Архитектура италии 17 века – Архитектура Италии 17 века | История архитектуры

Содержание

Итальянское Искусство 17 Века. Архитектура. Стиль барокко в архитектуре.

Монументальная архитектура Италии 17 века удовлетворяла почти исключительно запросы католической церкви и высшей светской аристократии. В этот период строятся главным образом церковные сооружения, дворцы и загородные виллы.
Тяжелое экономическое положение Италии не давало возможности возводить очень крупные сооружения. Вместе с тем церковь и высшая аристократия нуждались в укреплении своего престижа, своего влияния. Отсюда — стремление к необычным, экстравагантным, парадным и острым архитектурным решениям, стремление к повышенной декоративности и звучности форм.
Строительство импозантных, хотя и не столь крупных сооружений способствовало созданию иллюзии социального и политического благополучия государства.
Барокко достигает наибольшего напряжения и экспрессии в культовых, церковных сооружениях; его архитектурные формы как нельзя лучше отвечали религиозным принципам и обрядной стороне воинствующего католицизма. Строительством многочисленных церквей католическая церковь стремилась укрепить и усилить свой престиж и влияние в стране.
Стиль барокко, вырабатывавшийся в архитектуре этого времени, характеризуется, с одной стороны, стремлением к монументальности, с другой — преобладанием декоративного и живописного начала над тектоническим.
Подобно произведениям изобразительного искусства, памятники архитектуры барокко (особенно церковные сооружения) рассчитаны были на усиление эмоционального воздействия на зрителя. Рациональное начало, лежавшее в основе искусства и архитектуры Ренессанса, уступило свое место началу иррациональному, статичность, спокойствие — динамике, напряжению.
Барокко — стиль контрастов и неравномерного распределения композиционных элементов. Особое значение в нем получают крупные и сочные криволинейные, дугообразные формы. Для сооружений барокко характерны — фронтальность, фасадность построения. Здания воспринимаются во многих случаях с одной стороны — со стороны главного фасада, нередко заслоняющего объем сооружения.
Барокко уделяет большое внимание архитектурным ансамблям — городским и парковым, однако ансамбли этого времени основаны на иных началах, чем ансамбли Ренессанса. Барочные ансамбли Италии строятся на декоративных принципах. Для них характерны изолированность, сравнительная независимость от общей системы планировки городской территории. Примером может служить самый крупный ансамбль Рима — площадь перед собором св. Петра.
Колоннады и декоративные стенки, замыкающие пространство перед входом в собор, прикрыли беспорядочную, случайную застройку, находящуюся за ними. Между площадью и примыкающей к ней сложной сетью проулков и случайных домов нет связи. Отдельные здания, входящие в состав барочных ансамблей, как бы утрачивают свою самостоятельность, всецело подчиняясь общему композиционному замыслу.
Барокко по-новому поставило проблему синтеза искусств. Скульптура и живопись, играющие в зданиях этого времени очень большую роль, переплетаясь между собой и нередко заслоняя или иллюзорно деформируя архитектурные формы, способствуют созданию того впечатления насыщенности, пышности и великолепия, которое неизменно производят памятники барокко.
Огромное значение для формирования нового стиля имело творчество Микеланджело. В своих произведениях он разработал ряд форм и приемов, которые были использованы позже в архитектуре барокко. Архитектор Виньола также может быть охарактеризован как один из непосредственных предшественников барокко; в его произведениях можно отметить целый ряд ранних признаков этого стиля.
Новый стиль — стиль барокко в архитектуре Италии — приходит на смену Ренессансу в 80-х годах 16 века и развивается на протяжении всего 17 и первой половины 18 столетия.
Условно, в пределах архитектуры этого времени, могут быть выделены три этапа: раннее барокко — с 1580-х до конца 1620-х годов, высокое, или зрелое, барокко — до конца 17 века и позднее — первая половина 18 века.

<<< Итальянское Искусство 17 Века. Италия в 17 веке

Итальянское Искусство 17 Века. Архитектура. Раннее барокко. >>>

Иллюстрации к разделу >>>

www.la-fa.ru

Итальянская архитектура 17 века

Архитектура барокко служила утверждению идей католицизма и абсолютизма, но в ней нашли отражение прогрессивные тенденции архитектуры, которые выявились в планировке городов, площадей, зданий, рассчитанных на массы народа. Блестящим центром барочной архитектуры стал католический Рим. Истоки барокко были заложены в позднем творчестве Виньолы, Палладио и особенно Микеланджело.

Архитекторы барокко не вводят новые типы зданий, но находят для старых типов построек – церквей, палаццо, вилл – новые конструктивные, композиционные и декоративные приемы, которые в корне меняют форму и содержание архитектурного образа. Они стремятся к динамичному пространственному решению, к трактовке объемов живописными массами, применяют сложные планы с преобладанием криволинейных очертаний. Они разрушают тектоническую связь между интерьером и фасадом здания, повышая эстетическое и декоративное воздействие последнего. Свободно используя античные ордерные формы, они усиливают пластичность и живописность общего, решения.

Особое внимание уделяется разработке типа храма, в котором уже с конца 16 века нарастают черты барокко. Сложен но построению пронизанный движением фасад церкви иезуитского ордена – Иль Джезу (1568–1584, Джакомо Виньола; фасад – с 1575 года, Джакомо делла Порта). Неравномерное вертикальное членение стен сдвоенными пилястрами усиливает их пластичность, а концентрация ордерных элементов к центру подчеркивает направление движения. Полукруглый фронтон, вынесенный над входным порталом первого этажа, и мощные декоративные волюты второго этажа связывают оба этажа, вызывая впечатление целостности фасада, динамичности и повышенной эмоциональности.

Активизируется и внутреннее пространство храма, расширяется и выделяется центральный неф. Мощные профилированные карнизы, уводящие взгляд вглубь, создают движение к алтарю и центральному куполу. В 17 веке архитектурные формы становятся еще динамичнее и напряженнее.

История зарубежного искусства ►

smallbay.ru

в архитектуре, искусстве, живописи, музыке, литературе

В конце XVI века в Риме (Roma) начинается новая культурная эпоха, которую часто ограничивают понятием «художественный стиль». Сменив Поздний Ренессанс, Барокко (barocco) в Италии охватывает период конца XVI − начала XVIII века.

Разнообразие жанров, региональных школ, объединений художников мешают искусствоведам правильно оценить эпоху. Сторонники стиля считают, что грандиозная пластика стремится к красоте, продолжает традиции Возрождения и маньеризма.

Противники уверены, что барокко − безвкусица, кризисная стадия развития художественного творчества. Эмануэле Тезауро (Emanuele Tesauro) знал подход к решению проблемы. Итальянский философ XVII века утверждал:

чтобы понять искусство барокко требуется «острый ум», особый способ мышления: способность воспринимать метафоры и аллегорию, умение быстро проникать в суть идей Мастера.

Значение термина

Ни одно происхождение названия стилей в истории искусства не вызывает столько споров, сколько «барокко». Впервые термин употребили в XVIII веке Иоганн Иоахим Викельман (Johann Joachim Winckelmann) и Франческо Милициа (Francesco Milicia). Историки искусства вкладывали в эпитет «барочный» негативный смысл и применяли к творчеству, противоречащему правилам эстетики классицизма.

В списке представлены примеры толкований термина:

  • Название относится к фигуральному искусству
  • Язвительная насмешка, негативный смысл: нелепый, странный, «с причудой»
  • Barroco (французский язык) – дурной, вычурный, неестественный вкус
  • Perola barroca (португальский) – нестандартная жемчужина без оси вращения (термин ювелиров)
  • Barocco (итальянский) – приём софистики; форма логики, приводящая к абсурду
  • Bis-roca (латынь) – камень скрученной формы. Драгоценный минерал, но с дефектом. Имитация красоты
  • Barocco (итальянский) – термин связан с именем крупнейшего художника раннего барокко
  • Федерико Бароччи (Federico Barocci) – крупнейший итальянский художник и график эпохи позднего маньеризма и раннего барокко.
  • Заимствование из архитектуры центрально-азиатских турок (сельджуков)

Рим – родина барокко

Центром развития нового стиля искусства был Рим. Столица католического мира не утратила опыта Ренессанса. «Отцом» итальянского барокко называют Микеланджело Буонарроти (Michelangelo di Lodovico Buonarroti). Крупнейший мастер Возрождения разработал новые композиционные формы для библиотеки папы Климента VII (1523 − 1534) – архитектурное сооружение считается первообразом всех зданий стиля барокко.

