Арт-дизайн — это искусство!

Впервые данный термин появился в Италии в восьмидесятые годы двадцатого века. Его появление было связано с образованием двух дизайнерских групп, носящих названия «Алхимия» и «Мемфис». Участниками первой были Мендини и Гуэррьеро, а второй Соттсасс, которые бросили вызов существующему на тот момент дизайну функционального характера. В современном мире это бы назвали патентом на креативную идею. Произведения искусства, которые все чаще и чаще создавали указанные дизайнеры (а занимались они в самом начале своего творческого развития дизайном интерьеров и созданием дизайна мебели), стали отличаться от распространенных на тот момент прагматичных продуктов дизайнерской работы.

Новый стиль стал выделяться из того, что было раньше, следующими чертами:

• Оригинальные сочетания цветов и света

• Создание объектов в разных стилистических направлениях

• Смешение стилей при разработке одного продукта

• Использование в работе экзотических направлений, которые ранее вообще не применялись в дизайне

• Работа с необычными образами

• Использование в работе необычных материалов

• Качественное создание композиции в целом

• Применение ручной работы в большей степени при создании новых объектов

Исходя из вышесказанного можно подумать, что арт-дизайн может прийти по вкусу очень небольшому кругу лиц, в который входя эстеты и рафинированные представители светского общества. Но это совсем не так. Люди приняли этот новый подход к созданию дизайна и полюбили его. Практически всем показались привлекательными объекты созданные человеческими руками, сочетающие в себе тонкие интонации и сильные чувства.  Люди, сталкиваясь с работами дизайнеров, применявших в своей деятельности такое направление, имели дело с искусством как таковым, а значит испытывали неподдельные эмоции. А людям это нравится.

Арт-дизайн

                          АРТ-ДИЗАЙН.

Арт-дизайн («дизайн-искусство») — вид дизайна с явным приоритетом эстетического начала, направленный на организацию художественного впечатления, получаемого от воспринимаемого объекта. Это «проектирование эмоций», цели которого сближаются с задачами декоративного или даже изобразительного искусства, удаляясь от задач предметного художественного творчества. Чаще всего объекты арт-дизайна – это демонстрационно-выставочные экспонаты, но представляющие собой не произведения изобразительного или декоративного искусства, а декоративные образы знакомых по визуальным признакам вещей: одежды, головных уборов, посуды, мебели, светильников и т. д., преобразованных фантазией художника. 

В своем большинстве они мало рассчитаны на практическое использование, поскольку их утилитарные функции завуалированы, отстранены или вообще сняты авторами [2]. 
По существу, это – декоративные композиции на тему вольно интерпретированных образов изделий тех или иных групп, видов и типов, часто переплетающихся с образами, заимствованными из других видов искусств. Иногда эти композиции по-настоящему оригинальны, выразительны, красивы, но чаще они просто преследуют цели эпатажа зрителей, ниспровержения общезначимых ценностей и критериев красоты компонентов предметного мира ради самоутверждения художников, стремящихся к любой новизне любыми средствами. 
Практически все материалы, применяемые для создания вещей в других видах дизайна, в разных сочетаниях используются и в объектах арт-дизайна, но прежде всего в декоративных целях. Это – металлы, древесина, стекло, керамика, пластмассы, резина, краски, ткани, трикотаж, кожа, мех, самоцветы, камень и т. д. 
Арт-дизайн целенаправленно отошел от критериев, определяющих сущность промышленного дизайна и стайлинга, пополнив собой разные направления авангардизма в пространственных и пластических искусствах или концептуально особые разновидности выставочного декоративного искусства. Творцы произведений арт-дизайна нередко считают себя художниками особого мира преобразованных их выдумкой вещей, но не дизайнерами, ориентированными на промышленное внедрение практически полезных и одновременно красивых изделий самого разного назначения, необходимых людям в их многообразной жизнедеятельности. 
В связи с этим закономерно встают вопросы. Причем здесь дизайн? Почему за этим видом декоративного предметного творчества закрепилось название арт-дизайн? Почему его включают в систему видов дизайна? Какова его роль в мире материально-художественной культуры, в том числе – дизайна? 
Причины этого, по-видимому, заключаются в следующем. Арт-дизайн (приходится его так называть за неимением более точного термина, соответствующего сути явления) имеет дело с вещами, или их художественно трансформированными образами, являющимися также объектами и промышленного дизайна или стайлинга (только технически простыми). Слово «дизайн» давно стало модным, престижным, оставив позади «декоративно-прикладное искусство». Многозначность английского слова design позволяет в английском языке распространять его значение и на слова: творческий замысел, проект, эскиз, рисунок, узор, композиция, искусство композиции, и даже произведение искусства. 
 
