История и концепция стиля Ар Нуво

СОДЕРЖАНИЕ

Введение……………………………………………………………………3

1. История и концепция стиля Ар Нуво………………………………4

2. Развитие стиля Ар Нуво в разных странах………………..……..10

2.1 Франция…………………………………………………………….10

2.2 Германия…………………………………………………………..13

2.3 Скандинавия………………………………………………………14

2.4 Россия………………………………………………………………15

2.5 Италия……………………………………………………………..16

2.6 Испания……………………………………………………………16

3. Представители стиля Ар Нуво…………………………………….17

3.1 Виктор Орта……………………………………………………….17

3.2 Анри Ван де Вельде………………………………………………19

3.3 Эктор Гимар………………………………………………………19

3.4 Антонио Гауди…………………………………………………….21

3.5 Отто Вагнер……………………………………………………….22

3.6 Йозеф Гофман…………………………………………………….24

3.7 Адольф Лоос………………………………………………………25

3.8 Луис Камфорт Тиффани…………………………………………26

Заключение………………………………………………………………28

Список использованных источников……………………………….29

Введение

Начиная с 1880 года вплоть до Первой Мировой Войны, Западная Европа и США становятся свидетелями развития стиля модерн, или Ар Нуво(«Новое Искусство

Черпая вдохновение из непослушных аспектов естественной природы, Ар Нуво оказывает влияние на искусство и архитектуру, особенно прикладное искусство, художественную графику и книжную иллюстрацию.

Извилистые кривые — характерная особенность стиля — были получены, в частности, из ботанических исследований и исследований глубоководных форм жизни таких ученых, как немецкий биолог Эрнст Генрих Геккель (1834-1919), написавшего в 1899 году труд «Kunstformen der Natur« («Художественные формы в Природе«). Другие публикации, в том числе «Флористический Орнамент» (1849) Готического Возрождения Августуса Уэлби Нортмор Паджин (1812-1852) и «Грамматика Орнамента» (1856) британского архитектора и теоретика Оуэна Джонса (1809-1874), предвосхищали природу как основной источник вдохновения для целого поколения художников, стремящихся вырваться из оков «старых» стилей.

Термином «Ар Нуво» обозначают элегантный, многожанровый стиль, процветающий с начала 1880-х годов вплоть до первой мировой войны. Его рождение ознаменовало наступление века великих перемен в искусстве, когда в жизни уже прочно утвердился век машин, и полным ходом шла промышленная революция. [1]

История и концепция стиля Ар Нуво

Ар Нуво — художественное направление в искусстве, наиболее распространённое в последней декаде XIX — начале XX века (до начала Первой мировой войны).

В других странах называется также: «тиффани» (по имени Л. К. Тиффани) в США, «модерн» и «fin de siècle» (букв. «конец века») во Франции, «югендстиль» (точнее, «югендштиль» — по названию основанного в 1896 году иллюстрированного журнала Die Jugend) в Германии, «стиль Сецессион» (Secessionsstil) в Австрии, «модерн стайл» (modern style, букв. «современный стиль») в Англии, «стиль либерти» в Италии, «модернизмо» в Испании, «Nieuwe Kunst» в Нидерландах, «еловый стиль» (style sapin) в Швейцарии. Всех их объединяло желание освободиться от прошлого и стремление подарить художественному произведению новый облик. Индустриальная революция и растущая зависимость от машин явились катализаторами этой радикальной перемены.

Отличительными особенностями стиля является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например, в архитектуре), расцвет прикладного искусства. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека.

Стиль Ар Нуво отличается следующими признаками:

· использование орнаментов, в основу которых положены природные формы (цветы, виноградная лоза, раковины, перья птиц, крылья насекомых) и абстракции. S-образные линии и линия «удар бич» главный мотив Ар Нуво;

· использование современных материалов (железа и стекла), предметов, изготовленных промышленным способом, и электричества;

· применение витражей;

· неброское цветовое оформление;

· «мягкое» освещение;

· тесная взаимосвязь с изящными искусствами, использование живописи и скульптуры на фасадах и в интерьерах.

В 1860—1870 годы в Европе главенствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих художественных стилей. Стремление противопоставить этому свое творчество объединило в антиэклектическое движение художественные течения и школы в различных странах. Это привело к тому, что в 1880-е годы в работах ряда мастеров стал вырабатываться новый стиль, который противопоставлял эклектизму новые художественные приёмы.

Период развития модерна имеет достаточно четкие хронологические границы: от конца 1880-х гг. до 1914 г., начала первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы.^[4]

Условно выделяют 3 этапа развития стиля:

· Первый (с 1890 по 1900 г.) — выдвижение задачи и решительное обновление художественно-образного языка архитектуры, разработка новых приемов пространственных композиций сооружения, усиление тенденций использования новых материалов (сталь, бетон и т. п.), ориентация на орнаментальность, поиск новых декоративных мотивов и т. п.

· Второй (приблизительно с 1900—1905 гг.) — характеризуется постепенным отходом от декоративности, более последовательным освоением строительных материалов нового образца.

· Третий (продолжавшийся примерно до 1910-х гг.) — отмечен стремлением к простоте, строгости, последовательному изучению строительной техники

Распространению модерна способствовало проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Наибольшую известность модерн получил на Всемирной выставке 1900 года в Париже. В 1910-х гг. значение модерна стало угасать.

Традиционно в модерне выделяются два основных направления: конструктивное (Австрия, Шотландия) и декоративное (Бельгия, Франция, Германия). Кроме того, в Италии и России сильное влияние на него оказали национальные традиции: в этих странах образцы модерна носили отпечаток традиционных форм.

В качестве примера можно привести неорусский стиль в архитектуре России (не путать с псевдорусским стилем, который относился к периоду эклектики). При этом следует иметь в виду, что разделение искусства модерна на отдельные периоды и стили условно.

Модерн, как ни один из других стилей, впитал в себя столько различных направлений и подвергся влиянию стольких национальных культур и традиций, что даже специалистам сложно определить, где заканчивается эклектика и начинается модерн и где заканчивается модерн и начинается ар-деко. [2]

Конец XIX столетия в Европе ознамено­ван относительным миром и проц­ветанием. Экономический рост повлек за собой увеличение численности круп­ной и средней буржуазии, что в свою очередь способствовало появлению и развитию новых, экспериментальных направлений в архитектуре.[3]

Мир стремительно развивался, однако в области искусства эти изменения происходили гораздо медленнее. Художники и дизайнеры выступали против засилья «историзма», когда многочисленные стилевые заимствования из культур самых разных исторических эпох смешивались в битком набитых «викторианских» гостиных.