В 1593 году в Риме начинает творческую деятельность реформатор живописи Микеланджело Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio). Изменившиеся политические условия диктуют новые правила поведения. Церковь и аристократия нуждаются в демонстрации могущества. Барокко − стиль, который может их возвысить.

Роль церкви. Контрреформация

Историк классического искусствоведения Джулио Карло Арган (Италия) назвал время итальянского барокко «культурной революцией во славу идеологии католицизма». В ответ на протестантскую Реформацию католики начинают церковно-политическое движение − Контрреформацию.

Главная задача реформы заключалась в обновлении Римско-католической церкви, восстановлении её престижа.

Визуально представить власть и могущество могло только искусство, с помощью которого можно ошеломить, привлечь внимание, заинтересовать. Простым церквям протестантов противопоставляют католические храмы, украшенные богатой позолотой, орнаментом, величественными лестницами. Собор святого Петра (Basilica Sancti Petri) в Ватикане − образец нового стиля. Прототипом для церквей итальянского барокко считают римскую церковь Иль-Джезу (Chiesa del Sacro Nome di Gesu), построенную по дизайну Джакомо да Виньола (Il Vignola).

История развития стиля

Мастера барокко отходят от художественных традиций Ренессанса. Развитие искусства происходит в два периода:

  1. Раннее барокко. Временные рамки: конец XVI − начало XVII века.
  2. Зрелое барокко: 30-е годы XVII − начало XVIII века.

Раннее барокко развивалось неравномерно и зависело от местных особенностей. Черты стиля вырабатываются в архитектуре и живописи. Колыбель Ренессанса − Флоренция (Firenze) − остаётся равнодушной к особенностям нового искусства. Рим (Roma) не жалеет средств на реконструкцию города.

Венеция (Venezia), Турин (Torino), Генуя (Genova) придают архитектурным сооружениям утончённый и праздничный вид. Признанные представители раннего барокко: Джакомо Бароцци да Виньола (Il Vignola, 1507 − 1573), Джакомо делла Порта (Giacomo della Porta, 1533 − 1602), Доменико Фонтана (Domenico Fontana, 1543 − 1607), Микеланджело Меризи да Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio,1571 − 1610).

Зрелое барокко начинается после 1630 года. Доминирующим видом искусства становится скульптура. Период характеризуется усилением пышности архитектуры. Появляются новые формы: украшенные скульптурой фонтаны, гроты, балюстрады. Культовое зодчество позднего барокко представляют опытные мастера: Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini, 1598 − 1680), Гварино Гварини (Guarino Guarini, 1624 − 1683), Карло Райнальди (Carlo Rainaldi, 1611 − 1691).

Особенности стиля

Появление нового художественного стиля нельзя объяснять только влиянием католической церкви. Культурная эпоха связана с крушением идеалов гуманизма, новым пониманием природы Человека, изменением «картины мира» (рубеж XVI-XVII веков). От Ренессанса искусство Барокко унаследовало пышность и основательность, от маньеризма − глубокую эмоциональность и динамичность.

Характерные черты стиля в архитектуре:

  • монументальность;
  • пространственный размах;
  • сложный криволинейный план;
  • использование светотени, колоннад, куполов;
  • массивные парадные лестницы;
  • подчёркнутое величие церкви;
  • великолепие.

Итальянская барочная скульптура

Новые элементы зодчества появляются после слияния архитектуры и скульптуры: статуя атланта (теламон), колонна в виде фигуры женщины (кариатида), скульптурное украшение маскарон, обелиск. Самый известный скульптор периода — Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini). Лучшая работа — скульптурная группа «Экстаз Святой Терезы» (Estasi di santa Teresa d’Avila).
Характерные черты стиля:

  • театральность;
  • изображение группы человеческих фигур в энергичном движении;
  • использование белого мрамора;
  • возможность осматривать статуи с нескольких углов обзора;
  • слияние скульптуры с живописью и архитектурой;
  • изобилие скульптурных фигур на фасадах, в парковых зонах дворцов.

Живопись

Итальянская живопись XVII столетия начинает терять исключительное положение в Европе.
Передовым для эпохи остаётся художественное творчество в архитектуре. Искусствоведы разделяют барочную живопись на три типа: церковную, придворную, буржуазную. Новые жанры используют не только мифологические и религиозные темы. Внимание художников фокусируется на реальной жизни.
Особенности барочной живописи:

  • динамизм композиций;
  • незаурядность сюжетов;
  • драматический конфликт;
  • использование аллегории;
  • контраст цвета, тени, масштабов;
  • парадные портреты, создающие иллюзию эмоционального контакта;
  • пышность форм.

Человек эпохи

Мировосприятие в период барокко меняет ренессансное представление о человеке. Итальянская культура нового времени представляет человека песчинкой в мире великой природы. Бог − это Великий Архитектор. Люди должны учиться у высшего разума.

Барокко в искусстве

Современное искусствоведение рассматривает итальянское барокко как художественную эпоху, начавшую движение западной цивилизации к триумфу.

Архитектура

Первыми, кто представил художественный стиль в начале XVII столетия, были архитекторы. Радикальный представитель итальянского барокко Франческо Борромини (Francesco Borromini) закладывает основы для последующего развития европейской архитектуры. Благодаря Борромини Италию называют родиной архитектурного барокко.

Франческо Борромини (1599 − 1667)

Совместно с Лоренцо Бернини архитектор работал над проектом 29-ти метрового балдахина в соборе святого Петра (Basilica di San Pietro) в Ватикане (Stato della Citta del Vaticano). Витые колонны украшены ветвями лавра. Четыре статуи отцов церкви поддерживают кресло святого Петра. Киворий покрыт бронзой, взятой из Пантеона. Имя резкого, неистового Франческо осталось в тени. Слава досталась его сопернику Лоренцо Бернини.

В историю собора вошла высокая решётка из бронзы для капеллы святого Причастия, выполненная по эскизам Борромини в 1630 году.

Выдающийся архитектор принимал участие в реконструкции кафедрального римского собора Святого Иоанна Крестителя на Латеранском холме (Basilica di San Giovanni in Laterano).

собора Святого Иоанна Крестителя на Латеранском холме в Риме

собора Святого Иоанна Крестителя на Латеранском холме в Риме

За четыре года работы (1646 − 1650) он обогатил базилику элементами барочной архитектуры, спроектировал ниши главного нефа, сделал эскизы статуй святых и пророков. Автор проектов величественных дворцов руководил строительством палаццо Барберини (Palazzo Barberini, 1629 − 1633) в Риме.

Винтовая лестница в виде улитки, двойные колонны, причудливые детали восхваляли могущество Маффео Барберини (Maffeo Barberini), избранного в 1623 году папой Римским (Урбан VIII).

Филиппо Юварра (1678 − 1736).

Римский зодчий, яркий представитель позднего барокко, Филиппо Юварра (Filippo Juvarra) строил в Италии церкви, палаццо герцогов, проектировал королевский дворец в Испании (Palacio Real de Madrid).

Барочные находки Франческо Борромини вдохновили архитектора на создание в 1732 году купола церкви Сант-Андреа в Мантуе (Basilica di Sant’Andrea). В Турине сооружены дворцовый комплекс палаццо Мадама (Palazzo Madama, 1721), загородная резиденция монархов Савойской династии − стильный охотничий замок Ступиниджи (Palazzina di caccia di Stupinigi). Важнейшие постройки − собор Суперга (Basilica di Superga) и палаццо Бираго ди Боргаро (Palazzo Birago di Borgaro).

