Вышивка в истории: «Удар бича» Германа Обриста

Я, как и многие, очень люблю стиль ар нуво, он же модерн, за красоту и изящество линий, цветовые решения и особое своеобразие. Но должна признаться, я никогда не стремилась изучить эпоху ар нуво в деталях, хронологических последовательностях и логических связях, ограничиваясь хаотичным знакомством с творчеством отдельных авторов. Это, конечно же, никуда не годится, поэтому я решила взяться за дело основательно. И сегодня хочу поделиться с вами вышивкой, которая внесла необычайный вклад в развитие ар нуво и стала символическим предвестником его расцвета!

Альфонс Муха

Принято считать, что стиль ар нуво начал постепенно оформляться в конце 1880-х годов, хотя корни его уходят и в предыдущие десятилетия. Примечательно, что модерн стал детищем не одной конкретной страны и уж тем более не одной творческой группы, а результатом поиска нового, свежей альтернативы историзму, который главенствовал в Европе, бесконечно повторяя прошлое. Англия, Франция, Германия, Бельгия, Швейцария и многие другие страны внесли свой вклад в ар нуво (у которого, кстати, множество названий из-за такой обширной географии).

pandorasupholstery

В Германии ярким представителем югендстиля (немецкое название ар нуво) стал художник-декоратор Герман Обрист. Он изучал ботанику и историю, что весьма наглядно отразилось на всем его дальнейшем творчестве.

Одно из самых знаменитых творений — вышивка, которую сегодня чаще всего называют «Удар бича» (1895 г). На самом же деле изначально этот изысканный растительный орнамент, вышитый золотом на голубом шерстяном панно, носил название «Альпийские фиалки» (также можно встретить название «Цикламен»), но некогда критик метко сравнил работу с изогнутым в момент удара хлыстом, и это название прижилось.

В этой вышивке воплотилось практически все, на чем зиждется ар нуво: динамика и замысловатость линий, растительные мотивы, детализированные и в то же время стилизованные. Эта работа стала одним из программных произведений стиля модерн, и сегодня она хранится в Городском музее Мюнхена.

Удар бича (удар хлыста)

«Удар бича» или второе название «цикламен». Автор идеи Герман Обрист.

Шерстяное панно украшенное энергичными линиями вышитого шелком растительного узора, получившего название «Удар бича» (удар хлыста). Около 1895 год. Ширина 183 см.

Следствием неточности перевода, является путаница в терминологии. В печатных изданиях это произведение иногда называют гобелен  Германа Обриста или вышивка Германа Обриста. Название произведения так же встречается в двух чтениях «Удар бича» или «Удар хлыста».

«Удар бича» (удар хлыста)– яркая демонстрация любви к изогнутой линии, являвшейся сутью ар нуво. Полное отсутствие прямых линий и углов- девиз первого из трёх новых стилей в искусстве пришедших на смену эклектике в1890 м году.  Герман Обрист находил вдохновение в мире растений. В изысканном рисунке можно рассмотреть корни, листья, цветы растения.

Природа была неиссякаемым источником идей для художников ар нуво, многие из них обладали обширными познаниями в ботанике и черпали вдохновение в мире растений. Цветы, стебли и листья благодаря своим естественным силуэтам, служили щедрым материалом для фантазий. Предпочтение отдавалось лилиям, ирисам и орхидеям, хотя и любая другая природная форма, будь то пальмовые листья или водоросли, могла быть использована для создания живого узора. Прекрасные романтичные девушки с распущенными вьющимися волосами, полуобнаженные или в одеждах обтекающих прекрасные формы украшали ранние произведения в стиле ар нуво. Позднее им на смену пришли стилизованные растения с изогнутыми стеблями и ланцетовидными листьями.

 

Растения и фигуры динамичны. Орнаменты более естественного, плавного движения изогнутых и волнистых линий, которые можно увидеть в любом произведении этого стиля. «Удар бича» самый выразительный орнамент этого стиля. Изогнутые линии использовались как в реалистических изображениях природных форм, так и в абстрактных образах. Во всех случаях основной упор делался на декоративный плоскостной характер рисунка. «Цикламен» в «Ударе бича», как бы разложенное в плоскости  растение. Изящная невесомость линий ярче всего проявлялась при работе с мягкими, податливыми материалами или с теми, которые могли таковыми казаться. По сути, это был декоративный стиль, служащий для придания весьма прочным предметам видимости хрупкости, воздушности, лёгкости.

Нам приходилось реставрировать предметы мебели, ар нуво, выполненные из дорогих пород дерева и украшенные резьбой орнаментами так или иначе  напоминающими «удар бича» (удар хлыста). Отличительной особенностью этих предметов было их высочайшее качество. Встречались так же и поделки более позднего времени изготовления, так сказать реплики или фантазии на тему ар нуво. Их отличительная черта – менее дорогой материал и отсутствие «чистоты стиля». Но в любом случае идея растительного орнамента в стиле ар нуво выглядит великолепно.

C уважением, Елена Жилина.
+7 (495) 364-93-23

Галерея мастерской

Ориентировочная цена реставрации (прайс на 9 января 2019 г.)

	Цена, рубли
Стул	5000 — 20000
Кресло	10000 — 30000
Диван	30000 — 60000

	Стоимость, рубли
Стол	10000 — 40000
Буфет	30000 — 80000
Шкаф	30000 — 80000

Восстановление лакокрасочного покрытия

 

Отослав нам заполненную форму c фотографиями, а так же задав вопрос, вы получите полную информацию о предмете (что это, материал, возраст) стоимость работ по его восстановлению. Далее реставратор приедет на место, осмотрит его, определит окончательную цену реставрации.

Окончательная цена меняться не будет. Выезд бесплатно.

Герман Obrist — Hermann Obrist

Фонтан на Обрист Упрощенная версия цикламен

Герман Obrist (23 мая 1862 в Kilchberg (близ Цюриха ), Швейцария — 26 февраля 1927, Мюнхен , Германия ) был немецкий скульптор из Jugendstil ( Art Nouveau движения). Он изучал Ботаник и историю в юности его; влияние этих субъектов обнаруживаются в его дальнейшей работе в области прикладного искусства. Как учитель, Герман Obrist оказал семенное влияние на росте и последующее развитие югендстиля в Германии.