Появление влиятельного среднего класса привело к росту спроса на изящные вещи. Машинный век был способен насытить этот спрос товарами массового производства; однако тиражирование красоты привело к неразборчивости и безвкусице. В поисках новых решений нещадно эксплуатировались все без исключения исторические периоды, наблюдались бесконечные возвраты к старым стилям: классическому, готическому, ренессансу, барокко или стилю Людовика ХV.

Неудовлетворенные окружающей жизнью и ситуацией в искусстве, когда уже не приходилось говорить о существовании единого направления, зачинатели нового движения ставили перед собой задачу создания большого стиля. Усилиями художников, архитекторов и критиков сознательно, целенаправленно формировался новый, не полагающийся на образцы прошлого, стиль. Созданный стиль заключал в себе вполне отчетливую программу всеобщих эстетических преобразований, которая может быть представлена как идея сотворения прекрасного.

Стилистической особенностью Ар Нуво стал отказ от прямых линий и углов в пользу более естественного плавного движения изогнутых линий. Стилевая оригинальность Ар нуво базировалась на орнаментальной волнистости линий природных форм растительного и животного мира. Линии Ар нуво часто напоминают танцующие, волнистые арабески, проникнутые органической энергией и жизненной силой растений.

Фирменным знаком линии Ар нуво стала знаменитая вышивка Германа Обриста «Удар бича» на портьере 1895 г. (рисунок 1). Первоначально работа называлась «Альпийские фиалки», но когда один из критиков сравнил бешеные движения стебля растения с «яростными изгибами обрушивающегося бича», родился термин «удар бича», который вскоре стал фирменным росчерком стиля Ар нуво.

Рисунок 1 – «Удар бича», Герман Обрист

Другой особенностью нового стиля стало стремление архитекторов и художников создать единый синтетический стиль, в котором все элементы архитектурного объекта, убранства его интерьеров были бы связаны в единое художественное целое.

У истоков концепции эстетического синтеза — ключевого понятий нового стиля — стоял Уильям Моррис (1834-1896), английский ремесленник, художник, поэт и социалист. Открыл миру художественные и философские трактаты искусствоведа Джона Рескина, который, опираясь на эстетический принцип единства Красоты и Добра, утверждал, что предметное окружение общества свидетельствует о его моральном состоянии.

Свой дом Моррис совместно с друзьями-художниками пытался превратить в совокупное произведение пространственных искусств, гармоничную среду, которая послужит матрицей идеальных человеческих отношений, облагороженного искусством образа жизни.

Жизнеустроительный эксперимент Морриса повторил бельгийских мастер модерна Генри Ван де Вельде, построивший для себя особняк «Блуменверф», для которого он не только спроектировал все элементы, от столовых приборов до дверных ручек, но и разработал эскизы одежды для всей семьи (рисунок 2).

Рисунок 2 – Особняк «Блуменверф», Генри Ван де Вельде

Принцип художественного единства всех элементов предметно-пространственной среды придавал каждому проекту поразительную целостность и художественную завершенность. Ар Нуво был не только новым стилем — он был новым мировоззрением, синтезировавшим все виды искусства и ценившим ремесленника и архитектора также высоко, как художника и скульптора.

Источник идей для художников ар нуво была природа. Наиболее распространенной темой стали бутон (символ появления новой жизни) и экзотические растения с длинными стеблями и бледными цветками. предпочтение отдавалось лилиям, кувшинка, ирисам и орхидеям.

В большой моде были образы женщин с неимоверно длинными, струящимися волосами. Прекрасно поддавались стилизации яркие и грациозные насекомые и птицы — стрекозы и бабочки, павлины и ласточки (рисунок 3).

А)	Б)

Рисунок 3 – Украшения в стиле Ар Нуво: а) Брошь, Жорж Фуке по дизайну Альфонса Мухи; б) Кулон, Рене Жюль Лалик

Природная декоративность Ар нуво способствовала его применению в разных жанрах. В период наивысшей популярностью он использовался для украшения практически каждого мыслимого предмета потребления ручной работы и массового тиража, также фасадов зданий и оформления интерьеров многих магазинов, ресторанов и частных особняков.

На ином принципе строили поиск мастера «школы Глазго», возглавляемой Макинтошем и представители «Венского Сецессиона». Они создавали более сдержанную разновидность ар нуво (рисунок 4).

Рисунок 4 – Школа Глазго

Стилевое своеобразие, которое школа Глазго принесла в Ар нуво, характеризовалось чистой геометрией форм в сочетании с криволинейностью поверхностных декоративных элементов. Здания, интерьеры и мебель, созданные по проектам Чарльза Рени Макинтоша, во многом предвосхитили прямоугольную функциональность модернизма 20-х годов. [4]

Читайте также:

Рекомендуемые страницы:

Поиск по сайту

Стиль модерн и арт-нуво в архитектуре и дизайне интерьера: особенности и отличительные признаки

Чем характерен невероятно популярный стиль арт нуво (или модерн) в интерьере

Стиль модерн (или  в дизайне интерьера рубежа XXI — XX веков. Как известно, Стиль модерн в дизайне интерьера возник на рубеже веков, когда технический прогресс в конце XIX в. привнес в Западную Европу новые тенденции в искусстве и архитектуре, возникшие в противовес рационализму XIX в. Это отказ от смешения исторических стилей (эклектики) и поиск современных декоративных форм. Любой новый стиль появляется постепенно из предшествующих стилей, ведь перед человечеством всегда стоят новые задачи, появляются новые конструкции и строительные материалы, а это требует изменения устаревших форм. 

Популярный стиль модерн в дизайне интерьера имеет черты: трактовка поверхности, плоскости, фактуры, определенная ритмика движения форм, орнаментальный декор и собственная иконосфера. В вещах модерна — вазах, канделябрах, пепельницах, чернильницах, пресс-папье и календарях появляется фигурка женщины, которую можно увидеть в иллюстрациях О. Бердслея, в живописи Г. Климта, в скульптурах О. Родена. Льющаяся вода, и близкие ей образы – символ движения, живого, текучести жизни и изменчивости. С образом женщины связаны грезы, получившие метафизические или мистические черты. Стиль модерн в дизайне интерьера, в архитектуре и искусстве по логике символизма делал все невидимое видимым.