Социально культурные истоки арт-дизайна, обусловившие выделение этого вида предметного художественного творчества в качестве особого направления, отличающегося от архитектонических искусств, можно обнаружить и в чисто декоративных изделиях-предметах, создававшихся искусными мастерами-ремесленниками в доиндустриальную эпоху, и в отдельных художественно изящных или экстравагантно-роскошных, оригинально-декоративных уникальных произведениях стилевых направлений периода арт деко (20 – 30-е гг. ХХ в.) и, наконец, в проявлении принципиального эстетизма творческой личности у многих профессиональных художников прикладного искусства в нашей стране во второй половине 60-х гг. ХХ в. 
Сознательный уход этих прикладников, еще недавно с энтузиазмом работавших на массовое производство под лозунгом «Искусство – в быт!» (так назывались большие выставки декоративно-прикладного искусства конца 50-х – начала 60-х годов) от будней созидания эстетически значимых полезных вещей, предназначенных для их тиражирования промышленностью, к празднику свободного, творчески привлекательного и престижного выполнения уникальных произведений декоративного искусства, рассчитанных чаще всего на любование ими, вызвал общественный резонанс, отразившийся в конце 60-х гг. в бурной дискуссии искусствоведов на страницах журнала «Декоративное искусство СССР». 

В своей статье «Буря в стакане без дна» Ю.Я. Герчук тогда писал (имея в виду такие конкретные произведения, как положенный набок хрустальный стакан без дна, имеющий вогнутые стенки, на котором методом пескоструйной обработки была изображена несущая тройка коней, везущих сани с седоком, – художник Ю. Бяков; или композиция художника Б. Смирнова «Пара чая» – скульптура из цветного стекла горячей лепки – образ трактирной пары чая, включающей условно-обобщенное изображение двух чайников с запаянными носиками), что «стакан теперь уже не стакан, а «образ стакана», чайник – не чайник, а только «тема». Художник обрел этой ценой не стесненную докучными требованиями пользы возможность отдаться «увлекательной игре форм», углубленно работать над выявлением возможностей материала, над его пластикой, цветом, фактурой… Создаваемое таким методом «не функциональное» произведение не может оказаться ничем иным, кроме как изображением чайника, как бы ни был он переосмыслен или стилизован. Создается, значит какой-то новый, особый жанр изобразительного искусства – своего рода объемные натюрморты, к тому же в натуральном материале. Вероятно, такие поиски нужны. Но для плодотворности этих поисков должна быть, думается, ясно осознана их изобразительная, а не прикладная природа. Пока же этого не произошло, осознаны только неутилитарность и «выставочность» новых произведений» [5, с. 46].  
В.Л. Глазычев в статье «Красота и польза декоративного искусства» [6] обращается к проблеме выявления социальной функции декоративного искусства, поскольку неопределенность представления об этой сфере работы художника вносит путаницу как в художественную критику произведений такой области творчества, так и в саму художественную практику. «Одни смешивают декоративное искусство с чистым искусством, другие – с дизайном, третьи отстаивают идею отдельности, а специфичность утверждают все…». «Любой из вопросов относительно декоративного искусства приобретает действительный смысл только после того, как все они сверстываются в один, принципиальный – что является, что может быть функциональной задачей декоративного искусства в конкретно взятом обществе» [6, с. 4]. 
«До становления в мире целостной системы дизайна декоративное* искусство, стихийно, но предельно четко дифференцированное по разрядам  потребителей, полностью выполняло его функцию, придавая бытовым и техническим предметам культурные значения. При этом в высшем разряде узкой потребительской элиты эти значения поднимались на высший уровень, где вещь полностью приравнивалась к произведению искусства. Дизайн резко перестроил систему значений предмета в буржуазной культуре – теперь дизайн работает на дифференцированную массу потребителей, а декоративное искусство и тождественный ему по сути, так называемый «артистический дизайн», обеспечивают потребительской элите выражение ее «инности», обособленности, «антимассовости». В чистом виде современное западное декоративное искусство – это проектирование через индивидуального потребителя, обладающего возможностями и необходимостью выразить свою принадлежность к «элите» через владение уникальностью [6, с. 5].  
В процитированном высказывании В. Л. Глазычева ясно обозначена 
* Автором подразумевается здесь не чисто декоративное, а декоративно-прикладное искусство. 
социально-культурная роль не только декоративного искусства, но и арт- дизайна, которого в конце 60-х – начале 70-х годов прошлого века еще не было в нашей стране, но социальную функцию которого, интуитивно верно- угаданную и принятую на вооружение отечественными художниками-прикладниками («свободными художниками» – членами Союза художников СССР), уже тогда начало выполнять декоративное искусство. А это означало движение к расслоению художественной культуры (в сфере предметного творчества) на «элитарную» и «массовую», т.е. «высокую» культуру для немногих избранных и стандартизованную, нередко примитивную и низкопробную культуру для всех остальных, тиражируемую «индустрией массовой культуры». 