Собор Суперга

Строительство пышной католической базилики Суперга началось в 1717 году.

Базилика Суперга в Турине

Базилика Суперга в Турине

Архитектор барочного стиля Филиппо Юварра воздвиг храм, ставший «соперником колоссального собора святого Петра и Павла в Риме» (М.Н. Загоскин).

Палаццо Бираго ди Боргаро

В 1716 году граф Ренато Аугусто Боргаро (Augusto Renato Birago di Borgaro) поручил архитектору построить дворец в Турине. Особенности сооружения: величественная лестница, многочисленные колонны, украшенный статуями главный зал для торжественных приёмов и балов, чередование изогнутых и треугольных фронтонов на окнах.

Пирро Лигорио

Художник итальянского барокко, антиквар, инженер Пирро Лигорио (Pirro Ligorio) был архитектором папского двора Пия IV (1559 − 1565). После критики проекта Микеланджело Буонарроти по сооружению собора Святого Петра, Пирро Лигорио теряет престижную должность и возвращается на службу к Ипполито II д’Эсте (Ippolito II d’Este).

В 1567 году по заказу кардинала архитектор приступает к проектированию фонтанов и парка виллы в Тиволи. Мастер строит сад в соответствии с символикой династии д’Эсте, связанной с прародителем рода − Гераклом. Сорок два водоёма, окружающие виллу, создают «Кипящую лестницу».

фонтаны в Тиволи на вилла д Эсте

фонтаны в Тиволи на вилла д Эсте

Грандиозное сооружение «Дорога ста фонтанов» построено в соответствии с сюжетом «Метаморфоз» Овидия. Знакомство с «Фонтаном Органа» вызвало восторг современников. При попадании воды в сводчатую ёмкость, воздух проникал в органные трубочки и вызывал звуки музыки. После масштабной реставрации ландшафтной архитектуры, созданной Пирро Лигорио, объект назван самым красивым парком Европы (2007).

Скульптура

В эпоху барокко скульптура тесно связана с живописью и архитектурой. Меняется техника ваяния. Скульпторы отказываются от понятия пластического покоя. Наиболее знаменитым скульптором итальянского барокко признан Лоренцо Бернини, которого искусствоведы назвали «Микеланджело XVII столетия».

Джованни Лоренцо Бернини

Основатель барочного стиля в скульптуре осуществлял масштабные проекты. Джованни Лоренцо Бернини посвятил 50 лет творческой жизни украшению Собора Святого Петра в Ватикане.

Скульптуры в Соборе Святого Петра в Ватикане

Скульптуры в Соборе Святого Петра в Ватикане

Работая над статуями религиозных сюжетов, скульптор и главный архитектор Базилики (1629) использует белый мрамор, скрытый свет для усиления эффекта богослужения.

В руках мастера твёрдый блестящий камень становился послушным и пластичным. Скульптуры «оживали», передавая изгибы и теплоту человеческого тела.

Классический пример − работа «Экстаз святой Терезы» (1645 − 1652).

Экстаз святой Терезы, скульптура Бернини

Экстаз святой Терезы, скульптура Бернини

Историк искусства Эрнст Гомбрих (1909 − 2001) дал оценку произведению мастера, написанному для римской церкви Санта Мария делла Витториа (Santa Maria della Vittoria): «Барочный скульптор довёл религиозное чувство до исступления. Лоренцо Бернини нагнетает эмоции до предельного накала и не опасается преступить грань дозволенного. Подобного образа ещё не было в истории искусства».

Давид

Скульптор обращается к античным сюжетам, но создаёт образы в свойственной ему манере. «Давид» Бернини (1623) не похож на героя произведений Микеланджело Буонарроти и Донателло (Donatello).

скульптура Давид, Бернини находится в галерее Боргезе

скульптура Давид, Бернини находится в галерее Боргезе

Автора интересует правдоподобный показ убийства Голиафа. Тонкие губы юного Давида упрямо сжаты, маленькие глаза наполнены злостью, гримаса на лице выдаёт явные намерения. Динамичная фигура заставляет зрителя представить траекторию броска камня.

Римские фонтаны

Творения Бернини − шедевры аллегории и зрелищности. Величественные фонтаны с сюжетной линией выполнены в Риме по заказу папы Урбана VIII.

Фонтан Тритона

Лоренцо Бернини завершает строительство фонтана Тритона (Fontana del Tritone) в 1642 году.

Площадь Барберини в Риме, фонтан Тритона, Бернини

Площадь Барберини в Риме, фонтан Тритона, Бернини

Постамент, выполненный из травертина, образуют скульптуры четырёх дельфинов, между которыми находится герб папы Римского. В огромной раковине, установленной на хвостах морских животных, помещена статуя Тритона. Сын Посейдона выдувает из раковины струю воды.

Фонтан пчёл

В 1644 году архитектор по приказу великого понтифика устанавливает фонтан пчёл (Fontana delle Api), предназначенный для нужд горожан.

фонтан пчёл в Риме, Бернини выполнил по заказу Барберини

фонтан пчёл в Риме, Бернини выполнил по заказу Барберини

По створкам раскрытой раковины к воде спускаются три пчелы − символ династии Барберини.

Фонтан четырёх рек

Период строительства фонтана четырёх рек (Fontana dei Quattro Fiumi): 1648-1651 годы.

Фонтан четырех рек в Риме на площади Навона

Фонтан четырех рек в Риме на площади Навона

Расположенный в середине фонтана обелиск, демонтированный из древнего храма Исиды, окружают скульптуры мифологических богов. Фигуры символизируют главные реки четырёх частей света: Нил, Ганг, Дунай, Ла-Плата. Композиционное расположение духов, их одеяния, динамичные движения аллегорично представляют истории из древних мифов.

Барокко в живописи

В XVI − XVII столетиях в Италии формируются два главных направления в живописи:

  1. «Болонский академизм», созданный братьями Карраччи.
  2. Творчество Караваджо, самого крупного художника стиля барокко.

Микеланджело Меризи да Караваджо

Именем самого значительного художника, работающего в стиле барокко, названо реалистическое течение в искусстве западной Европы (караваджизм). Микеланджело Меризи был противником «болонского академизма» и считался бунтарём.

Он уделял внимание необычным персонажам: картёжникам, авантюристам, шулерам. Картины мастера открыли новый жанр в искусстве − реалистический бытовой портрет («Игроки», 1594 − 1595; «Лютнист», 1595). Увлечённость натурализмом в изображении людей и событий находит отражение в картине «Обращение Савла» (1601).

Обращение Савла картина Караваджо

Обращение Савла картина Караваджо

Религиозный сюжет использовали живописцы до Караваджо. На картинах художников главное внимание уделялось библейским персонажам. Барочный мастер новаторски смело рисует мощный круп лошади на всей верхней части полотна, реалистично изображает сморщенный лоб, натруженные ноги, редкие волосы конюха.

Революционный для того времени прием используется в картине «Успение Марии» (1606). Натуралистическая трактовка образа не понравилась заказчикам. Монахи не приняли картину мастера.

Поиски новых приёмов в творчестве не заслоняют основные достоинства произведений − пластичность, драматизм, эмоциональную выразительность. Лучшие картины: «Положение во гроб» (1602 − 1604), «Распятие Святого Петра» (1601).

Погребение Христа картина Караваджо в пинакотеке Ватикана

Погребение Христа картина Караваджо в пинакотеке Ватикана

Трое палачей прикладывают большие усилия, чтобы перевернуть тяжёлый крест с распятым апостолом. Ответственность за преступление лежит на тех, кто совершает казнь Святого Петра.