Новый художественный стиль модерн (от фр. «современный», «новейший») имел разные названия в разных странах: «Ар нуво» («art nouveau» — «новое искусство») – в Англии, Бельгии, Франции. «Югендстиль» («jugendstil» — «молодой») – в Германии (получивший название от мюнхенского журнала «Югент», вышедшего в 1896 г. «Сецессион» («sezessionstil» — «уход») – в Австро-Венгрии. «Либерти» («liberty» — «свободный») – в Италии. «Модерниссмо» («modernismo») – в Испании. 

Протомодерн Великобритании. Шотландский модерн

Современный стиль модерн в дизайне интерьера опирается на его истоки

Во второй половине ХIХ в. одной из передовых держав и «мастерской мира», законодательницей моды и стиля была Англия. В результате длительного и устойчивого правления королевы Виктории небольшая островная страна переживала экономический и промышленный подъем. Эта страна подарила миру предшественников модерна. 

Предшественники стиля модерн

Художественное движение «Искусства и ремёсла». The Arts & Crafts Movement. Идейные вдохновители нового движения – Джон Рёскин (1819-1900) и Уильям Моррис (1834-1896). 

Стиль модерн в дизайне интерьера во многом обязан своим развитием художественному движению «Искусства и ремёсла». The Arts & Crafts Movement. Идейные вдохновители нового движения – Джон Рёскин (1819-1900) и Уильям Моррис (1834-1896). В противовес безвкусным тиражированным машинным предметам они провозглашали эстетику ручного труда, утверждая, что машина – враг культуры. Участники фирмы «Моррис и Компания» пропагандировали возвращение к ремесленным народным истокам творчества, создавая эстетически продуманную среду обитания для каждого человека. Современный стиль модерн в дизайне интерьера часто использует в своем арсенале декоративных решений эксклюзивные предметы ручной работы. Художники движения «Искусства и ремесла» искали вдохновения в средневековом стиле и ручном труде, их изделия ручной работы отличались вкусом, чистотой отделки и использованием естественных материалов. 

Филип Уэбб (1831 – 1915).

• Красный дом в Бексли Хилс. Лондон. 1859.

Чарльз Войси (1857 – 1941). 

Лидер движения «Искусства и ремёсла». Выработал метод формирования здания «изнутри – наружу» (от организации быта – к архитектурной форме).

• Дом «Орчард» в Корли Вурд. Англия. 1896.

Скотт, Бейли Хью Маккей (1865-1945). 

• Blackwell — The Arts and Crafts House 1900, England, Cumbria, Bowness. 

Принципы нового направления в жилищном строительстве, на которые опирается стиль модерн в дизайне интерьера и архитектуре, а также искусстве: 

1). Во внешнем облике выявлялась внутренняя планировка, поскольку жилой дом – это организм, а внешний облик дома развивается из его внутреннего содержания. 
2). Все формы должны быть простыми и четкими. 
3). Воспевалась эстетика материала, например, показывалась неоштукатуренная кирпичная кладка снаружи и внутри. 
4). Все объемы живописно сочетались между собой. 
5). Стиль модерн в дизайне интерьера и архитектуре свободен от симметрии. 
6). Цвет символично использовался сознательно, также приветствовалась функциональность. 

Чарльз Ренни Макинтош (1868 – 1928) Англия, Шотландия. Шотландский модерн. 

Шотландский архитектор и художник, Макинтош также проектировал мебель. Возможно, самый великий архитектор и проектировщик из Шотландии. Его заслуга – попытка создать родной стиль в современной эре. Декоративные и графические работы мастера – некоторые из них являются одними из самых лучших проявлений Арт Нуво, точные примеры раннего модернизма. Стиль модерн в дизайне интерьера имеет в своем арсенале средств, вполне узнаваемые предметы интерьера, которые разработал мастер. Он был приверженцем камня, считая, что современные материалы стекло и дерево, не имеют его достоинств. Главный критерий – массивность.

• Глазго. Школа искусства. 1907-1909.

• Чайная-кондитерская в Глазго. 1903 год.

• Церковь в Глазго. Шотландия.

• Хилл-хауз. Глазго, Шотландия. 1902-1903.

Архитектура шотландских баронов Хилл Хауз создан изнутри – наружу. 

Бёрдсли Обри Винсент (1872-1898). 

Английский художник-график, он создал свой оригинальный жанр в искусстве модерна. Стиль модерн в дизайне интерьера часто выражается в интерьерах через стилизацию работ этого художника. Изысканные черно-белые иллюстрации к литературным произведениям сделали его знаменитым. Его одаренность уникальна: Бёрдсли был музыкантом, поэтом, актером, художником – иллюстрации к литературным произведениям и рисунки, заказывались журналами. Бёрдсли заложил многие идеи и принципы модерна.

• Иллюстрация к пьесе Оскара Уайльда «Саломея».

Тиффани, Луис Комфорт (1848–1933). 

Стиль модерн в дизайне интерьера имеет в арсенале декоративных приемов предметы интерьера, созданные американским художником, дизайнером и бизнесменом, лидером стиля «модерн» в искусстве США. Тиффани родился в Нью-Йорке в семье крупного бизнесмена. Путешествовал, писал картины в духе ориентализма, коллекционируя утварь и мебель. Участвовал в организации Американской художественной ассоциации, пропагандирующей модерн в противовес академизму под влиянием английского «движения искусств и ремесел». 

Сосредоточившись на декоративном дизайне – изготовлении художественного стекла, он открыл стекольную фабрику. Стиль модерн в дизайне интерьера не зря характерен своими чудными витражами! Успех имела марка «Фавриль»: окрашенное реактивами стекло, матовое либо отшлифованное до блеска. В структуру стекла входили узоры в виде рельефов, металлических перегородок, эмали и полудрагоценные камни. Биоморфный орнамент сочетался с формами изделий – сосудами и светильниками, витражами, флаконами для духов, сочетая традиции европейского средневековья (витражи), мусульманского Востока (декор светильников) и Японии (золоченые обои). Таким образом, стиль модерн в дизайне интерьера постоянно обогащался новыми поисками талантливых мастеров. «Студия Тиффани» исполнила – стеклянную часовню для Всемирной выставки в Чикаго (1893), оформила Лаурелтон-холл, загородный дом самого Тиффани в Оустер-Бэй (Лонг-Айленд; не сохранился), прозрачное панно во Дворце изящных искусств в Мехико (1911), витраж Сад сновидений в офисе фирмы «Кертис паблишинг» в Филадельфии (по эскизу М.Парриша; 1915). Фирмы разнообразила рисунок нью-йоркских окон. 