биография

Герман Obrist был сыном доктора Карла Каспара Обрист, Цюрих, и Элис Джейн Грант Дафф, сестра британского политического и государственного деятеля Маунтстюарт Грант Дафф . Он изучал естественные науки и медицину в Гейдельберге, и совершил несколько поездок в течение которых он имел видение , которые определили его художественное призвание. После принятия решения в 1887 году , чтобы идти по этому пути, он поступил в Школу прикладного искусства в Карлсруэ , чтобы изучить художественные приемы.

Он получил награду за его керамики и мебели на Парижской выставке 1889. В 1890 году он поступил в класс скульптуры в Академии Жюльена в Париже. В следующем году он переехал в Берлин , где он зарабатывал себе на жизнь в основном в качестве журналиста для культуры страниц. В 1892 году продажи модели фонтан дал ему средства для перемещения во Флоренцию , где он открыл с Бертой Ruchet, мастерской вышивки, которую он переехал в Мюнхен в 1895 году ее декоративных вышивок и скульптуры испытали растущий успех в Германии. В 1902 Obrist и Вильгельм фон Debschitz соучредитель школы дизайна в Мюнхене, где его ученики были Людвиг Хиршфельд Mack , который также учился в Bauhaus . Затем он занимается интенсивной деятельностью в качестве автора и динамика и говорил о взаимоотношениях с другими художниками , такие как Кандинские.

Obrist поручил своему другу Эндель проектировать свою студию в Мюнхене , построенный в 1897 году и разрушен в 1944 году во время Второй мировой войны . Работы Obrist включали фонтаны и погребальные памятники. Он часто используется бетон для его работ.

Помимо того , что скульптор , он был также художником по текстилю. Наиболее известная и влиятельная работа Obrist был дизайн для 1892 г. вышитой стены висит под названием «Цикламен». Он показал серию элегантных сквозных кривых, описываемых как «хлыстовые кривые», или Peitschenhieb на немецком языке , и стал основополагающей работой движения в стиле модерна.

Рекомендации

внешняя ссылка

• Пример из «кривых хлыстовых» [1]

<img src=»https://en.wikipedia.org//en.wikipedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1×1″ alt=»» title=»»>

Стиль Ар-нуво. — КРАСКИ ЖИЗНИ — LiveJournal

Не буду скрывать, что это мой любимый «большой стиль» в искусстве. Вдохновляюсь и преклоняюсь.

1. Витраж.

2. Витраж Дома Тифани. 1890 г.

Ар-нуво (от фр. Art nouveau, «Новое искусство», а в русской критической мысли «модерн») – один из последних «больших» стилей, вдохновленных искусством и получивших свое яркое самобытное выражение в архитектуре, предметном и интерьерном дизайне. Он считается последним из «больших стилей» искусства.

3. Эскиз декора помещения.

Ар-нуво – «интернациональный стиль» без границ. В других странах называется также: «тиффани» (по имени Л. К. Тиффани) в США, «ар-нуво» и «fin de siècle» (букв. «конец века») во Франции, «югендстиль» (точнее, «югендштиль» — по названию основанного в 1896 году иллюстрированного журнала Die Jugend) в Германии, «стиль Сецессион» (Secessionsstil) в Австрии, «модерн стайл» (modern style, букв. «современный стиль») в Англии, «стиль либерти» в Италии, «модернизмо» в Испании, «Nieuwe Kunst» в Нидерландах, «еловый стиль» (style sapin) в Швейцарии.

4. Антонио Гауди. Парк Гуэля. Барселона.

Большое влияние на модерн оказало влияние востока, а именно, Японии. Отказ от национальных традиций воспринимался как стремление к космополитизму. Первыми модернистами были художники считающие, что духовная революции, которая, по их мнению, неизбежно рождалась из кризиса старого мира, требовала отказа от социально-политического радикализма. Новой идейной платформой стала духовная революция. Новое качество сознание, новое жизнепонимание, создание абсолютно нового стиля в архитектуре, живописи, одежде и образе жизни людей.

5. Орнаменты Ар-нуво.

Источник идей для художников ар нуво была природа. Наиболее распространенной темой стали бутон (символ появления новой жизни) и экзотические растения с длинными стеблями и бледными цветками. предпочтение отдавалось лилиям, кувшинка, ирисам и орхидеям. В большой моде были образы женщин с неимоверно длинными, струящимися волосами. Прекрасно поддавались стилизации яркие и грациозные насекомые и птицы — стрекозы и бабочки, ласточки. Часто при декорировании используется перо павлина – характерный символ Ар-нуво.

6.

Природная декоративность Ар нуво способствовала его применению в разных жанрах. В период наивысшей популярностью он использовался для украшения практически каждого мыслимого предмета потребления ручной работы и массового тиража, также фасадов зданий и оформления интерьеров многих магазинов, ресторанов и частных особняков.

7.

Отличительной особенностью стиля стал отказ от прямых острых углов и строгих линий. Суть стиля Ар-нуво – это использование вычурных, изогнутых замысловатых линий, волнистых очертаний, что придаёт всем предметам интерьера ощущение воздушности, лёгкости и создаёт как бы иллюзию отсутствия гравитации.

8.

9.

Основное наполнение палитры – это цвета живой природы: древесные цвета, оттенки травы, листвы, цветов, земли. Фоном для них могут служить белый и кремовый цвета. Палитра может включать в себя оливково-зеленые, горчичные, золотистые, белые, черные и светло-коричневые цвета, которые сочетаются с сиреневыми, фиолетовыми, темно-фиолетовыми и ярко-голубыми тонами.

10. Герман Обрист «Альпийские фиалки»

Фирменным знаком линии Ар нуво стала знаменитая вышивка Германа Обриста «Удар бича» на портьере 1895 г. Первоначально работа называлась «Альпийские фиалки», но когда какой-то критик сравнил бешеные движения стебля растения с «яростными изгибами обрушивающегося бича», родился термин «удар бича», который вскоре стал фирменным росчерком стиля Ар нуво.