Советую почитать:

Фрески семьи Карраччи

Против Караваджо выступили Аннибале, Агостино, Лодовико, Антонио Карраччи (Annibale, Lodovico, Agostino, Antonio Carracci). Братья противопоставили караваджизму «болонский академизм». Семья художников создала в Болонье «Академию»» (1585).

Специальная программа была предназначена «вступившим на истинный путь» живописцам. Принципы болонской школы стали прообразом всех будущих европейских академий.

Братьев признали мастерами монументально-декоративной живописи. По поручению кардинала Одоардо Фарнезе (Odoardo Farnese) Карраччи работают над фресками и галереей (1595-1604) в римском палаццо Фарнезе (Palazzo Farnese).

 фрески Караччи в римском палаццо Фарнезе (Palazzo Farnese)

 фрески Караччи в римском палаццо Фарнезе (Palazzo Farnese)

Совместная работа представляет 13 главных картин: любовные приключения греческих богов, триумфальное шествие Вакха и его свиты, супружеский союз членов династии, другие классические сюжеты. Цельная работа является образцом величайшего произведения раннего барокко.

Литература

Стихотворное творчество первым воспринимает идеи новой эпохи. Поэты считают реальный мир иллюзией. Произведения наполнены метафорами, символами, аллегориями. Исследователи литературы выделяют две стилевые линии в творчестве итальянских писателей конца XVI − начала XVIII веков:
• Аристократическое, элитарное барокко.
• «Низовое» демократическое направление с низменными сюжетами и пародиями.

Джамбаттиста Марино

Родоначальником барочной поэзии был Джамбаттиста Марино (Giambattista Marino, 1569-1625). Поэт находился под покровительством кардинала Пьетро Альдобрандини (Pietro Aldobrandini) и герцога Савойи Карла Эммануила Великого (Carolus Emmanuel Magnus).

Сборники стихов «Лира» (La Lira, 1608 − 1614), «Эпиталамы» (Epitalami, 1616) являются образцом придворной поэзии. Лирические сонеты написаны в привычных формах Ренессанса, но наполнены новым содержанием. Характерный приём − использование метафор, словесная игра сочетаний с противоположным значением («учёный невежда», «богатый нищий»), пасторальные мифологические сюжеты.

Поэт отходит от ренессансного понятия универсальной гармонии и утверждает: миром правит дисгармония. Автор произведения «Слово о музыке» представляет Бога дирижёром хоровой капеллы, распределившим роли между людьми и животными, белыми и чёрными клавишами. Люцифер был первым музыкантом, поддавшимся «диссонансу ада» и сбившимся с нот.

Разгневанный маэстро бросил партитуру на землю, которая стала домом для людей. Творчество придворного поэта легло в основу маринизма − литературного направления эпохи барокко в Италии.

Эмануэле Тезауро

Теорию литературы нового стиля сформулировал итальянский историк, писатель Эмануэле Тезауро (Emanuele Tesauro) в трактате «Подзорная труба Аристотеля» (Il cannochiale aristotelico), опубликованном в 1654 году. Автор назвал произведение главной своей работой, над которой трудился 40 лет.

Теоретик искусства утверждал: литература живёт по своим законам, не связанным с логикой и рациональным мышлением. Новое искусство «быстрого разума» напоминает фокусника, умело использующего Метафору − «Мать поэзии и Остроумия». «Подзорная труба…» следит за всеми удивительными и неожиданными открытиями. Философ восторгается победой человеческой мысли, проникшей с помощью телескопа в загадки Вселенной. Определив критерии прекрасного и отвратительного, Эммануэле Тезауро сформулировал понятие идеала в искусстве своего времени.

Музыка

Период 1630-1750 гг. называют «музыкой барокко». Термин, указывающий на конкретный жанр музыкального искусства, стали применять только в начале XX века. Барочный стиль отличает грандиозность, патетическая приподнятость, театральность, синтез искусств.

Ведущие жанры −опера, оратория, кантата.

Музыкальные инструменты: клавишные (орган, клавесин), струнные смычковые (скрипка, виола, контрабас, виолончель), струнные щипковые (лютня, мандолина, барочная гитара) медные и деревянные духовые, ударные (литавры).
Основными направлениями творчества остаются духовная и светская музыка.

Грегорио Аллегри

Композитор Грегорио Аллегри (Gregorio Allegri, 1582 -1652) был священником, пел в хоре Сикстинской Капеллы (Cappella Sistina) в Ватикане. В 1630 году Аллегри первым написал музыку к тексту знаменитой «Мизерере» (Miserere). Папские певчие долгое время держали ноты в секрете. По легенде через сто лет (в 1770 году) 14-летний Вольфганг Амадей Моцарт (нем. Wolfgang Amadeus Mozart) по памяти записал услышанную мелодию и раскрыл секрет церковников.

В настоящее время Псалом 50 (покаянный) постоянно исполняют в богослужениях католической церкви. Незабываемую барочную музыку можно услышать в видео

Сальватор Роза

Художник, поэт, гравёр, музыкант Сальватор Роза (Salvator Rosa, 1615-1673) был противоречивой знаменитостью Италии. Картина «Титий» (1639) принесла славу живописцу на римской выставке конгрегации «Виртуозы Пантеона».

Но за скандальное полотно «Фортуна» (1658 − 1659) инквизиция пыталась привлечь художника к суду. Разносторонне одарённый человек был отличным музыкантом: играл на арфе, лютне, флейте, гитаре.

Сальватор Роза написал несколько серенад − донцелл, которые пользовались огромной популярностью в Неаполе (Napoli). Вечерние песни трубадуров горожане каждый день распевали под окнами возлюбленных. Незаурядный представитель эпохи итальянского барокко вызвал большой интерес у композиторов XIX века. Ференц Лист написал фортепианную пьесу, которую назвал «Канцонетте Сальваторе Розы» (1849). Бразильский дирижёр и композитор Гомис Антониу Карлус посвятил художнику и музыканту оперу «Сальваторе Розе» (1874).

Мода

В отличие от универсального искусства, Италия эпохи барокко не была законодательницей европейской моды. Человек, подчинённый тяготам земной жизни, перестал быть центром мира.

Модной становится скромность, бледность кожи, украшенная лентами и шнурами одежда. Мужчины носили панталоны с завязками под коленями, короткие куртки с широкими рукавами. Женщины одевали корсеты и неширокие юбки. Яркими остаются итальянские шерстяные и шёлковые ткани. В XVII веке начинается рост производства атласа, бархата, муара. Увеличивается спрос на венецианские кружева, появившиеся в Италии ещё в XV столетии.

Художники декоративно-прикладного искусства Niccolo Zoppino (1527), Bugato (1527) разработали неповторимые узоры и орнаменты для создания кружев, которые превращаются в надёжную валюту и подчёркивают статус в обществе.

Венецианские кружева заказывают для коронованных особ и придворных Англии и Франции. В XVI веке в Италии рождается знаменитое кружево «Ретичелла» (reticello), ставшее позже разновидностью техники Ришелье.

кружево «Ретичелла» (reticello) в моде стиль Барокко

кружево «Ретичелла» (reticello) в моде стиль Барокко

Изменения в обществе наметились в первой половине XVII века. К 60-ым годам все итальянцы стали одеваться по французской моде. Идеальным образом мужчины становится нежный, пахнущий духами синьор в напудренном парике. Женщина с вычурной причёской носит корсет и туфли на каблуках. Отличительная особенность костюма − контрастные цветовые сочетания, вышивки, кружева. До XIX века итальянцы носили парики, уложенные по версальской моде.

Заключение

Италия внесла в мировую культуру вклад исключительной важности. Эпоха конца XVI − начала XVIII века сформировала новое искусство, которое стало универсальным. Стиль барокко медленно вызревал, чтобы взорваться именами великих творцов, изменивших ход развития западноевропейского искусства.