Американский декоративный дизайн впервые стал предметом внимания и подражания в Европе. Тиффани значительно обогатил, дополнил стиль модерн в дизайне интерьера и внес в него уникальный колорит и многообразие. 

«АР НУВО» (ART NOUVEAU) в Бельгии и во Франции 

Хенри ван де Вельде (1863 – 1957). 

Выдающийся архитектор и мастер декоративного искусства, окончил Академию художеств, учился в Париже. Увлёкся работами движения «Искусства и ремёсла». Занимался живописью, книжной графикой, прикладным искусством. Под влиянием творчества Макинтоша и Морриса проектировал мебель, обои, ткани, ювелирные украшения, изделия из стекла. Стиль модерн в дизайне интерьера взаимосвязан с архитектурными предпочтениями мастера.

• Особняк Ван де Вельде «Блуменверф» близ Брюсселя. 1895.

В особняке повторил эксперимент Морриса. Принцип проектирования «изнутри – наружу». Увлекался свободной планировкой английских коттеджей. В своем доме спроектировал всё: от посуды и мебели – до дверных ручек и одежды. Этот дом яркий примером синтеза всех искусств.

• Художественное училище в Веймаре.

1907 Веркбунд – Высшее техническое училище прикладных искусств. Часто стиль модерн в дизайне интерьера в общественных помещениях выглядит по-особенному. Большие окна – из стальных заводских профилей, в мансарде – мастерские. В Германии работает только как архитектор. Один из организаторов и основателей Веркбунда – Высшего технического училища прикладных искусств, и талантливым педагогом. Здесь он построил и собственный дом. Практичность и целесообразность вытеснили декоративный орнамент.

• Театр на выставке Веркбунда в Кёльне. 1914 (не сохранился).

Постройкой военного времени становится театр, спроектированный для Кельнской выставки Веркбунда. Пластические объемы образуют единую композицию. Покинув в 1917 году Германию, работает в Швейцарии, Голландии, на родине в Бельгии, возглавляет Высший институт декоративного искусства, развивая идеи Веркбунда. Стиль модерн в дизайне интерьера в полной мере проявил себя именно здесь в сложной пластической композиции.

Виктор Орта (1861 – 1947).

Бельгия Орта один из основоположников стиля модерн. Изучал архитектуру в Академии художеств, стажировался в Париже, закончил брюссельскую Академию изящных искусств. • Особняк Эмиля Тасселя (городской дом) Брюссель. 1893

• Особняк Армана Сольве. Брюссель (1895 – 1900) и особняк ван Этвельде (справа) в Брюсселе. 1895.

Провозглашал открытый металлический каркас – конструктивно-орнаментальную систему. Металл в декоративных целях применял в жилищном строительстве в виде орнамента. Любимая деталь – эркер, у Орта криволинейное продолжение стены с остеклёнными проемами. Стиль модерн в дизайне интерьера и в общем архитектурном облике здания поражает! Впечатление об интерьере посетитель получает от чугунной колонны. Изогнутые «листья» отходят от ее капители, в форме вазы. Внутри особняков декор соединяется со свободной планировкой.

• Народный дом (не сохранился), Брюссель (1896 – 1898).

В народном доме, задуманном как профсоюзный магазин и общественный центр, был выстроен почти целиком стеклянно металлический фасад, план – свободная планировка. Чугунный каркас одновременно эффект украшения. Модерн во Франции. Стиль модерн в дизайне интерьера и архитектуре отличает совершенно удивительная динамика, фантазия и изломы линий. 

Гектор Гима́р (1867 – 1942) Франция. 

Главный представитель искусства Nouveau во Франции.

• Вход на станцию парижского метро.

Извивающиеся стебли — самый популярный мотив архитектуры ар нуво. Прямая линия была чужда мастерам стиля модерн. За 15 лет деятельности он создал много архитектурных сооружений и интерьеров. Оформлял станции Парижского метрополитена.

• Оформление входа станции метро «Киевская» в Москве.

Мастерски использовал стиль модерн в дизайне интерьера не только частных, но и общественных помещений. В 2004 году в рамках культурного обмена, Компанией общественного транспорта Парижа изготовлен и направлен в дар Москве архитектурный ансамбль французского архитектора Гимара для оформления входа на станцию «Киевская» Московского метрополитена.

Дом Кастель Беранже в Париже. 1894 – 1898.

Первые парижские работы Гимара относятся к концу прошлого века. В 1898 году по его проекту был построен дом на улице Ла Фонтена, в 16 округе Парижа, затем еще три дома на этой же улице. Castel Beranger сделал Гимара известным. Он стал получать множество заказов:

• Орнамент «Удар хлыста».
• Гостиница Гимар.
• Дом Соллео / Maison Coilliot.

Гимар экспериментирует в своем творчестве и умело использует стиль модерн в дизайне интерьера и экстерьера здания. Дом Coilliot, поражает своим передним фасадом (1898), Villas la Bluette, Castel d’Orgeval (1905), особенно Castel Henriette (1899) с ассиметричным «свободным планом», созданный за 25 лет до теории Le Corbusier. Также известны:

• Villas la Bluette • Castel d’Orgeval (1905).
• Castel Henriette (1899) • Вилла Берт (Villa Berthe).
• Кастель Валь.
• Hôtel Nozal – 1905.

В гостинице Nozal используется симметрия. Также известны:

• Hôtel Paul Mezzara, 1911.
• Диван для курительной, 1897 год.
• Музей Д`Орсе.

Франсуа Эннибек – зарождение железобетона (1842 – 1921).

Стиль модерн в дизайне интерьера и, особенно в архитектуре обязан своему развитию выдающемуся конструктору, который впервые внедрил железобетон как конструктивный материал для строительства наземных сооружений и создал для всего здания от фундамента до крыши единую каркасную конструкцию из железобетона.