11. Генри Ван де Вельде. Интерьер. Рисунок современника.

Другой особенность нового стиля стало стремление архитекторов и художников создать единый синтетический стиль, в котором все элементы архитектурного объекта, убранства его интерьеров были бы связаны в единое художественное целое. У истоков концепции эстетического синтеза — ключевого понятий нового стиля — стоял Уильям Моррис (1834-1896), английский ремесленник, художник, поэт и социалист. Он сформулировал теоретическую основу будущего стиля в своём труде «Искусствам и ремеслам».

Открыл миру художественные и философские трактаты искусствоведа Джона Рескина, который, опираясь на эстетический принцип единства Красоты и Добра, утверждал, что предметное окружение общества свидетельствует о его моральном состоянии. Свой дом Моррис совместно с друзьями-художниками пытался превратить в совокупное произведение пространственных искусств, гармоничную среду, которая послужит матрицей идеальных человеческих отношений, облагороженного искусством образа жизни.
Жизнеустроительный эксперимент Морриса повторил бельгийских мастер модерна Генри Ван де Вельде, построивший для себя особняк «Блуменверф», для которого он не только спроектировал все элементы, от столовых приборов до дверных ручек, но и разработал эскизы одежды для всей семьи.
Принцип художественного единства всех элементов предметно-пространственной среды придавал каждому проекту поразительную целостность и художественную завершенность. Ар Нуво был не только новым стилем — он был новым мировоззрением, синтезировавшим все виды искусства и ценившим ремесленника и архитектора также высоко, как художника и скульптора.

12. Эмиль Галле. Буфет. 1896 г.

Яркими примерам дизайна в стиле ар нуво являются интерьерные работы бельгийцев Виктора Орта и Генри Ван де Вельде, интерьеры и мебель фантастических домов испанца Антонио Гауди, оформление интерьеров в особняках архитектора Ф.О.Шехтеля; решетки парижского метро и мебель Гектора Гимара, интерьеры, решетки и мебель в Мюнхене Августа Энделя, Берхарда Панкока; витражи работы Луис Комфорта Тиффани; изделия из стекла и мебель Эжена Галле, мебель французких дизайнеров-мебельщиков Луи Мажореля, Виктора Пруве, Эжена Валлена, Жака Грубера и др.

13. Луи Мажорель. Кабинет. 1900 г.

14. Луи Мажорель. Лампа. 1900 г.

15. Браслет Сары Бернар для спекталя «Медея». Дизайнер — Альфонс Муха.

16. Альфонс Муха. Афиша «Медея».

Поздний модерн переходным этапом к новым стилевым направлениям начала 20 века — арт деко, функционализму, на основе которых, в свою очередь, выросла философия формообразования современного дизайна.

Стиль модерн. Коротко обо всем.: agritura — LiveJournal

Видео-предисловие к рассказу о киевском модерне:

Кому лень смотреть, можете почитать:

Совсем уже я собралась рассказать вам о киевском модерне, но без небольшого экскурса, путеводителя по стилю, обойтись сложно. Начала делать этот экскурс, как вводную часть, а набралось на отдельный рассказ. Сразу вынуждена извиниться – видео будет мало, зато покажу много картинок (в основном, взятых из открытых источников), видео модерна у меня пока есть только по Киеву, Харькову и Львову.

Итак, модерн.

Я в свое время была большой поклонницей стиля, у меня в ЖЖ была масса постов на эту тему, книжек накупила и все такое. Сейчас чуть успокоилась, наверное, пресытилась, и теперь у меня роман с конструктивизмом. Это, однако, не мешает модерну оставаться одним из самых ярких и эффектных архитектурных и художественных стилей из всех существующих.

Модерн возник в Западной Европе в конце 19 века. Его появление, похоже было неизбежным: мир изменился, бурный экономический прогресс алчно требовал свежей эстетики – да попросту приелись уже людям все эти эклектики и романтизмы. Предшествовала этому эпоха символизма и историзма – это было время идеалистических стилизаций («закосов», другими словами) нео-готика, нео-Византия, нео-барокко и т.п. и это довольно быстро приелось.

Началось все, как водится, с живописи и графики, где ростки нового стиля проклюнулись под влиянием символистов и прерафаэлитов. Здесь пионерами стали австриец Густав Климт, англичанин Обри Бердсли и чех Альфонс Муха, а там и архитектура подтянулась и всякие там дизайны.

На первых модернистов оказало сильное влияние искусство Японии (особенно изысканная графика Хокусая), Китая и Древнего Египта – последнее особенно сильно проявилось в декоративно-прикладном искусстве и дизайне украшений. Модное в то время увлечение древностью получило качественно новое переосмысление.

Большая волна в Канагаве. Хокусай

Сейчас мы воспринимаем модерн, как роскошную, но слегка потускневшую старину, а в начале ХХ века стиль был поистине революционным, новаторским, и нередко критикуемым.

В строительстве началось все, вроде бы, с Эйфелевой башни. Стальная конструкция возводилась специально для Всемирной выставки в 1889 году, как временная — просто украшение, привлекающее внимание; ее планировалось снести через 20 лет, но башня произвела такой фурор, и вызвала такой колоссальный (и прибыльный) приток туристов, что ее решили оставить, и она стоит на своем месте до сих пор. За 130 лет она так прочно закрепилась в общественном сознании, как извечный символ Парижа, стала настолько узнаваемым туристическим объектом, что о стиле этой постройки уже никто не задумывается, а ведь это именно модерн, вернее, самое ее начало.

Стоить отметить, что все-таки самым первым архитектором, работавшим в этом стиле, был каталонский архитектор Антонио Гауди. В 1886 году он построил в Барселоне для промышленника Эусеби Гуэля дворец, в котором безошибочно узнаются элементы стиля, ставшего весьма популярным в Европе только через несколько лет. Случилось это за год до постройки башни Эйфеля.