↘️🇮🇹 ПОЛЕЗНЫЕ СТАТЬИ И САЙТЫ 🇮🇹↙️ ПОДЕЛИСЬ С ДРУЗЬЯМИ

italy4.me

Лекция. Архитектура барокко в Италии

АРХИТЕКТУРА ИТАЛИИ 17-18 ВЕКОВ

В 16 веке в странах Европы под влиянием реформистского движения происходит ослабление могущества католической церкви, поэтому церковь прилагает значительные усилия к возвращению былого величия. В это же время укрепляется господство светской власти. Правящие круги стараются подчеркнуть свою мощь и богатство путем их внешнего выражения. Этому стремлению ка нельзя лучше отвечает новых художественный стиль – барокко (от итал. «странный», «причудливый»).

Барокко зародилось в Италии в период позднего Возрождения. Его принципы получили свое развитие в 16 веке, где на смену ясной и спокойной гармонии Ренессанса с конструктивной логикой ордера пришло стремление к наибольшей архитектурной выразительности минимальными средствами, отвечающие требованиям господствующей буржуазии и земельной аристократии.

Для стиля барокко характерны:

  • Стремление к величию и пышности;

  • Усложненность планов;

  • Богатство и роскошь интерьеров, широкое использование живописи, зеркал и скульптуры;

  • Обилие кривых пластичных линий и поверхностей;

  • Контрастность, напряженность, иллюзорность, динамичность образов.

В развитии стиля барокко выделяют периоды:

РАННЕЕ БАРОККО В ИТАЛИИ

К концу 16 века экономика Италии пришла в полный упадок. Строительство развивается только в Риме и его окрестностях, где происходит развитие стиля барокко, доведенного до наиболее яркого своего выражения. В Риме работают наиболее известные архитекторы: Доменико Фонтана, Карло Модерна. В 1614 году они заканчивают строительство собора Св. Петра, достроив вестибюль

Доменико Фонтана начал свое творчество еще в период позднего Возрождения. Кроме строительства собора Св. Петра ему принадлежит реконструкция Латаранского дворца, который существовал еще с начала 12 века, как резиденция пап. Фонтана пристроил базилику, фронтон увенчал скульптурой. Дворец тяготеет к элементам грандиозности. Творчеству Карло Модерна принадлежит церковь Св. Сусанны в Риме. Церковь имеет только один фасад, фронтон с раскреповкой, ложные окна со скульптурой.

ЗРЕЛОЕ БАРОККО В ИТАЛИИ

Главой зрелого барокко считают Лоренцо Бернини, скульптора и архитектора, который с 1642 года работает в Риме. В 1667 он сооружает колоннаду на площади перед собором Св. Петра. Ему же принадлежит надгробие Св. Перта в соборе.

В проекте Королевской лестницы в Ватикане у Сикстинской капеллы Бернини использовал эффект оптической иллюзии, сужая ширину маршей по направлению к верхней площадке.

Крупнейшим архитектором итальянского барокко был Франческо Борромини, который начал свою деятельность в Риме с работы над собором Св. Петра, а позже – постройки монастыря и церкви Сан-Карло у 4-х фонтанов Одрена босоногих монахов. Ему принадлежит проект церкви Сант-Иво во дворе университета в Риме. Планы этих церквей отличаются намеренной усложненностью форм, волнообразной поверхностью фасадов. Поверхность стен церкви Сан-Карло заполнена глубокими нишами со статуями. Рядом- небольшой дворик для будничной жизни и сад. Монастырский же двор оформлен с нарочитой театральностью и пышностью.

Кроме Рима великолепные произведения барокко были созданы в Венеции. Лучшей работой Бальдассаре Лонгена стала церковь Саньа-Мария делла Салюте – центрическая восьмигранная постройка с куполом, барабан которого поддерживают мощные волюты.

Загородные виллы эпохи барокко отличаются осевым построением композиции с регулярными парками, беседками, фонтанами, водопадами и множеством широких лестниц, осуществляющих связь архитектуры и природы. Наиболее интересны: вилла Альдобрандини во Фраскати и вилла Д’Эстэ в Тиволи.

ОСОБЕННОСТИ БАРОККО В ИТАЛИИ

  1. Стремление к максимальной выразительности минимальными средствами;

  2. Отрицание конструктивной логики ордера и применение его только как декоративно-пластической формы наряду со скульптурой;

  3. Привлечение пейзажа в качестве основного композиционного приема для создания городского ансамбля;

  4. Фасады и интерьеры отличаются исключительной роскошью и пластикой, хотя в рядовых и официальных сооружениях преобладает сухость и строгость форм;

  5. Крупным достижением сводостроения было создание куполов из трех оболочек;

  6. К концу 17 столетия для балочных и решетчатых конструкций начинают использовать металл. Железо применяют для промышленного строительства, для приготовления стропил и балок.

infourok.ru

Итальянское Искусство 17 Века. Италия в 17 веке

Уже с середины 16 века историческое развитие Италии характеризуется наступлением и победой феодально-католической реакции. Экономически слабая, раздробленная на отдельные самостоятельные государства, Италия оказывается не в силах противостоять натиску более могущественных стран — Франции и Испании. Длительная борьба этих государств за господство в Италии закончилась победой Испании, закрепленной мирным договором в Като-Камбрези (1559). С этого времени судьба Италии оказывается тесно связанной с Испанией. За исключением Венеции, Генуи, Пьемонта и Папской области, Италия в течение почти двух столетий была фактически на положении испанской провинции. Испания вовлекала Италию в разорительные войны, которые часто шли на территории итальянских государств, содействовала распространению и укреплению в Италии феодальной реакции как в экономике, так и в культурной жизни. Господствующее положение в общественной жизни Италчи занимали аристократия и высшее католическое духовенство. В условиях глубокого экономического упадка страны лишь крупные светские и церковные феодалы еще располагали значительными материальными богатствами. Итальянский народ — крестьяне и горожане — находился в крайне тяжелом положении, был обречен на нищету и даже на вымирание. Протест против феодального и иноземного гнета находит выражение в многочисленных народных восстаниях, вспыхивавших на протяжении 17 века и принимавших порой грозный размах, как, например, восстание Мазаньелло в Неаполе. Общий характер культуры и искусства Италии в 17 веке был обусловлен всеми особенностями ее исторического развития. Именно в Италии зарождается и получает наибольшее развитие искусство барокко. Однако, будучи господствующим в итальянском искусстве 17 века, это направление не было единственным. Кроме него и параллельно с ним развиваются реалистические течения, связанные с идеологией демократических слоев итальянского общества и получающие значительное развитие во многих художественных центрах Италии

