ренессанса XVI в., к концу XVII в. трансформировалась в «Большом стиле» в эмблему «Короля Солнце«, но оставалась классически симметричной. Стиль Барокко в полной мере во Франции не был принят, поскольку в этой стране сильна классическая традиция. В искусстве итальянского, испанского, немецкого и фламандского Барокко, напротив, раковина трансформируется в причудливые, асимметричные формы кнорпеля и ормушля. Аналогичное сравнение можно провести в отношении двух других форм: барочной волюты и рокайля. Волюта — завиток с двойным S-образным изгибом — происходит от античной гелики, или консоли, — элемента, имеющего конструктивное значение, поэтому в форме волюты идеально выражено конструктивное усилие, напряжение. Когда в эпоху Итальянского Возрождения Ф. Брунеллески перевернул античные кронштейны на 90° и превратил их в декоративные завитки, венчающие аркбутаны фонаря купола Флорентийского собора, они не потеряли своей выразительной силы. И в дальнейшем, в архитектуре Барокко, волюты выражали динамику, напряженное движение от горизонтали к вертикали. Завиток рокайля иного происхождения, он представляет собой поверхностный, орнаментальный мотив, лишь отчасти связанный с формой раковины и в большей степени — с флореальными элементами, и не имеет отношения к архитектурной конструкции. Поэтому рокайль не несет в себе конструктивного смысла и качеств тектоничности. Он деструктивен и атектоничен, это объясняет тот факт, что стиль Рококо не получил распространения в композиции архитектурного экстерьера (внешнего вида зданий). Стилистика Рококо не связана с традицией классической архитектуры, в то время как итальянское Барокко «выросло» из архитектуры римского классицизма начала XVI в. и является его естественным продолжением, усложнением приемов формообразования (хотя выглядит отрицанием архитектуры Классицизма). Барочная пышность напряжена, динамична, рокайльная — нежна и расслаблена. Стиль Рококо (исключая его разновидности в других странах) является истинно французским изобретением, не связанным с тенденцией перерастания архитектуры Классицизма в Барокко. Он возник в камерном искусстве периода Регентства, в интерьерах аристократических гостиных, салонах и будуарах. Если другие исторические стили рождались в архитектуре и даже более того — на основе кардинальных изменений архитектурной конструкции, как, например, Готика, Классицизм, Барокко, Неоклассицизм, и лишь затем распространялись на другие виды искусства, то стиль Рококо является исключением. Он возник не в результате преображения архитектурных форм, а из орнаментального мотива, получил развитие в оформлении интерьера, мебели, в фарфоре, декоративной лепке и резьбе, в искусстве костюма и ювелирных изделий. В тех же случаях, когда орнаментика рокайля затрагивает архитектурную композицию, она действует на нее атектоничным образом. Швейцарский историк культуры Якоб Буркхардт (1818—1897), автор знаменитой книги «Культура Возрождения в Италии» (1860), использовал термин «рококо» для обозначения деструктивной стадии развития любого художественного стиля, в частности поздней Готики. В Германии стиль Рококо долгое время сравнивали с поздней Готикой (нем. Spätgotik) и считали возвратом от Барокко к Классицизму, но сопровождающимся деструктивными тенденциями. Французский историк искусства Луи Откёр (1884—1973) в третьем томе «Истории классической архитектуры во Франции» (1952) показал, что классическая традиция в искусстве Франции никогда не прерывалась и, в частности, стиль Рококо был связан не только с новыми орнаментальными мотивами, а с дальнейшим развитием классицистического стиля с преобладанием изогнутой линии и криволинейных поверхностей. Этот тезис возвращает нас к связи стиля Рококо с эстетикой садово-паркового искусства. Для Франции второй четверти XVIII в., по определению А. Брюнинга, характерно стремление придавать интерьерам «вид палатки или древесного шатра. Тяжелые пилястры вдоль стен времен Барокко сменяются тонкими воздушными колонками, обвитыми гирляндами цветов. Потолок белоснежный, точно полотно, раскинутое на легких кольях палатки, или голубой, как будто само ласковое небо заглядывает в дом«. Обращение к природе и формальная изысканность стиля объясняют присутствие в Рококо экзотических флореальных мотивов. В этом отношении Рококо действительно имеет общие черты с Готикой. В растительных мотивах декора тканей еще в период Регентства сложился прием двух параллельных и волнообразно изгибающихся осей симметрии, похожих на плетение ветвей. Эти ветви обвивают гирлянды, букеты, вокруг них — мелкие цветы и букетики, размещенные наклонно, по диагональным осям. Еще одна черта века Рококо: академическое искусство не уступает своих позиций. Как остроумно заметил С. Рейнак, «картина