С середины 90-х гг. прошлого века и в начале нового ХХI столетия это явление в культуре, давно существовавшее в странах Запада, в полной мере реализовалось и в России, захватив не только литературу, музыку, кино, театр, телевидение, изобразительное искусство, но и сферу архитектонических искусств, в том числе дизайн, с выделившимся из него арт-дизайном.  
Б.А. Смирнов, архитектор по образованию, преподававший в послевоенные годы в ЛВХПУ им. В.И. Мухиной прикладное искусство и связавший свою творческую деятельность с созданием декоративных изделий из стекла (прославившийся своими чисто декоративными композициями из цветного художественного стекла горячей лепки, в том числе такими, как «Пара чая» и «Праздничный стол»), в своей статье «Кризис? Чего?» [7] оправдывает уход талантливых художников- прикладников в сферу свободного творчества в декоративном искусстве. 
«Трудные условия работы художника в промышленности, техническая отсталость производства, забота лишь о выполнении плана за счет упрощения технологии не стимулируют новаторства в создании новой промышленной вещи. В магазинах продаются товары преимущественно низкого художественного качества. Образцы художников слишком часто остаются на полках заводских музеев и в хранилищах Художественного фонда. Вот почему у художников убит интерес к работе над бытовыми вещами – теми, что должны практически служить человеку ежедневно, всегда» [7, с. 28]. 
Б.А. Смирнов мог бы к этому добавить то, что сам прекрасно знал, как преуспевавший художник декоративного искусства – член Союза художников СССР. 
В Союзе художников СССР, его Художественном фонде, в отличие от промышленных предприятий, НИИ и КБ, была установлена хорошая система заказов выставочных произведений, их оценки, оплаты и поощрения. Работа художника в этом плане зависила только от решения художественных советов, что создавало куда более привлекательные условия для «свободных» авторов, имеющих к тому же полную возможность самим распоряжаться своим творческим временем, в отличие от штатных художников промышленных предприятий. 
Вот почему не только профессиональные художники прикладного искусства, но и многие дизайнеры, вкусив трудного хлеба «пленных» дизайнеров, работавших в разных отраслевых НИИ и КБ, или НПО, и даже в системе ВНИИТЭ за весьма скромную зарплату, стремились стать «свободными художниками», переходя в комбинаты Художественного фонда Союза художников СССР. При этом немалое количество дизайнеров переквалифицировалось в художников декоративно-прикладного или чисто декоративного, а то и каких-либо видов изобразительного искусства. 
В постсоветской России, как ожидалось, должны были создаться самые благоприятные условия для работы дизайнеров по контрактам (договорам) с предприятиями-заказчиками или частными лицами уже в качестве «свободных дизайнеров» (по аналогии с частнопрактикующими дизайнерами в развитых странах мира). Но абсолютно непродуманный волюнтаристский переход к рыночной экономике в наше стране, обвальная приватизация ради скорейшего создания класса собственников, привели к разрушению многих отраслей отечественной промышленности, закрытию множества НПО, НИИ, КБ, что в результате лишило массу профессиональных дизайнеров заказов в сфере промышленного дизайна.  
Из всего разнообразия областей применения методов дизайна в современной России остались и гипертрофированно развились в основном области дизайна рекламы и дизайна интерьеров (жилых и общественных зданий), в какой-то мере и дизайна одежды.  
Эти социально-экономические факторы косвенно обусловили появление и распространение в стране арт-дизайна, ориентированного у нас не столько на узкий слой состоятельной и при этом культурной элиты (основные заказчики дизайна интерьеров загородных вилл и больших городских квартир далеко не всегда высококультурны), сколько на привлечение внимания к проявлению артистического индивидуализма и художественного самовыражения его творцов на периодически организуемых художественных и дизайнерских выставках. 
Увы, в условиях сегодняшней России как с социально-культурных, так и социально-экономических позиций, строго говоря, нет почвы для развития и востребованности арт-дизайна. 
В этом отличие отечественного арт-дизайна от арт-дизайна многих стран Запада, где наиболее талантливые дизайнеры уже несколько десятилетий успешно работают в этой области художественного творчества, а их новаторские поиски и находки, нацеленные на преодоление издержек как функционального, так и коммерческого дизайна (стайлинга), используются некоторыми фирмами, внедряющими разработки «артистических дизайнеров» в целях не столько коммерческих, сколько рекламных, позволяющих выделиться среди конкурентов. 
Ярким примером социально-культурно значимого арт-дизайна, за 