Итальянское Искусство 17 Века. Архитектура. Стиль барокко в архитектуре

Монументальная архитектура Италии 17 века удовлетворяла почти исключительно запросы католической церкви и высшей светской аристократии. В этот период строятся главным образом церковные сооружения, дворцы и загородные виллы Тяжелое экономическое положение Италии не давало возможности возводить очень крупные сооружения. Вместе с тем церковь и высшая аристократия нуждались в укреплении своего престижа, своего влияния. Отсюда — стремление к необычным, экстравагантным, парадным и острым архитектурным решениям, стремление к повышенной декоративности и звучности форм Строительство импозантных, хотя и не столь крупных сооружений способствовало созданию иллюзии социального и политического благополучия государства. Барокко достигает наибольшего напряжения и экспрессии в культовых, церковных сооружениях; его архитектурные формы как нельзя лучше отвечали религиозным принципам и обрядной стороне воинствующего католицизма. Строительством многочисленных церквей католическая церковь стремилась укрепить и усилить свой престиж и влияние в стране Стиль барокко, вырабатывавшийся в архитектуре этого времени, характеризуется, с одной стороны, стремлением к монументальности, с другой — преобладанием декоративного и живописного начала над тектоническим Подобно произведениям изобразительного искусства, памятники архитектуры барокко (особенно церковные сооружения) рассчитаны были на усиление эмоционального воздействия на зрителя. Рациональное начало, лежавшее в основе искусства и архитектуры Ренессанса, уступило свое место началу иррациональному, статичность, спокойствие — динамике, напряжению. Барокко — стиль контрастов и неравномерного распределения композиционных элементов. Особое значение в нем получают крупные и сочные криволинейные, дугообразные формы. Для сооружений барокко характерны — фронтальность, фасадность построения. Здания воспринимаются во многих случаях с одной стороны — со стороны главного фасада, нередко заслоняющего объем сооружения. Барокко уделяет большое внимание архитектурным ансамблям — городским и парковым, однако ансамбли этого времени основаны на иных началах, чем ансамбли Ренессанса. Барочные ансамбли Италии строятся на декоративных принципах. Для них характерны изолированность, сравнительная независимость от общей системы планировки городской территории. Примером может служить самый крупный ансамбль Рима — площадь перед собором св. Петра. Колоннады и декоративные стенки, замыкающие пространство перед входом в собор, прикрыли беспорядочную, случайную застройку, находящуюся за ними. Между площадью и примыкающей к ней сложной сетью проулков и случайных домов нет связи. Отдельные здания, входящие в состав барочных ансамблей, как бы утрачивают свою самостоятельность, всецело подчиняясь общему композиционному замыслу. Барокко по-новому поставило проблему синтеза искусств. Скульптура и живопись, играющие в зданиях этого времени очень большую роль, переплетаясь между собой и нередко заслоняя или иллюзорно деформируя архитектурные формы, способствуют созданию того впечатления насыщенности, пышности и великолепия, которое неизменно производят памятники барокко. Огромное значение для формирования нового стиля имело творчество Микеланджело. В своих произведениях он разработал ряд форм и приемов, которые были использованы позже в архитектуре барокко. Архитектор Виньола также может быть охарактеризован как один из непосредственных предшественников барокко; в его произведениях можно отметить целый ряд ранних признаков этого стиля. Новый стиль — стиль барокко в архитектуре Италии — приходит на смену Ренессансу в 80-х годах 16 века и развивается на протяжении всего 17 и первой половины 18 столетия. Условно, в пределах архитектуры этого времени, могут быть выделены три этапа: раннее барокко — с 1580-х до конца 1620-х годов, высокое, или зрелое, барокко — до конца 17 века и позднее — первая половина 18 века.

studfile.net

Итальянское Искусство 17 Века. Архитектура. Высокое, или зрелое, барокко.

Второй период архитектуры барокко — период зрелости и расцвета стиля — связан с творчеством крупнейших мастеров: Л. Бернини, Ф. Борромини, К. Райнальди — в Риме, Б. Лонгена — в Венеции, Ф. Риккини — в Милане, Гварино Гварини — в Турине. Лоренцо Бернини. Центральной фигурой зрелого барокко является Лоренцо Бернини (1598—1680). Он был не только архитектором, но и самым крупным скульптором 17 века в Италии. С 1629 года Бернини, после смерти Мадерны, продолжал постройку собора св. Петра. В 1633 году он построил в соборе над главным куполом большую бронзовую сень, поддерживаемую четырьмя витыми деконструктивными в своей основе колоннами. Согласно традиции, эта сень считается условно первым произведением зрелого барокко. Выполненная Бернини внутренняя отделка собора была подсказана ему проектом Микеланджело. Эта отделка является замечательным образцом церковного интерьера барокко. Самым крупным архитектурным произведением Бернини было оформление площади перед собором св. Петра (1655—1667). Архитектор создал две площади — большую эллиптическую, обрамленную колоннами, и непосредственно примыкающую к ней площадь в форме трапеции, ограниченную с противоположной стороны главным фасадом собора. В пределах овальной площади были установлены обелиск и два симметрично расположенных фонтана. Бернини продолжил и развил замысел Мадерны: колоннады не дают возможности подойти к собору с боковых сторон. Для зрителя остается доступным лишь главный фасад. Величественная архитектура площади Бернини являлась достойным фоном для церемонии съезда знати к торжественному богослужению, совершавшемуся в соборе. В 17—18 веках этот съезд представлял собой пышное и торжественное зрелище. Площадь собора св. Петра — самый крупный ансамбль итальянского-барокко. В Ватикане Бернини была создана парадная Королевская лестница — «Скала Реджиа» («Скала Сайта»), в которой он использовал прием искусственного усиления перспективного сокращения. Вследствие постепенного сужения марша и уменьшения колонн создается впечатление большей глубины помещения и увеличения размеров самой лестницы. К числу наиболее характерных произведений Бернини относится небольшая церковь Сан Андреа ин Квиринале (1678), главный фасад которой имеет вид портала с пилястрами и треугольным фронтоном. Этот портал как бы механически присоединен к основному объему здания, овальному в плане. Главным произведением Бернини в области гражданского зодчества является палаццо Одескальки в Риме (1665), решенный по обычной ренессансной схеме. Композиционным центром здания является, как и обычно, двор, ограниченный в первом этаже аркадами. Распределение на фасадах окон и декоративное их убранство также напоминают палаццо 16 века. По-новому разработана только центральная часть главного фасада: два верхних этажа охвачены большим ордером в виде коринфских пилястр, первый этаж по отношению к этому ордеру играет роль пьедестала. Подобная разбивка фасадной стены получит позже, в архитектуре классицизма, большое распространение. Бернини продолжил также начатую Мадерной постройку палаццо Барберини. Сооружение не имеет замкнутого двора, обычного для итальянских дворцов. Основной корпус ограничен с двух сторон выступающими вперед флигелями. Центральная часть главного фасада воспринимается как аппликация, наложенная, в декоративных целях, на поверхность стены. Центральный ризалит имеет очень широкие и высокие арочные, окна, в промежутках между ними помещены полуколонны; в первом этаже находится глубокая лоджия. Все это резко отличает центральную часть фасада от более массивных боковых частей, оформленных в традициях архитектуры 16 века. Подобный прием получил в архитектуре итальянского барокко также очень большое распространение. Интересна овальная лестница палаццо Барберини со спиральными маршами, опирающимися на двойные тосканские колонны. Франческа Борромшш. Не меньшее значение для итальянского барокко имеет творчество Франческо Борромини (1599—1667) — сотрудника Бернини, позднее — его соперника и врага. Произведения Борромини отличаются особой пышностью и «динамичностью» форм. Борромини довел стиль барокко до максимальной напряженности. Главное произведение Борромини в области храмовой архитектуры — церковь Сан Карло «у четырех фонтанов» (1638—1667). Фасад ее воспринимается как самостоятельная архитектурная композиция, независимая от здания. Ему приданы изгибающиеся, волнообразные формы. В пределах этого фасада можно видеть весь арсенал барочных форм — разорванных дугообразных карнизов, овальных картушей и прочих декоративных деталей. Сама церковь имеет в плане сложную форму, напоминающую два колокола, сложенных вместе своими основаниями. Перекрытием служит овальный купол. Как и во многих других зданиях этого времени, композиция церкви строится на контрасте внешних и внутренних архитектурных объемов, на неожиданности того эффекта, который возникает при входе внутрь сооружения. Одной из самых значительных работ архитектора является римская церковь Сан Иво, включенная в здание Сапиенции (университета, 1642—1660). Следует отметить сложные очертания плана церкви и полное несоответствие внешней и внутренней оболочек купола. Снаружи создается впечатление высокого барабана и плоской скуфьи купола, покрывающей этот барабан. Войдя же внутрь, убеждаешься в том, что пятовые части купольного покрытия расположены непосредственно у основания барабана. Борромини спроектировал виллу Фальконьери во Фраскати. Кроме того, он перестраивал палаццо Спада и работал до Бернини над палаццо Барберини (см. выше). Карло Райнальди. Карло Райнальди (1611—1691) является одним из главных строителей периода расцвета барокко. Важнейшие произведения Райнальди — церкви Сан Аньезе и Сайта Мариа ин Кампителли. Церковь Сан Аньезе (начата в 1651 г.) расположена на оси площади Навона, сохранившей очертания находившегося здесь ранее античного цирка Домициана. Площадь украшают типичные для этого времени барочные фонтаны работы Бернини. Церковь имеет центрический план и завершена большим куполом; дугообразный, вогнутый фасад ее ограничен с двух сторон колокольнями. В отличие от большинства римских церквей этого времени купол не скрыт плоскостью фасада, а выступает в качестве основного композиционного центра всей площади. Церковь Сайта Мариа ин Кампителли построена позже, в 1665—1675 годах. Двухъярусный фасад ее, решенный по системе церкви дель Джезу, и внутреннее оформление — типичный пример архитектуры зрелого барокко. Райнальди принадлежит также задний фасад римской церкви Санта Мариа Маджоре (1673). В 17 веке римская архитектура обогатилась несколькими новыми виллами, расположенными в окрестностях города. Помимо виллы Дориа-Памфили, построенной архитекторами Альгарди и Гримальди (ок. 1620 г.), были созданы в числе прочих вилла Мандрагоне и вилла Торлониа — обе находятся во Фраскати, а также вилла д'Эсте в Тиволи. В этих парадных поместьях — красивые бассейны, ряды кипарисов, вечнозеленые кустарники, разнообразно оформленные террасы с балюстрадами, гроты, многочисленная скульптура. Изысканность и пышность декоративного убранства сочетались нередко с вводимыми в искусственно созданный пейзаж элементами дикой природы.