• Железобетонная конструкция по Эннибеку, 1892.

Система конструкции состоит из стоек, прогонов и плит. Создана типичная для ЖБ форма ребристого покрытия в которой плита также служит перекрытием и повышает несущую способность балок.

Огюст Перре: новая форма нового материала, принцип «свободной планировки» (1874 – 1954).

Создатель типичных для ЖБ архитектурных форм; принципа «свободной планировки», «гибкого» плана. Так, стиль модерн в дизайне интерьера и в планировке проявляет свои лучшие принципы. Первые архитектурные знания и навыки мастер получил в строительной фирме своего отца. Блестяще учился, но не окончил Школу изящных искусств, соединив в своем творчестве труд архитектора, конструктора, строителя.

• Жилой дом на улице Франклина, Париж, 1903.

Творчески применил железобетон, показав возможности формообразования, открывшиеся перед архитектурой благодаря применению нового строительного материала. ЖБ стойки выявлены в динамичном объемно-пространственном решении фасада.

• Гараж на улице Понтье. Париж, 1905.

ЖБ каркас определяет внешний облик здания. Ненесущие части наружной стены остеклены. Открытая каркасная конструкция – также и архитектурная форма. Конструкции и форма едины. Современный стиль модерн в дизайне интерьера проявляет себя в своеобразии формы и конструкции. В свободных участках между выходящими на фасад элементами конструкции размещены большие окна, усиливая контраст между железобетонным каркасом и плоскостями остекленных заполнений.

• Церковь Нотр-Дам, Ле Ранси, 1922. Вершина его творчества.

Цилиндрические своды в среднем нефе имеют продольное направление, а в боковых нефах — поперечное, они покоятся на тонких стойках. Наружные стены церкви – ажурные железобетонные решетки с цветными стеклами, интерьер – сочетание современности и мистической приподнятости. Наружные стены из сборных ЖБ элементов, лишенные несущей функции, пропускают свет со всех сторон. Такое своеобразие имеет стиль модерн в дизайне интерьера и в фасадах сооружений. 

Модерн в Австрии, Германии, Испании: «Сецессион», «Югендстиль», «Модернисмо» 

Отто Вагнер (1841 – 1918). Австро-Венгрия. ВЕНСКИЙ «СЕЦЕССИОН».

Сторонник функционализма. Девиз «Сецессиона»: «Времени его искусство, искусству его свободу». А также простота, целесообразность, правдивость. Зодчий и теоретик городской архитектуры, начинал как эклектик. Был предтечей венскому модерну, прокладывая ему путь. Отказался от эклектики и следовал духу времени. Здание банка. Вена. 1883 — 1884 Начинал Вагнер как мастер эклектического Ренессанса.

• Здание вокзала городской железной дороги. Вена. 1896-97. Станция городской железной дороги «Карлсплац» в центре Вены (1898 год).

Стиль модерн в дизайне интерьера монументальных сооружений проявляет себя характерно. Павильон станции городской железной дороги стал классическим образцом венского модерна. В его оформлении много золота и сочных зеленых красок, также благородный белый мрамор.

• Майолик-хауз. Вена. 1899.(Доходный дом).

Сторонник функционализма и правдивости в архитектуре, вступив в объединение «Венский Сецессион» и строя доходный дом, использует две противоречивые схемы: 1) вытекающая из функционального назначения ячеистая равномерная структура фасада и 2) наложенная на нее орнаментальная цветочная композиция.

• Здание сберкассы почтамта. Вена. 1904 — 1912.

Внешние стены облицованы мраморными плитами на болтах с алюминиевыми головками, выполняющими роль конструктивного орнамента.

• Операционный зал сберегательной кассы почтамта. Вена. 1905.

Новый стиль модерн в дизайне интерьера операционного зала сберкассы почтампа уникален. Интересна ясная, строгая архитектура операционного зал, пространство которого формирует оболочка из металла и стекла, облик интерьера определяется сталью и стеклом, украшения отсутствуют.

• Храм св. Леопольда (1904 – 1907) при психиатрической больнице в Вене.

Простота, целесообразность и правдивость, лаконичностью форм. 

Иосиф Мария Ольбрих (1867 – 1908). 

Один из самых известных учеников Вагнера. Для его творчества характерны кубические формы и внимание к качеству материалов.

• Здание «Венского Сецессиона». 1897 – 1898.

Соучредитель «Венского Сецессиона», создал здание «Сецессион» как храм искусства и наиболее значительный пример модерна. Здесь совмещены принципы и декоративность модерна: гладкие стены и ажурный купол-полусфера над центральным входом. Стиль модерн в дизайне интерьера и архитектуре зданий монументальных сооружений имеет вполне законченный облик.

• Дармштадт. 1901 г. Поселок художников города Дармштадта (Германия).

Открытие выставки современного искусства на холме Матильды. После строительства Дома Сецессиона, Ольбрих приглашен работать в основанной герцогом Гессенским Колонии художников города Дармштадта и уходит из Сецессиона.

• Выставочное здание и «Свадебная башня» в Дармштадте.

В Дармштадте зодчий занимался проектированием поселка для членов Колонии. Почти все особняки художников, а также специальный выставочный комплекс выстроены по его эскизам.

• Башня бракосочетаний. 1907. Выставочный зал с мастерскими для художников.

В Дармштадте открытие выставки современного искусства на холме Матильды. Иосиф Мария Ольбрих спроектировал для художников выставочный зал, который получил название “Сецессион”. На его открытие присутствовал кайзер Франц Иосиф. Стиль модерн в дизайне интерьера помещений для официальных мероприятий опирается лучшие исторические традиции.

• Виллы художников.
• Вилла Ольбриха в Дармштадте.
• Русская церковь в Дармштадте. Вокзал Дармштадта.

Зодчий получил возможность создать серию домов-особняков, чем внес немалый вклад в архитектуру индивидуального жилища модерна. Разной высоты интерьер позволяет изменять условия освещения и получать красивые эффекты. 

Йозеф Хоффман (1870 – 1956).

Австрийский архитектор и дизайнер, ученик Вагнера, участвовал в создании венского Сецессиона и стал потом его лидером. В 1900-1902 гг. построил комплекс вилл, 1904-1906 гг. — санаторий в Пуркерсдорфе, 1905-1911 гг. дворец Стокле в Брюсселе, а также многочисленные павильоны для выставок. Проектировал мебель, посуду, ювелирные украшения, текстильные рисунки. Стиль модерн в дизайне интерьера объединяет все предметы в помещении между собой. 