В 1892 году в Мюнхене группа из 96 молодых художников демонстративно покинули Мюнхенскую ассоциацию художников и основали Мюнхенскую Ассоциацию изобразительных искусств. Свою акцию они назвали «разрыв» или «сецессион», поэтому группа вошла в историю, как «Мюнхенский сецессион». Художники отказались от старых догм и салонного академизма, избрав иной путь – поиски новых форм в искусстве. Не все члены союза сразу стали творить в стиле модерн, многие не ушли дальше символизма, но среди мюнхенцев со временем все-таки появилась целая плеяда художников модерна.

Первым Президентом сецессиона стал художник Бруно Пигльхайн. Интересно, что он же был председателем “Немецкого Общества панорамистов”. Этот художник в свое время создал масштабную передвижную панораму «Голгофа», которая экспонировалась в разных городах Германии, а затем сгорела. Популярность у панорамы была феноменальной, ее копии создавались по всей Европе.

В Киеве подобная экспозиция появилась в 1902 году. Для нее построили павильон-ротонду возле костела (в стиле модерн, естественно) и выставляли панораму аж до конца 1930-х годов. Попутно ее возили «на гастроли» по другим городам, а в это время в павильоне выставляли что-то другое. Она сгинула где-то уже во время немецкой оккупации.
Но мы отвлеклись от модерна.

Панорама «Голгофа» в Киеве

Мюнхенцы придумали слово сецессион, но не стали единственными, кто его использовал. Этим словом стали называть стиль модерн в немецко-говорящей среде: позднее появился берлинский сецессион, а самым известным сецессионом стал Венский. Венское направление зародилось лет на 5 позже мюнхенского, в 1897 году, и это уже был бесспорный модерн. Возглавили его художники Густав Климт, Альбрехт Роллер, Коло Мозер. И если театр начинается с вешалки, то Венский сецессион начался с подходящего здания, которое специально для него построил архитектор Йозеф Мария Ольбрих. Сразу бросается в глаза, что венским творцам ближе был герметичный стиль, дробность поверхностей и контрастная орнаментальность.

Венский сецессион (простите, у кого фотку стащила)

В конце 1890-х поддержал традицию и прославленный архитектор Отто Вагнер, именно он стал символом Венского архитектурного модерна. В отличие от большинства архитекторов направления, он освоил новый стиль, уже будучи маститым зодчим с большим опытом. Он создал несколько весьма своеобразных домов, вилл, дворцов, несколько зданий вокзалов и даже церковь, сейчас это важные туристические достопримечательности австрийской столицы.

Надо сказать, являясь законодательницей мод в живописном модерне, Вена пришла к модерну в архитектуре чуть позднее, чем Брюссель, именно Брюссель считается первой столицей модерна архитектурного. Здесь балом правил Виктор Орта. Его модернистский путь начался с постройки дома профессора Эмиля Тасселя в Брюсселе. И если Эйфелеву башню условно относят к стилю модерн, так как постройка специфическая, сложно на ней основные тенденции отследить, то дом Тасселя однозначно считают первым европейским зданием, построенным в безупречной стилистике арт нуво (так стали называть модерн во франко-говорящих странах). Постройки Орта – несомненно модерновые: здесь у нас и искривленные линии, и необычная компоновка объемов, и сложное членение остекления. Виктор Орта –признанный во всем мире мастер эпохи модерн – 4 его дома включены в список всемирного наследия Юнеско. Еще один талантливый бельгийский архитектор – Поль Анкар.

Дом Тасселя

И понеслась! Примерно на 15 лет мир буквально сошел с ума, теперь всё подчинялось новой моде — вычурной и прекрасной. Стиль не ограничивался живописью и архитектурой. Модерн – наверное самый прикладной из всех декоративных стилей. Мебель, декор комнат, вазы, посуда, люстры, скульптурный декор, украшения, одежда – все – от шляпной булавки до железнодорожной станции, все что создавалось в первые 15 лет ХХ века, было выдержано в единой новомодной стилистике.
В Париже самым ярким архитектором модерна стал Эктор Гимар. Он в 1895 построил отель Кастель Беранже, его надо бы запомнить, нам это понадобится, когда мы будем изучать Киевский модерн, потом расскажу, как они связаны. Кроме того, Гимар – создатель всемирно известных входных павильонов парижского метро.

Все разговоры о стилях и направлениях модерна – в основном, от лукавого, деление весьма условное, но некоторые направления все-таки можно выделить. Мы уже говорили, что венский модерн «отрывается» на разноцветии и скульптурном декоре, здесь меньше асимметрии и больше геометрии. Кстати, это направление во многом повлияло, например, на архитектуру Львова начала ХХ века.

Парижский и брюссельский модерн – более изысканный, капризный, богато декорированный. Здесь много извитых и переплетающихся линий, много деталей. К закату эпохи архитектура становится лаконичнее, сдержаннее, не теряя при этом своей выразительности.

Что же такое модерн и как он выглядит? Как распознать модерн?

Отличительными чертами архитектурного модерна стала асимметрия, отказ от прямых углов в пользу плавно изогнутых природных линий (как на волосах девушек на акварелях Альфонса Мухи), подчинение фасадов внутренней планировке построек (т.е. удобство внутреннего устройства дома стало первичным) и немыслимое обилие декора, растительного, в основном, но не только – геометрический, меандровый, и даже, как мы увидим, зоологический.

Особая изогнутость линий весьма узнаваема – это так называемый «удар бича» или «ветвь алого цикламена», созданная в конце 19 века швейцарем Германом Обристом. Потом Муха повторял это в прядях волос, лентах и складках одежды, такие изгибы использовались в лепном декоре зданий и кованных металлических элементах.

«Алый цикламен»

Если дом ассиметричный, со сложной компоновкой объемов – это, возможно, модерн. Если вы видите на фасаде несколько видов окон – это с большой долей вероятности модерн, если при этом в остеклении применено затейливое множественное членение – скорее всего модерн. Если вы видите много плавных изогнутых линий, дом декорирован растительными орнаментами, майоликовыми панно либо фризами или масками-маскаронами (очень типичные, идеализированные, обычно девушки, похожие одна на другую) – с большой долей вероятности это модерн.