которым стояли серьезные авторские концепции переосмысления роли дизайна в материально-художественной культуре человечества, могут служить экспериментальные работы в этой области предметного художественного творчества, выполнявшиеся многогранным художником и дизайнером Италии Этторе Соттсассом в 70 – 80-е годы ХХ в. В 60 – 70-е гг. его имя было связано  с фирмой Оливетти, для которой он наряду с М. Беллини и М. Ниццоли разрабатывал тогда блестящие образцы дизайна портативных пишущих машинок, настольных электронно-счетных машин, конторской мебели и оборудования офисов. 
В середине 60-х гг. ХХ в. Э.Соттсасс, М. Беллини и Д.Ч. Коломбо занимали неоспоримо лидирующее положение в национальном и отчасти  мировом дизайне. Каждая вещь, созданная кем-либо из них, вызывала и восхищение, и горячие споры в кругах дизайнеров, критиков-искусствоведов. 
Высокая проектная культура была залогом успешного сбыта продукции, сделанной по их проектам [8]. 
Но Э.Соттсасс не удовлетворялся достигнутым. В те же годы, анализируя авангардную живопись и скульптуру, он находил в них идеи, воплощавшиеся за тем в его проектах «поэтической мебели», которую он создавал для фирмы Poltronova. Его «странная» керамика рождалась под влиянием восточных философий, постижению которых он отдавал немало времени. В 1969 – 70 гг. появилась новинка упомянутой фирмы – «серая мебель» (название – символ печали по уходящей молодости).  
Однако называвшаяся так мебель изготавливалась не только серой, но и белой, и черной, и охристой. В ней заметно было влияние его собственной керамики, ацтекской скульптуры и даже радиоприемников 30-х годов (так называемого стиля «небоскреб»). Материалом мебели является окрашенный в массе стеклопластик, а технологией – вакуумное формование. Эти разработки Э.Соттсасса, обладая оригинальностью, ни в коем случае не отрывали красоту вещей от их пользы и не являлись чисто выставочными декоративными экспонатами.  
В созданной вместе с единомышленниками в 1976 г. студии «Алхимия» Э.Соттсасс работал над созданием гобеленов, мебели, посуды, других вещей, желая в результате экспериментов сформировать направление «артистического» дизайна в противовес стандартной нейтральности обычного промышленного дизайна.  
Здесь, однако, следует сделать отступление. Э.Соттсасс, как и все другие арт-дизайнеры, объектами своих экспериментов, поисков выбирали, как правило, простые вещи, традиционные для доиндустриального предметного художественного творчества, для прикладного искусства, но не такие изделия, которые были порождены научно-техническим прогрессом. На этом, весьма ограниченном немногими видами бытовых вещей, поле творческих поисков арт-дизайн оказался близким по своей художественной природе декоративному искусству. Все многообразие технически сложных бытовых изделий хозяйственного и культурно-досугового назначения остается за пределами творческих экспериментов арт-дизайнеров, также как и все виды транспорта, машин, приборов, инструментов производственного и общественного назначения.  
Поэтому-то (при всем уважении к плодотворным поискам и талантливым экспериментам выдающихся творцов арт-дизайна*, к художественному переосмыслению объектов, попавших в поле арт-дизайна) понятийно и терминологически неточно причислять к дизайн-деятельности это качественно особое направление творчества, в котором, превалируют ценности «артистического индивидуализма». 
В 1979 г. Э.Соттсасс в Милане вместе Дж. Понти, И. Гарделлой, М. Беллини, Г. Ауленти, Б. Мунари организует выставку под названием «Что такое дизайн?». Ее концепцией являлся вопрос о месте дизайна в ряду других профессий, чья функция – формирование материально-художественной культуры. В 1980 г. Э.Соттсасс участвовал в разделе выставки в г. Линц (Австрия) «Форум дизайна», носившем название «Что же такое современный дизайн?». Ответом было противопоставление концепций Соттсасса и его единомышленников догмам функционалистского дизайна.  
Эти концепции, отражавшие идеи «эмоционального», «экспериментально-артистического», «концептуально-поэтического» дизайнов, воплотились в деятельности нового предприятия-лаборатории, созданного Э.Соттсассом в 1981 г. и названого «Мемфис». Основатели «Мемфиса» поясняли, что это должна быть  лаборатория поисков новых образцов быта, изменений отношений человека и вещи, новых критериев дизайна. Стиль «Мемфиса» возник не на пустом месте: некоторые его элементы восходят к арт деко, какие-то, – к искусству древних цивилизаций, другие были найдены представителями «банального дизайна» и самим Соттсассом в прежние годы творчества. «Мемфис скоро выйдет из моды, – говорили они, – но это и не мода. Мемфис эклектичен, он банализирует золото и мрамор и облагораживает слоистый пластик, нержавеющую сталь и каучук. Он стремится освободить пространство, демонументализировать архитертуру, сорвать покровы тайны с памяти навсегда». Привлекательность нового направления была в отсутствии догматизма». [8, с. 28]. 
Вещи Соттсасса и его друзей – странные, ироничные, разукрашенные – выражали одновременно ностальгию по прошлому, настоящее и надежду на будущее. Расцвет этой студии был недолгим, но он показал пути выхода из устоявшихся и застоявшихся схем. «Стремление опоэтизировать рабочие и бытовые процессы можно считать главным в творчестве Э.Соттсасса. Он стремился прикоснуться к границам неуловимого, вырваться за пределы  
 