• Дворец Адольфа Стокле в Брюсселе. 1905 – 1911.

Его главное произведение с ясно организованной формой. Использован прием имитация каркаса плоскостей стен прямым плоским орнаментом.

• Moser House. Vienna, Austria. Архитектурные проекы Хоффмана.

Густав Климт (1862 – 1918).

Один из главных представителей венского модерна в изобразительном искусстве. Характерна символическая тематика, с отпечатком эротизма, рафинированный и индивидуальный стиль с орнаментализацией.

• Поцелуй.
• Афина.
• Паллада.
• Канал.
• Музыка.
• Юдифь.
• Роковая женщина.

Альфонс Муха (1860 – 1939). 

Модный стиль модерн в дизайне интерьера ярко проявляется в уникальных картинах и декорациях. Творчество чешского графика пользовалось признанием современников. Рекламные щиты и декорации для театра «Ренессанс», отличались изысканным рисунком и экзотическим орнаментом.

• Принцесса Гиацинт.
• Афиши.
• Танец.
• Плакат первой собственной выставки Мухи в «Салоне ста».
• Времена года.

НЕМЕЦКИЙ «ЮГЕНДСТИЛЬ»

Герман Обрист (1863 – 1927).

Немецкий ученый-натуралист.

• Гобелен «Красный цикламен», или «Удар бича». 1895.

Стиль модерн в дизайне интерьера часто использует знакомые образы известных символов. Например, легендарный «Удар бича». На ковре художник изобразил красный цикламен. Необычной была линия стебля. Геометры видят в ней синусоиду, графики – энергичный росчерк пера. Ее называют искусствоведы «удар бича». 

Август Эндель (1871—1925).

• Фотоателье «Эльвира», Мюнхен. 1897-98 гг.

На фасаде и в интерьерах» обилие декора, на плоских поверхностях стен. Лепные украшения имеют разнообразные очертания, вызывая в памяти то животных, то растения, то морские волны. Необычные изысканные формы окон и арочных проемов гармонируют с декоративными элементами. Известно, что стиль модерн в дизайне интерьера очень декоративен. 

ИСПАНСКИЙ МОДЕРНИСМО 

Антонио Гауди (1852 – 1926). 

Гений говорил, что в природе нет прямых линий, она не бывает одноцветной. Его архитектура как скульптура, а зодчество как ваяние. Детство Гауди прошло у моря. Впечатления о первых архитектурных работах он пронёс через всю жизнь – все его дома напоминают замки из песка. Плавность, гладкость, обтекаемость, отсутствие прямых линий и острых углов, яркие цвета и аппликации — все, это характерно для архитектуры арт нуво. Дома Гауди не воспринимаются конструкциями. Антонио Гауди оставил 18 сооружений в Испании, 14 – в Каталонии, из них 12 в Барселоне. Стиль модерн в дизайне интерьера и экстерьера каждого из этих произведений проявляет себя просто уникально.

• Фантастический парк семейства Гуэля – текстильного магната и богатейшего человека в Каталонии.

Павильоны в виде холмов, гроты и пещеры, фигуры диковинных не страшных монстров, каменные пальмы. Длинная волна одной вьющейся на сотни метров скамьи с мозаикой из разноцветного битого стекла.

• Дом Мила. 1906-1910.
• Дом Батльо 1904 –1906.

Разукрашен сталактит Дома Батльо. Похожий на выветренную скалу Дом Мила, не имеет ни одного прямого угла.

• Саграда Фамилиа. 1900

Стиль модерн в дизайне интерьера и внешнего архитектурного облика здания монументален. Одно из самых загадочных сооружений в мире, над которым Гауди работал 43 года, фирменный знак Барселоны. Загадка шедевра – в его незавершенности. Строительство начато в 1883 и не закончено к смерти Гауди в 1926 году. Не достроен он и сегодня. 

РУССКИЙ МОДЕРН

Русский модерн по-разному проявлял себя в разные периоды своего господства. Поэтому выделим основные его вехи с перечнем наиболее известных памятников архитектуры. 

1). НАЦИОНАЛЬНЫЙ ПРОТОМОДЕРН 

Эклектика и ретроспективное стилизаторство второй половины XIX в. (1830 – 1880 гг.).

Описывая стиль модерн в дизайне интерьера и архитектуры в России можно назвать огромное количество памятников архитектуры русского модерна. Назовем некоторые имена и памятники архитектуры. 

Быковский Константин Михайлович (1841 – 1906) – представитель ретроспективного стилизаторства – псевдоготика.

• Здание Центрального банка на Неглинной улице 1892-1893. Усадьба в Марфино.

1837-1839. Мазырин Виктор Александрович (1859-1919)

• Особняк мецената Арсения Морозова. 1895 – 1899.

Ул. Воздвиженка 16/3. Часто стиль модерн в дизайне интерьера и, конечно же, архитектуре проявлял свои лучшие черты в роскошных особняках, где интерьер и экстерьер – целый ансамбль. 

Фрейденберг Борис Викторович (ок. 1850 — после 1917) — венский архитектор. 

• Сандуновские бани Ул.Неглинная, 14. 1896
• Здание Московского купеческого банка Ул. Ильинка, 14. 1894.

Гиппиус Карл Карлович (1864-1936).

• Особняк А.А. Бахрушина

Ул. Бахрушина, 31 (1895-1896).

• Чайный дом (Дом Перлова)

Клейн Р.И., Гиппиус К.К., ул. Мясницкая 19. 1890-1893. В центре Москвы сохранилось множество шедевров архитектуры прославляющих русский стиль модерн в дизайне интерьера и архитектуре, а также искусстве. 

Н. М. Проскурин (1861-1942)

• Дом страхового общества Россия

Сретенский бульвар, 6. 1899-1902. Русско-византийский, или неорусский стиль 

Тон Константин Андреевич (1794 – 1881). 

Представитель русско-византийского стиля и романтического исторического.

• Храм Христа Спасителя Построен 1839-1880. Разрушен в 1931.
• Большой Кремлевский дворец. 1838-1850.
• Московский вокзал в С-Петербурге.

Освещая русский стиль модерн в дизайне интерьера и архитектуре нельзя не упомянуть эти сооружения. 