studfile.net

Скульптура Италии 17 века | История архитектуры

Глава «Искусство Италии. Скульптура». Раздел «Искусство 17 века». Всеобщая история искусств. Том IV. Искусство 17-18 веков. Автор: В.Н. Гращенков; под общей редакцией Ю.Д. Колпинского и Е.И. Ротенберга (Москва, Государственное издательство «Искусство», 1963)


Принципы барокко помимо архитектуры получили свое наиболее полное и последовательное выражение в скульптуре 17 века. Тесно связанная с архитектурой и ее идейно-художественными задачами, скульптура приобретает огромное значение в украшении интерьеров и фасадов церквей, дворцов, вилл, в садово-парковых ансамблях. Статуи, надгробия, алтари, фонтаны и декоративная лепнина буквально затопляют своим обилием архитектурные ансамбли, составляя их неотъемлемую часть. В постройках итальянского барокко подчас трудно определить, где кончается работа архитектора и где начинается работа скульптора-декоратора.

Папа, знатные сановники, высшая дворянская и денежная аристократия, будучи основными заказчиками, зачастую определяли тематику и идейное содержание скульптуры, широко используемой в целях религиозной пропаганды и прославления церкви и дворянства. Изображения святых и всякого рода сцены чудес наряду с парадными портретами и пышными гробницами были излюбленными темами в скульптуре того времени. Жизнерадостный, гармонический идеал эпохи Возрождения сменяется в барочной скульптуре конфликтным раскрытием человеческого образа, стремлением к его повышенной эмоциональности. Однако углубление психологической выразительности образа нередко принимало в скульптуре 17 в. форму преувеличенной и внешней экспрессии, подчас граничащей с натуралистической аффектацией. Фигуры передаются в резких поворотах, в стремительном движении, их лица искажены гримасой гнева, боли или радости.

Подобно архитектуре, произведения барочной скульптуры отличаются богатством пространственного разворота и рассчитаны на множество точек зрения. Вместе с тем скульптура, включенная в архитектурно-пространственный ансамбль, теряет свою самостоятельность, ее трудно представить вне стен, ниш, портиков, карнизов, вне зелени и воды парков.

Мрамор был излюбленным материалом скульпторов барокко, извлекавших из него тончайшие живописные эффекты. То гладко полируя его, то оставляя отдельные части грубо обработанными, они чередуют глубоко затененные и освещенные поверхности. Мастера изощряются в иллюзорной передаче фактурного разнообразия тела, тканей, кружев, вооружения. Статуя, скульптурная группа или рельеф обогащаются искусно используемым освещением; их эффектно оттеняют разноцветные мраморы и обильная позолота архитектурного обрамления.

Первым скульптором барокко был Стефано Мадерна (1576—1636). В его «Св. Цецилии» (1600; Рим, церковь Санта Чечилия ин Трастевере) отчетливо проявились принципы раннебарочной скульптуры с ее натуралистической экспрессивностью, любовью к острым эффектам, тонким расчетом на освещение и архитектурное обрамление. В соответствии с желанием заказчика скульптор изобразил юную святую мертвой, лежащей в том положении, в каком ее якобы нашли в раскопанной могиле. Голова неестественно подвернута назад, рука бессильно вытянута. Мраморная плита еще более подчеркивает безжизненность распростертого на ней тела. Фигура, помещенная в глубокой нише над алтарем, предстает как бы в открытой гробнице.

Крупнейшим мастером 17 в., сыгравшим определяющую роль в сложении и развитии скульптуры барокко, был прославленный Джованни Лоренцо Бернини.

Еще мальчиком Бернини проходит выучку в мастерской своего отца, Пьетро Бернини, известного в то время скульптора. Он помогает ему и выполняет ряд самостоятельных работ. Очень скоро Лоренцо Бернини отказывается от сухой, скованной манеры, свойственной его отцу и другим мастерам конца 16 столетия. Уже ранние работы Бернини «Давид» (1623), «Плутон и Прозерпина» (1621— 1622), «Аполлон и Дафна» (1622—1625), находящиеся в галерее Боргезе, ярко свидетельствуют о новом по сравнению с Возрождением понимании пластического образа. Фигуры полны движения, драматического пафоса; они переданы в момент наивысшего душевного и физического напряжения. Но в них мы не найдем той полноты эстетического и нравственного удовлетворения, какую дают образы Возрождения.

Бернини изображает Давида, готового размахнуться и швырнуть камень. Выбор этого сюжетного момента позволяет скульптору дать фигуру в резком развороте, в напряженно неустойчивой позе. Лицо с гневно прикушенной губой и сдвинутыми бровями очень индивидуально (некоторые исследователи даже склонны видеть в нем автопортрет молодого мастера).

Античный миф об Аполлоне и Дафне был претворен Бернини в прекрасных поэтических образах. Скульптор заставляет забывать о материальной весомости мрамора, которую так любил подчеркивать Микеланджело. Бегущий Аполлон чуть касается земли, Дафна словно в страстном порыве устремляется вверх, превращаясь в лавровое дерево. Если «Давид» был рассчитан на восприятие со всех сторон, то в «Аполлоне и Дафне» чувство скульптурной объемности уступает место живописной картинности. Насыщенная светом и воздухом, группа требует фона, ее хочется видеть среди зеленой листвы парка.

Все три работы были выполнены по заказу кардинала Шипионе Боргезе, тонкого знатока и ценителя искусства, страстного поклонника античной культуры, для которого Бернини реставрировал античную статую спящего Гермафродита. Однако увлечение античностью, следы которого заметны в ранних произведениях молодого Бернини, далеко не имели в 17 в. того широкого и творческого характера, каким оно было в эпоху Возрождения.

Портрет Шипионе Боргезе (1632; Рим, галерея Боргезе) — одно из высших достижений Бернини, замечательный шедевр портретного искусства. Реалистические традиции скульптурного портрета Возрождения продолжали сохраняться вплоть до конца 16 в. Бернини подхватывает эти традиции, используя их в репрезентативном барочном портрете. В бюсте кардинала Боргезе счастливо сочетаются величавость и некоторая идеализация с большой жизненной правдивостью, умелым раскрытием многогранной личности портретируемого. Смело обобщая пластическую форму, тонко прорабатывая детали, Бернини с блеском воссоздает живой полнокровный образ. В облике самоуверенного вельможи Бернини сумел увидеть человека, любящего наслаждения, наделенного здоровым оптимизмом и тонким умом. При обзоре с разных точек зрения портрет привлекает разнообразием психологических оттенков, обогащающих образ и придающих ему замечательную естественность. Известно, что Бернини, работая над скульптурными портретами, любил зарисовывать свою модель, наблюдая ее со стороны и в движении. Это позволяло ему сохранить свежесть и остроту мимолетного впечатления в законченном портретном образе.