* Имеются в виду немногие, действительно талантливые «артистические дизайнеры», а не масса всяких посредственностей, самоуверенно выступающих под флагом «арт-дизайна». 
повседневности, в каком бы качестве в каждой своей работе он ни выступал: функционалиста, модерниста или сторонника «ретро» [8, с. 29]. 
По-своему работал в арт-дизайне другой известный итальянский художник, архитектор и дизайнер мебели Гаэтано Пеше. В конце 60-х – начале  80-х годов ХХ в. он увлекался созданием надувной мебели из новых материалов (для фирмы C&B Italia), в формообразовании которой проявлялось стремление к биоподобным формам. 
В такой мебели серии «Up» кресло из полиуретана имело стилизованные черты женского тела (модель «Up 5»), другое кресло «Up 7» напоминало человеческую ступню огромных размеров, кресло «Up 2» — отложной воротничок и т.п.  
Многое создавалось этим художником специально для выставок, рекламных компаний, где использовались его оригинальные находки. В 1969 г. для «Центра Цезаре Кассино» он придумал облицовку стен одного из помещений, выполненную из тиражированных горельефных плиток, представляющих собой часть лица: нос и губы. 
Примером арт-дизайна, носящего театрально-декорационный характер, является модель уникального по образу и композиции трехместного дивана, которому автор дал название «Закат солнца над Нью-Йорком» (1980г.).На одну раму здесь был поставлен блок из трех мягких подушек-сидений, двух разновысоких подушек-подлокотников  и двух подушек-спинок (по краям дивана), обтянутых специальной светлой тканью с рисунком, изображающим ряды окон в небоскребах. Центральная большая стеганая подушка полукруглой формы красного цвета символизировала заходящее за дома солнце. 
И если на этом образно-декоративном диване, составленном из трех кресел, можно было сидеть, как и на упомянутых выше креслах из полиуретана серии «Up», а так же на двух креслах серии «Fetri», сделанных из толстого шерстяного фетра (в нижней части кресел пропитанного для устойчивости и прочности резиной), то полихромная раскрашенная скульптура на тему кресла со спинкой, представляющей собой спереди обобщенный рельеф лица человека, опорами-боковинами с откровенно подчеркнутыми следами лепки, но без сиденья, явно демонстрирует только свою художественно-образную значимость вместе с антиутилитарностью [9]. 
Фонд современного искусства Картье в Париже специальную выставку, открытую в октябре 1998 г., посвятил одному из самых изобретательных и неповторимых художников, создающих одежду и арт-композиции на тему одежды, японскому новатору в этой области творчества Иссэй Миякэ [10]. Развивая концепцию японских кимоно, которые так обертывают тело человека, что большая часть ткани остается свободно висящей, И. Миякэ исповедует новый подход к одежде, в котором воображение художника сочетается с комфортом и использованием как традиционных, так и новых материалов, вместе с выявлением возможностей новейших технологий.  
Гладкокрашеные ткани могут встречаться в его произведениях с откровенно изобразительными сюжетами (реалистического или сюрреалистического толка), естественные материалы с синтетическими, а сами образцы одежды быть как вещами, предназначенными для использования по назначению, так и декоративно-выставочными образцами арт-дизайна. Примером последнего является ярко-красное пластмассовое бюстье, задуманное, как элемент верхней одежды, но при этом выше талии представляющее собой пластически стилизованный торс с чашечками, откровенно подчеркивающими женскую грудь [10]. 
Собственное поле арт-дизайна создал французский мастер-мебельщик (краснодеревщик), художник и музыкант Мишель Обри. Его произведения, как правило, уникальные, тщательно продуманные, искусно мастерски выполненные, могут быть предназначены или только для эстетического восприятия в интерьерах, или также и для практического использования (в последних красота и польза органичны). Он увлекался изделиями мебели, плоскими и пространственными конструкциями, а также предметами с музыкальным звучанием (сочетание формы, цвета и звука). В концепции предметного творчества М. Обри явно прослеживается синтез разных проявлений художественной культуры и стремление по-своему переосмыслить отношения вещи – пространства – человека [11]. 
Разумеется, краткое рассмотрение творчества нескольких выдающихся «артистических дизайнеров» Запада не позволяет составить целостного представления о многообразии проявлений художественного самовыражения в этой области созидания материально-художественной культуры, представляющей собой по существу диффузный переход от архитектонических искусств к сугубо декоративным искусствам, граничащим с областью «чистых» искусств ( монофункциональных). 
Опыт арт-дизайна заслуживает специального критического изучения для выявления его роли в поисках путей расширения культурного значения других видов дизайна, как разных слоев предметного художественного творчества. Самый общий анализ проблемы, содержащийся в данной статье, позволяет сделать предварительный вывод о том, что эта роль заключается в противодействии процессам унификации и стандартизации способов удовлетворения человеческих потребностей и тем более запросов, вкусов, взглядов, идеалов, насаждаемых массовым производством и массовым потреблением (точнее, психологией консьюмеризма) с помощью средств массовой информации. Такие процессы противоречат принципу плюрализма – необходимому условию поддержания «избыточности» культуры как результата и источника ее развития.