В архитектуре широко использовался скульптурный декор и барельефы – в моду входил декор из бетона. Сейчас через сто лет реставраторы иногда за голову берутся – материал этот не вечный, довольно хрупкий, особенно, если не особо технология соблюдалась. Скульптурные украшения из бетона желательно регулярно подновлять.

Новую жизнь получило витражное искусство – оно опять вошло в моду. В интерьерах широко использовалось пластичное дерево, ковка, стекло.

А вообще, это трудно описать, надо много смотреть образцов, чтобы глаз привык, и со временем вы будете безошибочно узнавать стиль.

Итак, эпицентрами архитектурного модерного бума стали три столицы: Брюссель, Вена и Париж. Гауди со своими ни на что не похожими постройками в Барселоне – это тоже модерн, но он стоит особняком – уж больно своеобразен. Даже в Португалии был свой модерн – неомануэлино.

Стиль перемахнул через океан, там, в Америке через пару десятков лет он преобразовался в «органический стиль», и даже так называемый «калифорнийский стиль бунгало» — это тоже своего рода порождение модерна. Позднее в Штатах началась настоящая истерия арт-деко – то, во что модерн трансформировался во второй половине 20 годов ХХ века.
Прекрасен Пражский модерн – город претерпел серьезную реконструкцию в начале ХХ века, старые хибары сносили целыми районами, на их месте возвели целые роскошные кварталы домов для банкиров и аристократов. Будете в Праге, пройдитесь по улице Парижской – вот где пиршество для глаз любителей модерна!

Достоин внимания и Рижский модерн – вот уж где строители не знали удержу в декорировании.

В Скандинавии и на просторах Российской империи (особенно в Питере) распространился так называемый северный или национальный модерн – это постройки в стиле суровых старинных замков.

Не поверите, но и в Киеве есть такие здания. Например, детище архитектора Брадтмана – больница Лютеранской общины (нынешняя больница водников) на Винниченко, 9 – это вот и есть северный модерн, суровый и аскетичный. Брадтман построил ее в 1913 году, по проекту, созданному совместно с инженерами из Мюнхена. Вообще до Революции в Киеве жило довольно много немцев – профессоров университета, инженеров, аптекарей, да и сам Брадтман был немцем. Немцы жили на улице Лютеранской, как тогда говорили, на Немецкой горе, где до сих пор действует лютеранская кирха.

Еще один «северный» дом, чертами напоминающий замок, стоит на Рейтарской 20/24. Это доходный дом Шлензхевич, построенный архитектором Вербицким в 1912 году.

Но, мы на этом разбор киевских построек модерна пока закончим, этому будут посвящены мои последующие сюжеты. Вернемся к модерну международному.

Признаться, чем дальше от эпицентра, тем меньше вывертов и коленец мы наблюдаем в стиле, тем проще и бледнее его образцы (за редким исключением). На территории Российской империи большинство самых известных и крупных построек было возведено в двух столицах, но не обошла мода на модерн и города, переживающие в тот период строительный бум – Киев и Харьков, например, так что нам тоже есть о чем рассказать и что показать.

Его эпоха закончился внезапно, буквально катастрофически – причиной этого стала Первая мировая война, разразившаяся в 1914 году. Дома в стиле модерн еще достраивали на периферии Европы буквально пару лет, а потом все прекратилось. Потом, после всех периода потрясений и тотального обнищания, когда Европа постепенно придет в себя, появится новая буржуазная роскошь, но это уже будет не модерн.

Теперь можно чуть передохнуть и перейти уже к нашему родному киевскому модерну.

Цикл лекций «Модерн многоликий: стиль эпохи» — ПУНКТУМ

---

Это прошедшее мероприятие

Вы не можете на него записаться

На «повороте столетий» всегда происходят мощные изменения,  на рубеже XIX-XX веков мир стремительно менялся благодаря промышленной революции. Вызовы времени заставили иначе посмотреть на формирование архитектурной и предметной среды, активизировать поиски художественного языка эпохи. Среди мастеров модерна плеяда замечательных и удивительных людей – Виктор Орта и Анри ван де Вельде, Рене Лалик и  Гектор Гимар, Альфонс Муха и Отто Вагнер, Йозеф Ольбрих и Густав Климт, Чарльз Макинтош и Арчибальд Нокс, Фёдор Шехтель и Лев Кекушев, Август Эндель и Герман Обрист, Рихард Римершмид и Михаил Эйзенштейн, Луис Доменек-и-Монтанер и Антонио Гауди-и-Руис, которые, в буквальном смысле, преобразили облик европейских городов и изменили культурный ландшафт, придав и тому, и другому – изящество и оригинальность. Несмотря на приоритет принципа рукотворности в создании предметной и интерьерной среды, художники и архитекторы искали не только способы возрождения старинных традиций, но и внедряли инновационные материалы и технологии.

Курс рассчитан на широкую аудиторию, поддержан мультимедийным форматом презентаций, который позволяет познакомиться с творчеством архитекторов, скульпторов, графиков, живописцев, дизайнеров, стекольщиков и краснодеревщиков, мастеров керамики и ювелиров. Курс состоит из 12 лекций:

1. 10 городов модерна.
2. Виктор Орта и бельгийский ар нуво.
3. Ар нуво: парижская школа и ее мастера.
4. Эмиль Галле и Луи Мажорель: школа Нанси и ее мастера
5. Альфонс Муха и пражский модерн.
6. Уильям Моррис и modern style.
7. Чарльз Макинтош и школа Глазго.
8. Густав Климт и венский сецессион.
9. Герман Обрист и Август Эндель: югендстиль и его мастера.
10.  Карло Бугатти и Джино Коппеде: либерти и его особенности.
11. Антонио Гауди и мастера каталонского модерна.
12. Луис Тиффани и Луис Салливен: американский модерн

---

Лекция 1.  10 городов модерна. —  17 января  в 19-30

Европейская ассоциация стиля модерна  или RANN  внесла в свой реестр 80 городов, в которых эта стилевая система получила максимальное развитие. И вполне возможно, что  этот перечень  может как расширится, так и стать чуть меньше, поскольку время беспощадно,  и не все  усилия сохранить наследие прошлого  приводят к адекватным результатам.