Шервуд В.О.

• Государственный исторический музей. 1874 – 1883.

Парланд А.А., Малышев И.В. (архимандрит Игнатий).

• Церковь Воскресения Христова Спас на крови. Петербург, канал Грибоедова, 1883 г.

Померанцев А.Н., Шухов В.

• Верхние торговые ряды – ГУМ. 1889-1893.
• Красная площадь. Москва Эти известные сооружения показывают, насколько значителен русский стиль модерн в дизайне интерьера и архитектуре.

Поздеев Н.И.

• Особняк купца Николая Игумнова — посольство Франции. Москва, 1888

2). РУССКИЙ МОДЕРН.

Стиль модерн в дизайне интерьера и искусстве, а также и в архитектуре благодаря таким выдающимся архитекторам, как Шехтель и Кекушев приобрел особую популярность. 

Шехтель Федор Осипович (1859 – 1926).

• Особняк Рябушинского (1900 – 1906).

Малая Никитская, 6. Самый знаменитый архитектор московского модерна – Федор Шехтель. Типичный образец модерна Шехтеля – особняк Рябушинского в Москве (1900 – 1902). Здесь планировка здания создана по принципу свободной асимметрии. На принципе ассиметрии часто базируется в планировке стиль модерн в дизайне интерьера.

• Особняк З. Г. Морозовой Ул. Спиридоновка 17, Москва. 1893 г.
• Особняк Шехтеля 1896. Ермолаевский пер., 28 (образ английского викторианского дома, ныне посольство Уругвая).

Кекушев Лев Николаевич (1862–1917).

• Особняк Л. Кекушева 1902 Остоженка, 21.

Дом Миндовского в Москве Угол Поварской и Скарятинского переулка, (ныне Посольство Новой Зеландии). Русский стиль модерн в дизайне интерьера и архитектуре особняков имеет свой особый колорит и неповторимость. 

3). НЕОКЛАССИЦИЗМ, ПСЕВДОРУССКИЙ СТИЛЬ. 

Щусев Алексей Викторович (1873 – 1949). 

Один из идеологов неорусского стиля. По проекту Щусева построены:

• Казанский вокзал (1913-1941),
• Мавзолей Ленина (1924 — 1930),
• Гостиница Москва (1935),
• Москворецкий мост (1935 -1936),
• Станция метро «Комсомольская-кольцевая» и др.

Фомин Иван Александрович (1872 – 1936).

• Интерьеры особняка Найгарта

Ар Нуво — L’Art Nouveau | Архитектура и Проектирование

АР НУВО — (франц. L’Art Nouveau — Новое искусство) — французское название искусства периода Модерна рубежа XIX-XX веков. Однако, правильнее относить этот термин не в целом к искусству Модерна, включающему различные течения и стили, а лишь к одному из них — «флореальному», или декоративно-орнаментальному, течению и стилю, зародившемуся в Бельгии и Франции.

Впервые этот термин появился в 1881 г. на страницах журнала «Современное искусство» («L’Art Moderne»), основанного в Брюсселе О. Маусом и Э. Пикаром. Термин «Ар Нуво» охотно использовали в отношении своего творчества тесно связанные с редакцией журнала художники Анри Ван де Велде, Виктор Орта, Э. Грассе, Эктор Гимар. В 1895 г. антиквар из Гамбурга С. Бинг открыл в Париже магазин «Maison de L’Art Nouveau» (франц. «Дом Нового Искусства»), где показывались произведения традиционного искусства Китая, Японии, а также работы молодых парижских художников Анри Ван де Велде, Э. Галле, П. Боннара, Ф. Брэнгвина, Огюста Родена, Луиса Комфорта Тиффани, выполненные в «новом стиле», отчасти напоминающем восточный, Искусство Востока было одним из источников Ар Нуво.

В 1856 г. французский живописец, гравер и керамист Ф. Бракмон впервые увидел японские цветные гравюры на дереве К. Хокусая в магазине Делатра в Париже. В них заворачивали пачки китайского чая. Но уже очень скоро эти необычные ксилографии привлекли внимание многих французских художников.

Живописцы-постимпрессионисты нашли в них то, что давно искали: эмансипацию цветового пятна, декоративность организации плоскости, выразительность силуэта и прихотливо извивающихся контуров. Характерно и то, что Париж оказался готов к принятию этих пластических качеств, потому что задолго до этого они формировались всей эволюцией европейского изобразительного искусства. В самом начале XIX в. английский поэт-символист и художник Уильям Блейк один из первых «нашел» изогнутую линию в своих причудливых, фантастических акварелях и гравюрах.

Декоративность контуров и плоскостного пятна культивировалась английскими прерафаэлитами, художниками круга У. Морриса — У. Крэйном, Э. Берн-Джонсом и, несколько позднее, А. Макмардо и участниками «Эстетического движения», возглавляемого Оскаром Уайлдом. Независимо от них, французы Эдгар Дега, Поль Гоген и «понтавенцы», Эдуфрд Мане, Ж.-Л. Форэн, А. де Тулуз-Лотрек и даже Винсент Ван Гог усваивали уроки японской гравюры. Дивизионист Жорж-Пьер Сёра, а вслед за ним М. Дени, и художники группы «Наби», стали придавать символическое значение изогнутым линиям, «восходящим» и «нисходящим» музыкальным контурам. Приемы использования линии и цвета в японской гравюре, росписях фарфора и шелка переосмысливал Джеймс Уистлер. Это своеобразное соединение Запада и Востока, символизма и декоративизма и было воспринято группой бельгийско-французских архитекторов-декораторов во главе с Анри Ван де Велде, Виктором Орта (Victor Horta) и Эктором Гимаром, создававших свои флореальные «биоподобные» формы (биоморфизм). В 1892-1893 гг. Виктор Орта выстроил знаменитый отель Тассель (Hotel Tassel, Brussels) в Брюсселе с металлическими конструкциями, стилизованными под извивающиеся стебли растений.

В 1895 г. X. Обрист показал гобелен с изображением петлеобразно изогнутого стебля цикламена — линии, удачно названной критиками «ударом бича». Именно эта линия стала впоследствии «визитной карточкой» «стиля модерн» в Европе. В 1898 г. Эктор Гимар создал свои знаменитые биоподобные решетки входов в парижское метро, а в Мюнхене в том же году — Август Энделль (August Endell) — фантастический декор фасада фотоателье «Эльвира». Однако архитекторы «нового стиля» придавали флореальным формам более сложное значение, выходящее за рамки простой стилизации растений.