Артдизайн | Colors.life

Арт-дизайн — одна из изящных линий развития современного дизайна. Основным качеством, которым будут обладать дизайнерские решения этого направления – это сильная художественная составляющая, основанная на принципах чистого (высокого) искусства.
Термин арт-дизайн возник в 80-е годы 20 века в Италии, с появлением там двух дизайнерских групп — «Алхимия» (А.Мендини, А.Гуэррьеро) и «Мемфис» (Э.Соттсасс), которые бросили вызов ортодоксальному миру функционального дизайна. Сегодня, про них бы сказали, что они запатентовали отличную креативную идею. Художественные находки, в разработках этих дизайнеров, а изначально они занимались дизайном мебели и интерьеров, стали преобладать над поднадоевшей прагматикой общеупотребимых дизайн-продуктов.

Отличительными чертами нового направления стали:
неожиданные комбинации цвета и света;
использование разностилья;
смешение стилей в одном объекте;
применение экзотических стилей, ранее в дизайне не применявшихся;
использование нестандартных образов;
использование нестандартных материалов;
высокое качество композиции;
художественная деталировка формы, качества поверхности, общего колорита;
преобладание принципа hand made (сделано вручную) при создании объекта дизайна; — одна из изящных линий развития современного дизайна. Основным качеством, которым будут обладать дизайнерские решения этого направления – это сильная художественная составляющая, основанная на принципах чистого (высокого) искусства.
Термин арт-дизайн возник в 80-е годы 20 века в Италии, с появлением там двух дизайнерских групп — «Алхимия» (А.Мендини, А.Гуэррьеро) и «Мемфис» (Э.Соттсасс), которые бросили вызов ортодоксальному миру функционального дизайна. Сегодня, про них бы сказали, что они запатентовали отличную креативную идею. Художественные находки, в разработках этих дизайнеров, а изначально они занимались дизайном мебели и интерьеров, стали преобладать над поднадоевшей прагматикой общеупотребимых дизайн-продуктов.

Отличительными чертами нового направления стали:
неожиданные комбинации цвета и света;
использование разностилья;
смешение стилей в одном объекте;
применение экзотических стилей, ранее в дизайне не применявшихся;
использование нестандартных образов;
использование нестандартных материалов;
высокое качество композиции;
художественная деталировка формы, качества поверхности, общего колорита;
преобладание принципа hand made (сделано вручную) при создании объекта дизайна;

Реклама

дизайн — это… Что такое арт-дизайн?

арт-дизайн — арт диза/йн, арт диза/йна …   Слитно. Раздельно. Через дефис.

арт-дизайн — арт диз айн, а …   Русский орфографический словарь

Дизайн —         (от англ, design проектировать, чертить, задумать, а также проект, план, рисунок), термин, обозначающий разновидность художественно проектной деятельности, охватывающей создание промышленных изделий и рациональное формирование целостной… …   Художественная энциклопедия

Дизайн-бюро Артёма Горбунова — Год основания …   Википедия

Дизайн-завод «Флакон» — Дизайн завод «Флакон» (Flacon Design Factory) Тип Частная компания Год основания 2009 Основатели Николай Матушевский Расположение …   Википедия

Арт-директор — Арт директор  художественный руководитель и воплотитель проекта. Общее название для целого ряда аналогичных должностей в различных областях деятельности, таких как: реклама, издательский бизнес, кино, дизайн, телевидение, Интернет, видеоигры …   Википедия

Арт — Отель Радищев — (Санкт Петербург,Россия) Категория отеля: 3 звездочный отель Адрес: Улица Радище …   Каталог отелей

Дизайн-менеджмент — Стиль этой статьи неэнциклопедичен или нарушает нормы русского языка. Статью следует исправить согласно стилистическим правилам Википедии. Дизайн менеджмент  это такой инструмент бизнеса, ориентированный на рынок и конечного потребителя,… …   Википедия

Дизайн — Зарисовка разгонного двигателя парового локомотива. Дизайнер решает задачу унификации научных и инженерных результатов (см. промышленный дизайн) Дизайн (англ.  …   Википедия

Горбунов, Артём Сергеевич — Артём Сергеевич Горбунов …   Википедия

Нейл Арт — Дизайн ногтей, украшение ногтей различными способами: разноцветными лаками, картинками, блестками, стразами …   Словарь косметических терминов

Что такое «арт-дизайнер» и как такому жить на свое творчество?

Здравствуйте, Яна!
Большое спасибо за возможность написать Вам и получить обратную связь от Вас и читателей.
Письмо получилось длинным, поэтому я разбила его на две части. Вся суть во второй.
Не знаю, с чего начать, поэтому начну с основной идеи: меня все игнорируют.