На лекции мы поговорим  о 10  европейских и городах, где стиль ар нуво  получил максимальное развитие, узнаем, какие архитекторы формировали облик города на рубеже XIX –XX веков,  какие здания были признаны образцовыми  в профессиональной среде и почему,  как влияли национальные традиции  на становление регионального модерна,  в чем общее и особенное  проявления стиля в зависимости от культурного контекста.

Лекция 2. Виктор Орта и бельгийский ар нуво. — 24 января в 19-30

Родоначальником ар нуво принято считать бельгийского архитектора Виктора Орта, который поставил под вопрос классическую ордерную архитектуру, предложив новый подход к формированию пространства, где каждый элемент – и конструктивный; и декоративный – подчинены единому художественному образу. Не только архитекторы и художники, но и критики оценили уникальность новой стилистики ар нуво. «Сейчас в Брюсселе, — писал критик и искусствовед Людвиг Хевеши, — живет самый вдохновенный из современных архитекторов Виктор Орта. Его известности ровно шесть лет, она началась со строительства дома господина Тасселя на улице де Турин. Это один из первых известных современных домов, который так же подходит его владельцу, как безупречно скроенное платье. Дом очень прост и логичен. В нем ни малейшего подражания какому-либо историческому стилю. Его линии и изогнутые поверхности обладают редким очарованием».

О том, почему Брюссель в 1880-1890-х годах был центром художественной культуры Европы; как повлияло электричество на мир искусства; почему стекло и чугун стали любимыми материалами творчества бельгийцев; почему возник новый тип частной архитектуры – «дом для любителя искусств»; в чем особенности «свободной планировки»; о влиянии африканской культуры на новое искусство и работы Филиппа Вольферса; о том, какие шедевры Анри ван де Вельде, Виктора Орта, Поля Анкара, Гюстава Стровене, Поля Коши, Гюстава Серрюзье-Бови вошли в список Всемирного наследия ЮНЕСКО; — об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

Лекция 3. Ар нуво: парижская школа и ее мастера. — 14 февраля в 19-30

26 декабря 1895 года в Париже открылась художественная галерея Зигфрида Бинга, в которой не только продавались произведения традиционного искусства Китая и Японии, но и выставлялись работы французских художников Огюста Родена, Тулуз-Лотрека, Альфонса Легро, Эдуарда Вуйяра, Шарля Конде и др. Интерьер галереи оформлял бельгийский архитектор Анри ван де Вельде, а витражи сделал американский художник Луис Тиффани. Называлось модное место Maison De L’Art Nouveau.

О том, как оберточная бумага повлияла на стилистику французского ар нуво; о путешествиях братьев Гонкур и работах Кацусика Хокусая; об архитектуре Парижа и Гекторе Гимаре; почему выходы парижского метрополитена прозвали «порнографическими», а чей дом прозван «беспорядочным»; о значении флористического орнамента в синтезе искусств; о Всемирной выставке в Париже 1900 года; — об этом и много другом мы поговорим на лекции.

Лекция 4. Эмиль Галле и Луи Мажорель: школа Нанси и ее мастера.  — 21 февраля в 19-30

Один из центров развития французского ар нуво — Нанси, небольшой город в Лотарингии, в котором Эмиль Галле основал стекольную фабрику. Это событие оказало заметное влияние на развитие Нанси в дальнейшем, столь же значимое, как и основание в 1901 г. местного объединения промышленных искусств — «Alliance provinciale des Industries d’Arts», в программу которого входило объединению традиций ручного труда и новых потребностей индустриального века.

О «прозрачном периоде» в творчестве Галле и разных техниках работы со стеклом — «лунный свет», мартеле и маркетри; об ажурных работах Виктора Пруве и поэзии металла; почему вещи научились говорить на языке поэзии; о фантазиях братьев Дом и успешной маркетинговой политике бренда Daum; чем удивляли работы Анри Берже, Анри Биго и Эжен Валлен; об экспериментах в мебельном производстве Луи Мажореля и его удивительном дом, построенном Анри Соважем; об Эжене Корбене и музее школы Нанси; — обо всем этом мы поговорим на лекции.

Лекция 5. Альфонс Муха и пражский модерн — 28 февраля в 19-30

Работы Альфонса Мухи можно увидеть на обложке обыкновенного блокнота и  новомодного скетч-бука, на футболке известного бренда и на фарфоровой кружке. Эти образы столь популярны, что давно стали симулякрами. Когда-то они восхищали не только европейскую публику,  но и американскую. Издатели обеих континентов предлагали выгодные условия сотрудничества, производители весьма разнообразной продукции —  от сухого молока до бисквита и игристого шампанского  —  заказывали рекламу, влиятельная и богатая публика заключала контракты на  оформление своих вилл, а красотки хвастались украшениями французского ювелира Жоржа Фуке, выполненными по эскизам Альфонса Мухи, правительство Чехословакии доверило ему художественное формирование нового дизайна денежных купюр и почтовых марок.

На лекции мы поговорим не только о живописи и графике Альфонса Мухи, его страстном увлечении фотографией и огромном фотоархиве;  но и выясним, в чем особенности выразительного языка художника, и как происходила трансформация «стиля Мухи»;  увидим работы, которые мастер считал самыми важными и значимыми в своей жизни – «Отче наш» и «Славянская эпопея», изучим особенности его  подхода к «Documents Decoratifs», поймем, почему творческий тандем французского ювелира Фуке и Мухи был столь длительным и плодотворным, а также увидим интерьерные работы мастера.

Лекция 6.  Уильям Моррис и  modern style

Английский модерн отличается от общеевропейского. Викторианское общество определяло ритм и характеристики художественных изменений. Однако движение, связанное с деятельностью прерафаэлитов и эстетическим движением, получили максимальное развитие в руках талантливого Уильяма Морриса, который создал «Arts&Crafts» — структуру, которая станет впоследствии образцовой для всего мирового художественного сообщества.