Куапеля на библейскую тему, исполненная в громадных размерах, имеет вид живописи для веера, но чрезмерно увеличенной«. Девизом галантного века Людовика XV стала фраза, которую приписывают фаворитке короля маркизе де Помпадур: «После нас хоть потоп!» («Après nous Le déluge!» — так маркиза утешала короля после поражения его войск при Росбахе). После пышного и помпезного века Людовика XIV центром формирования новой культуры стал не парадный дворцовый интерьер или просторы Версальских садов, а салон, быт частного дома. Заправляли французскими салонами женщины, именно они создавали среду, в которой формировалась новая аристократическая культура с собственным языком — изящным, галантным и ироничным. Женщина стала главным объектом искусства. Огромная армия портных, парикмахеров, декораторов, ювелиров, живописцев, ткачей, мебельщиков создавала удивительные вещи. Уподобленная маскараду жизнь светских салонов французской столицы была поставлена в зависимость от моды и капризов королевы Марии Лещинской (1725—1768) и фавориток короля: герцогини де Шатору (с 1743 г.), маркизы де Помпадур (с 1745 г.), графини Дю Барри (с 1769 г.). Фигура женщины, алчной, но образованной, — средоточие нового стиля. «Маркиза Помпадур была творцом эпохи Рококо. Графиня Дю Барри была созданием этой эпохи«. Полстолетия спустя живописец французского Неоклассицизма Ж.Л. Давид презрительно назвал стиль Рококо «эротическим маньеризмом«, русский поэт В. Я. Брюсов — «веком суетных маркиз«. В искусстве стиля Рококо эстетизировали материальное, телесное, но этому, парадоксальным образом, придавали возвышенное значение, отчего возникало ощущение легкости, изящества, непринужденности, эфемерности бытия. В эпоху французского Рококо завершались процессы, начавшиеся в XVII в., в «Большом стиле» Людовика XIV: отрабатывались понятия этикета, вкуса; культивировались не цель, а средства искусства, не художественный образ как целое, а отдельные способы и приемы композиции, манеры, техники выполнения. С этим связан и необычный, изощренный эротизм новой культуры. Традиционная французская куртуазность, культ Прекрасной Дамы, воспетый средневековыми трубадурами, принимают иной характер. Место недосягаемого идеала красоты занимает доступное и пикантное. При этом категории прекрасного и идеального, так волновавшие художников эпохи Возрождения и теоретиков Классицизма, теряют свое значение. Любимыми темами художников Рококо были не сила и страсть, а нежность и игра. Философские темы ванитас, «суеты сует», «пляски смерти» , распространенные в эпоху Возрождения и Барокко (XVI—XVII вв.), исчезают вместе с ощущением времени , которое будто бы останавливается. Есть только настоящее, без прошлого и будущего. Эстетизируется мгновение, а не жизнь. Формулой культуры Рококо стал «счастливый миг». Идейной и эмоциональной основой — гедонизм , индивидуализм (формировавшиеся еще в период Регентства), а формой выражения этой идеологии — интимные сюжеты, игривая грация, «дух мелочей прелестных и воздушных«, как определил эту особенность русский поэт М. А. Кузмин. Эстетика мимолетного, неуловимого нашла выражение в жанре каприза, блестяще воплощенного в картинах А. Ватто, отличающегося от барочного каприччьо легкостью, веселостью или нежной грустью. Любимая аллегория — Благословенные острова, Рай влюбленных с храмом Венеры, где царствуют безделье, легкий флирт, праздники и забавы; мужчины там галантны, а женщины прекрасны, нежны и наивно распутны. Двусмысленность подобных аллегорий усиливалась призывами к вечному наслаждению и намеками на быстротечность жизни, скорую пресыщенность удовольствиями, призрачность земного счастья. Мифологические сюжеты, обязательные в искусстве Классицизма и Барокко, продолжали использовать, но круг персонажей сузился. Венера, нимфы и амуры затмевали остальные божества. Образ солнечных богов Аполлона и Гелиоса, олицетворявших Людовика XIV, героические сюжеты и аллегории отступили перед темами, представлявшими художнику наибольшие возможности в изображении обнаженного женского тела. Были легализованы откровенно эротические сюжеты — натурщицы в вызывающих позах, лишь слегка замаскированные с помощью малозначащих атрибутов под Диан и Венер. Саму Венеру стали изображать в образе раздетой или полураздетой светской дамы, подчас с известными чертами какой-либо высокопоставленной особы, демонстрирующей свои прелести в почти домашней обстановке. Причем подобное обмирщение считалось похвальным и находчивость художника всегда получала одобрение. В светских сюжетах намеренно выбирали ситуации, которые могли послужить поводом, как бы невинным, для эротики, например «Прекрасные возможности качелей«. В «купаниях«, «утренних туалетах«, «летних удовольствиях» художники обыгрывали тему «сравнения«, когда несколько красавиц вступают в соревнование, демонстрируя друг другу и, конечно, зрителю прелестные части своего тела. Античные буколики — сцены «пастушеской жизни» — превратились в обычные сюжеты соблазнения: «пастухи и пастушки«, одетые в пышные бальные наряды, среди цветов и барашков заняты чтением, игрой на свирели… Характерная тема: неотвратимость стрел любви, на которую известны иллюстрации Ф. Буше к пьесе Ш. С. Фавара «Осада Цитеры«. Сюжет пьесы сводится к следующему. Остров Цитера — неприступная цитадель богини любви Венеры. Ни одно войско в мире не может овладеть ее крепостью. Но однажды, когда Венера отлучилась, отправившись на свидание к Адонису, бог войны Марс наслал на остров войско диких скифов. Их сердца, сделанные из железа, Марс посчитал неуязвимыми для стрел Амура. Нимфы, защищавшие Цитеру, согласились решить исход войны единоборством предводителей. Одна из нимф предложила скифскому царю пронзить ее сердце, но он, сам сраженный ее прелестями, выронил из рук оружие. Остальные нимфы опутали скифов гирляндами цветов, и все закончилось к обоюдному удовольствию. На дальнем плане Буше изобразил храм любви со статуей Венеры, а на переднем нимфа опутывает побежденного скифа «цепями» из роз. Так эстетика будуара соединилась в стиле Рококо с классическими сюжетами. Вместо полнокровных, пышущих энергией, силой и движением фигур Рубенса в моду вошли хрупкие и томные бело-розовые тела «в нежном возрасте ранней весны» (франц. blanc et Rose — «белое с розовым»). Эстетика обнаженного тела, трактуемого в искусстве Классицизма идеально-отвлеченно, уступила место пикантной «раздетости«, или «полуобнаженности» (франц. retroussе), находящейся в полном согласии с французской традицией драпри — искусства драпировки (франц. draperie). «Нежные образы» воплощались соответствующими средствами: мягкими контурами, округлыми линиями, нюансами тона и цвета, чему подобрали теоретическое обоснование: «Эти формы посвящены Венере… В самом деле, взглянем на прекрасную женщину. Контуры ее тела мягки и округлы, мускулы едва заметны, во всем царит простая и естественная нежность, которую мы скорее чувствуем, чем можем определить». Французский писатель Ж.Ш. Гюисманс сформулировал женственную эстетику Рококо еще более откровенно устами героя своего романа: «Стиль Луи XV подходил хрупким, истощенным возбуждениями мозга людям; ведь только XVIII век сумел облечь женщину порочной атмосферой, придать контурам мебели форму ее прелестей, заимствуя для изгибов, для хитросплетений дерева и меди судороги ее наслаждения, завитки ее спазм…» Манера художников Рококо живописна, бегла, почти импрессионистична. Изменился заказчик картин. Если в эпоху Барокко и «Большого стиля» основными заказчиками были католическая церковь и королевский двор, то теперь состав любителей и ценителей живописи пополнился новой аристократией и представителями «третьего сословия«, которые желали видеть «только приятное«. Создается впечатление, что главным видом искусства в ту эпоху стали декоративные работы — росписи плафонов, настенные панно и десюдепорты (франц. dessus-de-porte — «то, что над дверью») — панно, расположенные над дверным или оконным проемом и связанные с ним общим обрамлением. Десюдепорты дополняли лепными золочеными рокайлями, внутри размещали зеркала либо картины ведущих живописцев.     Так, в знаменитом интерьере — Зеркальном зале Отеля принца де Субиз (Hôtel Soubise), классике французского Рококо, оформленном по проекту архитектора Жермена Боффрана (1667—1754), живописные десюдепорты созданы выдающимися художниками своего времени, в том числе Франсуа Буше. План зала — овальный (форма, типичная для стиля Рококо), но даже эта форма зрительно замаскирована раскреповками (выступающими трюмо и заглубленными зеркалами). Многократные отражения зеркал друг в друге и падуга (закругление перехода от вертикальной плоскости стены к плафону) не дают возможности оценить конфигурацию и истинные размеры помещения. К тому же сама падуга с десюдепортами, весьма неудобного формата для живописца, усложнена множеством рокайлей. Архитектурное пространство деструктивно, оно создает зыбкий образ «зеркала в зеркале«, мнимость, ощущение эфемерности границ (франц. mise-en-abîme — «положения в бесконечности»). Франсуа Буше — выдающийся мастер, он создал огромное количество замечательных картин, рисунков, гравюр , однако создается впечатление, что большую часть жизни Буше потратил на багатели (франц. bagatelle — «безделица, пустяк»). Этот художник обучал маркизу де Помпадур рисованию, в 1755—1770 гг. руководил мануфактурой Гобеленов (обязанность первого живописца короля), где выполнил картоны для известной серии «Любовь богов«. Он расписывал веера, разрабатывал рисунки для гемм