Я художник-иллюстратор. Правда, мне больше нравится «арт-дизайнер», но в России нет такой профессии. Работаю по специальности шестой год. Так получилось, что ни во время обучения, ни долгое время после у меня не было возможности пойти в офис на всю неделю. Поэтому, получив диплом, я сразу сконцентрировалась на фрилансе. С тех пор в основном так и работаю удаленно. Поначалу, пока у меня не было в портфолио ничего, кроме ученических рисунков, я бралась за любую работу, за любые деньги. Таким образом я планировала наработать востребованный портфель, изучить рынок и разобраться в особенностях деловых отношений. А потом, с ростом навыков, находить больше клиентов, поднять ценник и действовать более избирательно. Но я застряла на этом этапе на 4 года. За это время я прошла путь от прекрасных иллюзий до отчаяния не один раз. Я строила планы и стратегии, осуществляла их, как могла, терпела неудачу, уходила в офис, куда возьмут. А потом с новыми планами, стратегиями и опытом возвращалась к коммерческому рисованию. Я освоила иллюстрацию, цифровую графику, тайм-менеджмент, деловой этикет и даже немного дизайн. Но мне все равно удавалось получать только мелкие, в основном разовые заказы. И на постоянную работу меня не брали.
В 2016 году у меня появился первый серьезный постоянный клиент. Компания, с которой мы сотрудничали больше года. Это было лучшее время в моей жизни. Я работала много и с удовольствием. Сделала за это время для них почти сотню проектов и мне за это достойно платили. Я, наконец, поверила в свои силы, освоила новую интересную сферу деятельности и смогла собрать однородное портфолио в этой области. Параллельно я искала другие заказы, участвовала в конкурсах, вела личный блог, пыталась найти единомышленников.
Тут бы и написать, что с тех пор у меня все хорошо, жизнь наладилась, и я просто пришла похвастаться. Но нет.
В прошлом году клиент неожиданно исчез. То есть, во время нашей последней встречи мы планировали предстоящую работу, они обещали позвонить через неделю и пропали. Я звонила и писала сама, но меня игнорировали. Так как долгов у нас не осталось, я расстроилась, конечно, но не стала драматизировать. К этому времени у меня появился приличный опыт в узкой сфере деятельности и портфолио хороших работ. Я стала рассылать резюме во все компании, которые занимаются тем же, уверенная, что из ста пяти компаний уж кто-нибудь наверняка мной заинтересуется. Мне ответили пятнадцать компаний. Работу предложила одна… и точно также исчезла на самом интересном месте.
Тут уже я стала драматизировать, так как параллельные усилия в поиске сотрудничества давали точно такие же результаты. Тогда я проконсультировалась с несколькими экспертами и составила резюме так, что мне самой хотелось взять себя на работу. Оплатила аккаунт на бирже фриланса и всю возможную там рекламу. Писала о себе в Ваших рубриках (и в рабочей, и в дружеской), в тематических группах ВК. Сделала сайт и большое портфолио на Behance.
Но мое резюме по-прежнему игнорировалось в 70% случаев (это достоверная информация, я считала). В 20% я получала отказ. Остальные 10% предлагали работать за миску супа (если я справлюсь с тестовым заданием, разумеется). Со знакомствами по интересам тоже не сложилось. Такая ситуация длилась несколько месяцев. С каждым новым заходом я снижала планку требований. Но меня не брали даже продавцом в художественный магазин. В какой-то момент мне-таки удалось устроиться в офис по специальности. Но через 2,5 месяца я уволилась. Я долго не могла решиться на это, мол, и так неудачник, да еще привередничаю. Но за два дня до моего ухода сократили всех новичков. Так что мне в любом случае пришлось бы уйти…

…На данный момент ситуация такова, что у меня почти нет ни клиентов, ни работы. Все меня игнорируют, и я не понимаю, почему… Что-то не так со мной? Или с моими работами?
Я не обольщаюсь на счет своего мастерства и таланта. Понимаю, что бывает и лучше. Я понимаю так же, что круг моих творческих интересов не суперпопулярен, конкуренция в профессии огромная, кризис и вообще. Но и цена вопроса не сто тысяч в месяц. Я была бы рада уже и тому, чтобы регулярно зарабатывать прожиточный минимум по Москве. Еще я регулярно мониторю рейтинги фрилансеров на ресурсах, чтобы понять, какое направление своей работы я могу продать и как. И когда я вижу, как человек получает заказы на иллюстрации и имеет множество благодарственных отзывов, рисуя, как пятиклассник в Paint, мне хочется плакать и материться. Потому что мне не предлагают рисовать иллюстрации. Мне предлагают рисовать реалистичный портрет за 500р. И комикс в стиле Марвел за 300. В такие моменты я начинаю сильно сомневаться в собственной адекватности. Может, я просто псих, который размазывает обед по стенам и думает, что он Пикассо? Может, в каракулях пятиклассника действительно есть красота и мудрость, а я просто не понимаю?
А может, я сама по себе настолько ужасна, что со мной никто общаться не может? Я знаю свои слабые стороны: мне трудно долго быть в обществе, 2 месяца в режиме опенспейс были для меня тяжким испытанием. Может, люди как-то это чувствуют? Но для удаленного сотрудничества не нужно постоянно быть с людьми. Еще я довольно замкнута и не люблю пустых разговоров. Общаюсь с клиентами (да и с коллегами) вежливо, но довольно отстраненно. Может, дело в этом? Или в том, что я пессимист и невротик? Сейчас модно общаться в режиме «жизнь прекрасна и удивительна» и излучать радость или хотя бы милоту. Я честно пыталась вести блог в таком духе, но все мои мысли, фото и рисунки все равно отдают тоской или иронией. А может, шутки у меня дурацкие? А может, я просто человек-говно?!
Я устала и запуталась. Единственное, что я точно могу сказать, что я не брошу свою работу, даже если окажется, что эта лошадь давно сдохла. Для меня очень важна возможность заниматься любимым делом. И я готова меняться, но не знаю, куда мне двигаться. Что я еще могу сделать, чтобы дело шло хоть немного веселее. И что вообще происходит? Поэтому я прошу помощи и совета у Вас и читателей журнала.
Спасибо!
Мои работы, о которых я столько говорю: https://www.janna-k.com

***

Здравствуйте!