Об экспериментах британских архитекторов Филиппа Уэбба, Чарльза Войси и Хью Бэйли Скотта; почему Red House стал пощёчиной общественному вкусу; о кельтских корнях графических и дизайнерских работ Арчибальда Нокса; о том, почему «Павлинья комната» вдохновила Обри Бердслея; о том, за что боролось общество «За высокохудожественную фотографию»; о творчестве Уолтера Крейна;  — об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

Лекция 7. Чарльз Макинтош и Школа Глазго.

Ядром школы Глазго была «группа четырех» – Чарльз Макинтош, его друг Герберт Макнейр и сестры Макдональд. Эта группа создала неповторимый стиль в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве, проектировании мебели и графике, который получил признание в Европе и России, но вызывал отчаянные споры в Британии. Несмотря на то, что многие реализованные проекты школы Глазго погибли в горниле истории, остальные как, например, Школа Искусств Глазго (Glasgow School of Art), Хилл Хауз (Hill House), Школа на Скотланд-стрит (Scotland Street School), сейчас признаны выдающимися памятниками архитектуры.

О традициях сельского шотландского жилища и особенностях «баронского стиля»; о журнале Evergreen и влиянии кельтского искусства; об истории строительства здания для самой крупной Школы искусств в Глазго и структуре образования в стенах этого учреждения; о проекте чайной комнаты на Ивовой улице; почему дети в Scotland Street School всегда ходили в сухих пальто; и почему стулья Макинтош продаются за сто тысяч фунтов; как изменились чайные традиции и о проекте «Чайных комнат», – об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

Лекция 8. Густав Климт и венский сецессион.

Густав Климт стал первым председателем венского Сецессиона — объединения, объединившего не только молодых, но и маститых архитекторов и художников — Отто Вагнера и Йозефа Ольбриха, Макса Курцваля и Эрнеста Штёра, Макса Фабиани и Йоже Плечника, Павла Янака и Оскара Кокошки, Эгона Шиле и Яна Котера. Протестуя против догматичности академического искусства, они развивали новый стиль, который называли «стилем практической полезности», в котором яркая выразительная художественная форма соединилась с подчеркнутой функциональностью; а геометрическая ясность с лаконичной декоративностью.

На лекции мы поговорим не только о живописных, графических и интерьерных работах Густава Климта, особенности его творческой манеры и влиянии на европейское искусство, но и о значимости трибуны Сецессиона — журнала «Ver Sacrum» и его главном редакторе Альфреде Роллере; знаковых и малоизвестных работах сецессионистов – Отто Вагнера и Макса Клингера, Йозефа Ольбриха и Карла Молля, Коломана Мозера и Йозефа Хоффманна; о том; почему вагнеровская школа повлияла на формировании петербургского и московского «модерна»; о Венских мастерских и реформировании художественных ремёсел.

Лекция 9. Герман Обрист и Август Эндель: немецкий югендстиль и его мастера.

Журнал Jugend пользовался большой популярностью и в Германии; и за рубежом. Его издатель Георг Гирт стремился не только объединить баварских, немецких и австрийских архитекторов и художников, но и сотрудничал с русскими — Константином Сомовым, Иваном Билибиным, Львом Бакстом. Успех мюнхенского издания был столь велик; что по его образцу были созданы и «Мир искусства», и «Золотое руно».

Почему югендстиль получил развитие больше в Мюнхене, Дармштадте и Веймаре, но не в Берлине; какие проекты Петера Беренса, Рихарда Римершмидта, Пауля Бруно, Бернхарда Панкока, Германа Обриста и Отто Экмана вошли в сокровищницу европейского модерна; почему Франца фон Штука называли «королем художников»; почему типографский станок стал символом эпохи; как повлияла японская каллиграфия на формирование выразительного языка стиля; — об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

Лекция 10. Карло Бугатти и Джино Коппеде: итальянский либерти и его особенности.

Чтобы помочь посетителям английского модного магазина Liberty сориентироваться в запутанной планировке здания, в 1970 году был издан специальный буклет «Как не потеряться в «Либерти»!». Действительно, во все времена, начиная с его открытия в 1875 году, здесь было, на что посмотреть и где заблудиться! Особенных успехов достигло миланское отделение торгового дома «Либерти», и со временем целое направление в итальянском искусстве стало носить это имя.

Почему Карло Бугатти считали «восточным романтиком»; чем отличалась Международная выставка в Турина от европейских сессий; как улитки определили форму комнаты; какие принципы стали основополагающими при проектировании римского квартала Джино Коппеде; о чем мечтали Сегантини Джованни, Галилео Чини и Антонио Сант-Элиа, и в чем особенность «Новых устремлений»; — об этом мы поговорим на лекции.

Лекция 11. Антонио Гауди и мастера каталонского модерна.

В 2017 состоялось долгожданное открытие – вилла Висенса стала доступна для посещения, и теперь каждый может увидеть  одно из первых творений Гауди. Многие проекты каталонских мастеров удостоены чести быть в списке культурного наследия ЮНЕСКО.

На лекции мы увидим разные проекты  каталонских мастеров Доменека-и-Монтанера, Пуч-и-Кадафалка, Жозепа-и-Жужоля, Гауди-и Корнета — Замок трех драконов, Дворец каталонской музыки, дом Лео Морера, парк Гуэля и Храм Святого семейства и многие другие, поговорим в чем особенность каталонского модерна и уникальность выразительного языка художников, как дальше развивалась органическая архитектура и случится ли канонизация Гауди.

Лекция 12. Луис Тиффани и Луис Салливен: американский модерн

Луис Тиффани получал заказы от нью-йоркского богача Генри Хэвемайера, промышленного магната Эндрю Карнеги, мультимиллионера Корнелиусу Вандербильта, писателя Марка Твена и американского президента Честера Алана Артура. Тиффани не только блистательно продолжил семейное дело, но и дал имя целому направлению, объединив вокруг себя талантливых архитекторов и художников, которые стремились выразить дух нового стиля.