После бюста кардинала Боргезе Бернини создает еще несколько превосходных портретов, в которых мастерство исполнения соединено с реалистическим раскрытием образа. Таков прежде всего портрет сумрачного Иннокентия X (ок. 1647; Рим, галерея Дориа-Памфили). Несколько в стороне от линии развития парадного портрета стоит бюст Костанцы Буонарелли, возлюбленной мастера (ок. 1635; Флоренция, Национальный музей). В этом простом, по существу, интимном портрете Бернини с большой силой рисует ярко выразительный образ увлекшей его женщины, образ чувственный и властный, страстный и одухотворенный.

В дальнейшем творчество Бернини развивалось в сторону усиления элементов внешней патетики. Нередко собственно декоративные моменты начинают преобладать над идейным содержанием скульптурного образа. В его произведениях появляется та эмоциональная преувеличенность, та шумная театральность, которые так отталкивали зрителей последующих эпох.

Чрезвычайно велика роль Бернини в скульптурном оформлении собора св. Петра. Эта работа длилась с перерывами почти пятьдесят лет (1620—1670-е гг.). Гигантский бронзовый киворий (1624—1633), в равной степени принадлежащий искусству архитектуры и скульптуры, «Кафедра св. Петра» (1657—1666) в алтарной абсиде, множество статуй, рельефов, надгробий, облицовка стен и столбов цветными мраморами — все это было выполнено самим Бернини и его мастерской или другими мастерами под его руководством.

Из наиболее значительных произведений, украшавших центральную часть храмового интерьера, следует отметить грандиозную по размерам (как и все, что создавалось для собора) статую св. Лонгина (1629—1638), помещенную в нише одного из подкупольных опорных столбов. Лонгин изображен в момент экстатического поклонения невидимому распятому Христу. Распростертые руки, откинутая назад голова, клубящиеся складки плаща, стянутые сбоку в напряженный узел, передают не столько трагический, сколько театральный характер образа. В статуях Бернини причина их патетической взволнованности, стремительного движения лежит не в самих образах, а вовне. Она — нечто нереальное, мистическое: видение чуда, страдание мученичества.

Барочный принцип живописной картинности наиболее последовательно проявился в скульптурных алтарях, в создании которых Бернини не имел себе равных. Его алтарная группа «Экстаз св. Терезы») (1645—1652; Рим, церковь Сайта Мария делла Виттория) стала своего рода образцом всей барочной скульптуры. Экстаз св. Терезы передан с ощутимой убедительностью реального события и одновременно как мистическое чудо. Бессильно поникшая Тереза, запрокинув голову, покоится на мраморном облаке. С ее уст срывается крик сладостной муки. Веки полузакрыты, она словно не видит представшего перед ней ангела, но воспринимает его присутствие всем существом. В судорожном трепете извиваются складки ее монашеского плаща. Страдание и наслаждение, мистическое и эротическое сплетаются воедино в этом образе. Лицо ангела с двусмысленной улыбкой противопоставлено прекрасному одухотворенному лицу Терезы. Бернини поместил свою скульптурную группу в глубокую нишу на фоне золотых лучей. Будто неведомая сила раздвинула колонны, разорвала фронтон, чтобы открыть взору чудесное видение. Свет, падающий сверху через желтое стекло окна, мягко освещает фигуры, белеющие среди позолоты и цветных мраморов капеллы. Благодаря этому эффекту освещения и виртуозной обработке мрамора фигуры Терезы и ангела кажутся парящими в проеме стены. На иллюзорно трактованных рельефах боковых стен капеллы расположились, как зрители в ложе театра, смотрящие и беседующие между собой члены семьи Корнаро, один из которых был заказчиком алтаря и капеллы. Как театральное зрелище истолковал Бернини старую традицию изображения святых вместе с заказчиками картины.

На примере «Св. Терезы» можно лучше всего увидеть тот живописно-картинный подход к скульптуре, из которого вытекает своеобразие пластической манеры Бернини. Он сохраняет в мраморе особенности лепки из терракоты, в которой он выполнял предварительные эскизы и модели. Тектоническая ясность объемов исчезает, формы становятся мягкими и текучими, как живописный мазок. Кажется, что скульптор не высекает, а лепит из мрамора, который под его резцом принимает самые причудливые формы. «Я победил мрамор и сделал его гибким как воск,— говорил Бернини,— и этим самым смог до известной степени объединить скульптуру с живописью».

Поздние портреты Бернини, как и другие его работы этого периода, характеризуются все большим нарастанием элементов внешнего декоративизма. Таковы, например, портреты моденского герцога Франческе д'Эсте (1650—1651; Модена) и Людовика XIV (1665; Версаль), в которых тип парадного барочного портрета достигает высшей точки своего развития. В подобного рода бравурных портретах скульптор не стремился к жизненно-психологическому раскрытию образа. Сохраняя индивидуальный облик портретируемого, он наделяет его чертами придворного идеала. Пышные парики, развевающиеся драпировки, наброшенные на латы, напоминают торжественные, наполненные мудреными аллегориями хвалебные оды того времени.

Созданный Бернини тип барочной гробницы получил широкое распространение не только в Италии, но и за ее пределами, просуществовав вплоть до конца 18 в. Надгробия папы Урбана VIII (1628—1647) и Александра VII (1671—1678) во многом послужили образцом для последующих произведений этого рода.

С мрачной выразительностью звучит в надгробии Александра VII тема торжества папской власти и ее бессилия перед лицом смерти. Папа представлен коленопреклоненным, с молитвенно сложенными руками; аллегорические фигуры окружают его. Одна из них взывает к молящемуся, две другие, точно живые, выглядывают из глубины ниши. Крылатый скелет, протягивающий папе песочные часы, приподнимает мраморную драпировку над дверью склепа, как бы приглашая войти туда. Бернини стремится поразить воображение зрителя противоречивым смешением образов реальных и фантастических, жизни и смерти.

Очень много сделал Бернини и в декоративном использовании скульптуры вне интерьеров — на улицах и площадях Рима. Под его руководством были выполнены статуи на колоннаде площади св. Петра и на мосту св. Ангела (1669—1671), слон с обелиском на площади возле Пантеона (1666—1667). Ему же Рим обязан несколькими прославленными фонтанами, в которых декоративная скульптура обрела новую жизнь, соединившись с подвижной стихией воды, заполняющей чаши бассейнов, бьющей сильными струями, мягко стекающей по округлым формам мраморных фигур (фонтан Тритона на площади Барберини, 1637; фонтаны Четырех рек и Мавра на площади Навона, 1648—1655).

Благодаря своей исключительной одаренности и привилегированному положению при папском дворе Бернини решительно подавлял всех других мастеров, большинство которых подражало его композициям и его художественной манере. Из множества скульпторов того времени упомянем соперника Бернини — Алессандро Альгарди (1595—1654), придерживавшегося более спокойного академического стиля. Его рельеф «Лев I и Аттила» (1646—1653) в соборе св. Петра является типичным образцом живописного рельефа-картины с сильно выступающими фигурами первого плана. Альгарди известен как выдающийся портретист. Лучшие среди его работ: портреты кардинала Цаккиа (1626), Олимпии Памфили (ок. 1645) и бронзовая статуя Иннокентия X (1649—1650). Еще более академический характер носило творчество Франсуа Дюкенуа (1594—1643) — фламандского скульптора, долго работавшего в Риме. Его «Св. Андрей» (1629—1640), установленный в нише одного из подкупольных опорных столбов римского собора св. Петра, отличается от «Св. Лонгина» Бернини более спокойной и тяжеловесной трактовкой форм.

totalarch.ru

Отправить ответ

avatar
  Подписаться  
Уведомление о