На основе изогнутых линий они разрабатывали концепцию непрерывного «перетекающего» пространства, объединяющего утилитарную функцию архитектурных сооружений, мебели, бытовых предметов с их конструкцией, внешним декором и технологией обработки материала. Эта новаторская концепция обусловила целостность и органичность «нового стиля».

Вторым после Парижа центром французского Ар Нуво стала школа Нанси во главе с Эмилем Галле (Emile Galle), Л.Мажореллем и братьями Даум. Стиль Ар Нуво интересен тем, что вполне рациональная идея гармонии функции, конструкции и внешней формы сочетается в нем с фантастичностью, причудливостью, даже мистичностью, и потому его можно считать одним из проявлений Романтизма в искусстве рубежа XIX-XX вв.. Но в искусстве этого периода, позднее получившем более общее название Модерна, рядом с Ар Нуво существовали и другие течения: национально-романтическое, геометрическое, неоклассическое.

Власов В.Г.

История стиля. Часть 1: Ар-нуво – FAVOT.ru

Нужно ли знать историю моды, чтобы хорошо одеваться? Вряд ли в этом есть необходимость. Однако все мы понимаем, что в наше время почти нет фасона, принта или детали, которые бы не были придуманы до нас. Загляните в свой гардероб: чтобы попасть в него, каждая вещь прошла путь не только от станка до магазина и далее — до вашего дома. Путь любого предмета одежды — прежде всего исторический, и обусловлен самыми разными факторами: от вековых традиций до мимолетных желаний модной публики того или иного времени. Интересно? Чтобы хоть немного разобраться, что к чему, FAVOT решил изучить историю стилей XX века и посмотреть, как мода прошлого столетия привела нас к тому, что мы видим на подиумах и в своих шкафах сейчас.

Первый стиль, о котором стоит упомянуть, — ар-нуво или арт нуво (от фр. art nouveau — «новое искусство») — был популярен в Европе конца XIX — начала XX века, до 1910 года. С течением времени его значение немного забылось, поэтому теперь многие лишают его обособленности, объединяя с похожим стилем — ар-деко. Или же просто считают одним из синонимов известного художественного направления в искусстве — модерна.  Это, конечно, неправильно.

Без сомнения, ар-нуво по праву может называться отдельным культурным феноменом, существовавшим в эпоху модерна и оказавшим на него влияние, не потеряв при этом своей индивидуальности. Ниже мы приведем лишь некоторые отличительные черты, по которым его можно узнать.

1.Женственность и воспевание естественной красоты природы.

В первую очередь ар-нуво выделяют мягкость и красота плавных линий. Дизайнеров того времени вдохновлял образ женщины-райской птицы, окруженной благоухающими цветами, ветвями и листьями тропических растений, бабочками, стрекозами и послушными дикими животными. Образ блаженствующий, спокойный и томный. Отсюда — слегка приглушенные природные оттенки натуральных тканей — шелка, бархата, шифона, органзы; анималистические и цветочные принты; крупные, в основном жемчужные, украшения, сделанные исключительно вручную. Свое богатство женщины демонстрировали через благородную изящность и оригинальное оформление нарядов, избегая при этом устаревшего пафоса накрахмаленных пышных юбок.

2.Отсутствие корсета и завышенная талия.

Особенности стиля, логически вытекающие из его главной идеи. Конечно, далеко не все модельеры легко и сразу решились отказаться от строго выверенных женственных форм, которые придавал женской фигуре корсет. Однако революционный взгляд более прогрессивных деятелей моды того времени — таких как Поль Пуаре — оказался настолько своевременным и правильным, что быстро добился признания публики. Свобода, которая всегда ассоциируется с природой, — вот чего хотелось уставшим от тугих платьев девушкам.

3.Японские мотивы.

Распространено мнение, что в основу зарождавшегося когда-то ар-нуво французские художники положили элементы именно японского стиля. Увидев цветочные гравюры, выполненные на дереве, волнообразные линии японских картин, нарисованных широкой мягкой кистью, они с радостью привнесли это в европейскую культуру. Естественно, интерпретируя и видоизменяя позаимствованные детали на свой лад.

Что интересно, показательна в этом плане была не только одежда, но и прически, макияж. Высший свет Европы вдохновлялся хрупким образом бледнолицей японки с характерно собранными в пучок волосами — благодаря этому прическа а-ля «гейша» обрела небывалую популярность. Но еще больше внимания уделялось цвету лица. Наилучшим комплиментом стала фраза «Вашей кожи будто бы никогда не касался солнечный свет». Для того, чтобы добиться обморочной бледности, девушки использовали японскую рисовую пудру легкого сиреневого оттенка. А контрастности и большей выразительности помогали добиться глаза, аккуратно подведенные углем или сажей.

4.Цвета и античность.

Вместе с очевидными для ар-нуво оттенками зеленого, в светских платьях того времени широко использовались пастельные тона синего, фиолетового и красного в сочетании с черным и белым. Не менее популярным были светлые наряды цвета слоновой кости, по кромке расшитые золотом и темным бисером. Подобные цветовые сочетания, наряду с мягкими драпировками похожих на античные туники платьев ар-нуво, отражают связь этого стиля с традициями стран, нередко вдохновляющих дизайнеров и в наше время, — Древней Греции и Древнего Рима.

Это лишь некоторые, но, без сомнения, одни из самых ярких проявлений «нового искусства» — ар-нуво — в одежде. Изменения, последовавшие во времена его расцвета в моде, стали одними из первых ступеней развития новейшего женского гардероба, дошедшего и до наших дней. Из повседневного костюма постепенно начали исчезать огромные тяжелые шляпы, которые почти невозможно было носить: они становились аккуратнее, легче. На место пышных нарядов пришли элегантные, иногда достаточно простые, но всегда красивые платья; на место вычурности — естественность; на место строгих рамок — свобода. Всем этим мы обязаны ар-нуво.

Наиболее известные современные бренды, в коллекциях которых можно увидеть наряды, близкие к стилю ар-нуво: Valentino, Elie Saab, Marchesa, Pamella Roland, Zuhair Murad.