О влиянии исламского искусства на американский модерн; об интерьерах Белого дома в Вашингтоне и стеклянной часовне в Чикаго; о цитадели Самуэля Клеменса в Хартворде; о работах Джона ла Фаржа и Огастеса Сент-Годенса; о Джорже Артуре Нэше и разработке стекла фавриль; об инновационном сплаве пчелиного воска и олова; о собственном доме Тиффани в Оустер-Бэй и отеле Four Seasons; об экспонатах Morse Gallery of Art и Chrysler Museum; о развитии компания Tiffany; о небоскрёбах и банках Луиса Салливена; инновациях Фрэнка Ллойда Райта; — об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

Лектор:  Елена Рубан – культуролог, преподаватель МАрхИ и ВШС

Стоимость лекции — 500р.

записаться +7 910 478 65 54 и оплатить на месте

модерн с немецким акцентом » БерлиNETZ

Германия открыла для себя модерн и арт-нуво чуть позже, чем большинство стран Европы, и нарекла их по-своему — югендстилем (Jugendstil). Новое художественное направление получило распространение в Германии в 1890-1910-е годы.

Немецкий модерн базировался на тех же принципах, что французский или испанский, противопоставлял строгой рациональности свободу творческой фантазии, прямым линиям — плавные, «природные» очертания, большим плоским поверхностям — изящество декоративных рельефных орнаментов. Адепты нового направления стремились создать жизнерадостный стиль, вовлечь в область прекрасного все сферы деятельности человека, создавать ценные с художественной точки зрения здания, предметы быта и элементы повседневной обстановки. Архитекторы модерна впервые применили в работе новые промышленные материалы, такие как листовое стекло и сталь, позволявшие создавать конструкции, выглядевшие «лёгкими» и «прозрачными».

Принципы модерна в югендстиле были дополнены принципами стиля арт-нуво — максимально декоративного и изысканного, принципиально избегавшего холодной индустриальной эстетики. Этот «цветочный», «природный», по-французски рафинированный вариант модерна в Германии стал почвой для острой полемики консерваторов и нового поколения архитекторов и художников. В архитектуре югендстиля нашли свое яркое воплощение главные черты арт-нуво — ориентация на природные формы в контрасте с прямыми линиями, использование растительно-цветочных орнаментов, подчеркнутая декоративность, биоморфизм и концепция непрерывного «перетекающего» пространства, стилистически объединяющего экстерьер и интерьер.

В разных регионах Германии югендстиль находил свои «точки роста».

Мюнхен

Мюллеровы бани, Мюнхен. Сочетание неороманского стиля и югендстиля.

Колыбелью югендстиля в Германии стал Мюнхен — столица Баварии. Своим названием новое художественное направление обязано мюнхенскому периодическому изданию «Югенд» (Die Jugend: Muenchener Wochenschrift fuer Kunst und Leben), посвященному культуре и образу жизни молодежи. Журнал издавался с 1896 года, пользовался популярностью и был рупором югендстиля.

Мюнхен не случайно стал центром немецкого модерна — исторически он был наиболее подготовлен к восприятию новых веяний в искусстве. Бавария была вторым по величине немецким королевством XIX века. Благодаря усилиям богатых баварских правителей Мюнхен развивался как художественный и культурный центр Германии. Король Баварии Людвиг II по прозвищу Сумасшедший (годы правления — 1864-1886) направлял огромные средства из личных сбережений и государственной казны на поддержку искусства, став объектом насмешек, критики и даже ненависти некоторых своих подданных.

К началу 1880-х годов Мюнхен был центром немецкой реалистической живописи и прикладных искусств. В 1892 году в городе был создан Сецессион — союз независимых художников, выступавших против официального академического искусства. К середине 1890-х годов сецессионисты Герман Обрист, Отто Экманн и Рихард Римершмид, организовавшие совместное предприятие, создали первые керамические и стеклянные изделия в стиле арт-нуво, который «подсмотрели» у англичан и французов. Именно в Мюнхене югендстиль получил лучшие условия для соединения ремесленных традиций, новых технологий и изящных искусств.

Дармштадт

В Дармштадте искусство получило мощный импульс к развитию в 1899 году, когда великий герцог Гессенский Эрнст Людвиг задумал создать городок для художников, где они могли бы свободно общаться и учиться друг у друга. В качестве первых «поселенцев» выступили — по приглашению герцога — семеро представителей стиля модерн. Постепенно в Дармштадте выросла целая колония художников, которая просуществовала в течение полутора десятилетий — вплоть до начала Первой мировой войны.

Колония художников в Дармштадте

Свадебная башня в Дармштадте

Дармштадт имел огромное значение для развития архитектуры, дизайна, живописи и скульптуры в рамках немецкого модерна. Единый архитектурный ансамбль явили собой свадебная башня (Hochzeitsturm), выставочные павильоны и особняки художников на холме Матильденхеэ (Mathildenhöhe).

В 1990-е годы архитектор Фриденсрайх Хундертвассер продолжил работу своих предшественников и создал в Дармштадте необычный жилой комплекс «Лесная спираль», ставший настоящим гимном свободе творчества и традициям югендстиля.

В Берлине югендстиль не нашел поддержки властей, ибо вступил в противоречие с официальной имперской политикой в области искусства. Консервативная позиция городской администрации выражалась в поддержке стиля историзм, опиравшегося на классическую архитектуру. Однако даже в Берлине югендстиль нашел последователей, и образцы этого стиля можно найти и в столице современной Германии.

Здание Земельного суда в Берлине

Павильон железнодорожной станции Мексикоплац

Станция метро Бюлловштрассе

Дортмунд

В 1898 году в Дортмунде был возведен шедевр архитектуры модерна — угольная шахта «Цехе Цоллерн», которая сейчас функционирует как музей.

Хаймбах

Электростанция в городе Хаймбах — еще один превосходный образец промышленной архитектуры югендстиля.

В исторической перспективе югендстиль кажется прекрасной розой, расцветшей накануне заморозков: в XX веке Европу ждали две крупнейшие мировые войны, навсегда упразднившие эстетику модерна. Первая мировая война подготовила почву для Баухауза, который открыл новый этап в развитии архитектуры. Разумеется, со сменой эпох архитектурное наследие югендстиля не утратило своей безусловной вневременной ценности и остается воплощением вечных идеалов красоты и гармонии, которым по-своему наследуют все направления в искусстве.