Не думаю, что эта лошадь сдохла. Вариант заниматься какой-то профессией можно считать сдохшим, когда к этому полностью пропал интерес, и радость от этого занятия. А пока вам нравится этим заниматься, вы можете искать новые пути, как это где-то продать.

Я вначале увидела слово «арт-дизайнер» и задумалась, что это такое. Потом посмотрела в конце портфолио, и поняла, о чем речь. Вы делаете дизайны для вышивок и гобеленов. Если вам такое нравится, я бы на вашем месте немедленно бросилась выкладывать подобные работы в те места, где ими торгуют, и дальше пополнять ими там портфели — делать большие и маленькие, в разных ценовых категориях. На самом деле это замечательнывй бизнес, когда можно торговать файлами, не нужно ничего производить, рассылать.
Только делать это надо хорошо и с душой. Посмотрите на этси, как продают выкройки для вышивания и прочего. (Например поищите embroidery pattern.) Там всегда есть хорошее фото готовой вышивки или фрагмента, видно, что есть хороший и подробный ПДФ документ, где перечислено, какие цвета ниток нужно купить, инструкции, как вышивать.

Когда я помогала знакомым девочкам покупать вышивальную машину, мы обнаружили целый рынок, на котором любители торгуют самодельными картинками (программами?) для таких машинных вышивок. Это — тоже похожий жанр. И там я тоже увидела, что у некоторых это — целый бизнес, у них там свой магазин, много разных образцов, больших и маленьких. Там бездонное море для фантазии, что еще можно сделать. Некоторые придумывают и делают свои шрифты, тематические картинки ко всем праздникам, отдельно детское, или для интерьеров в определенных стилях. У многих там — как на стоках, портфели по несколько сотен или тысяч картинок. И видно, что они это пополняют давно, и на это живут. Для вышивания и гобеленов тоже можно делать образцы с таким размахом. Я уверена, что помимо этси есть еще и специальные места и сообщества, где этим торгуют. И думаю, что их нетрудно нагуглить.

Параллельно к этому можно раскручивать это свое дело м разных других направлениях. Например — я видела, что многие такие собственные картинки сами же вышивают. Делают видео с процесса, показывают и объясняют, как это делать. Развивают тематический канал. Параллельно ведут блог или группу в соцсетях, где показывают новые работы и процесс, как сделать. Если делать хорошие фото с инструкциями, это будут смотреть многие, кто пробует сам такое делать. А когда накопится достаточно много материала, можно собрать их в книгу и издать. (Предложить издательству.) Полно издательств, которые ежегодно тоннами издают книги на такие темы.

В общем — если вам так нравится сидеть дома и работать самостоятельно, можно попробовать развиваться в этом направлении. Обычно, если вкладывать в этой много любви и времени (т.е. сразу подойти к этому со всей серьезностью, и начать активно развивать этот бизнес везде), то это вполне моет превратиться в бизнес.

И мне кажется, что никто вас не игнорирует. То, что вы описываете — это норма и даже лучше нормы. Что вам ответили на резюме 30% — это на 10% больше, чем обычно бывает. 🙂 И вы четыре года все же находили себе работу, достаточно, чтобы жить. Это очень хорошо. С такими вещами трудно найти в отдельной фирме работу на полный день, это — очень узкая специальность. На самом деле мало очень больших компаний, которые занимаются только этим. И те обычно покупают работы у многочисленных разных фрилансеров. А вот сделать свое и во многих разных местах распродавать — получится.

Когда у кого-то такой специальный товар, надо делать себе имя, как автору, может быть выбрать какое-то свое направление и развивать узнаваемый стиль, и продвигать это таким образом. Посмотрите на тех, кто поднимает такой бизнес, изучите их сайт, блог, как они инструкции готовят, как картинки показывают. Посмотрите, как они подают себя на пинтересте, публикуются в тематических блогах, влезают в журналы, где делают статьи о таких авторах, показывают фото себя, своего рабочего места, немножко рассказывают о себе. Хотя это — немного другое (там выкройки для шитья) — посмотрите на этот сайт:

Shop

Я много раз его тут рекламировала, потому что это — хороший образец того, как продают и продвигают подобный товар.

А такие иллюстрации, как у вас в портфолио, можно делать и выкладывать на стоки. Но вам надо выбрать что-то одно. То, что больше нравится. И бросаться на это. Со всей серьезностью развивать два таких направления не получится, т.к. то и другое требует больших вложений, чтобы оно в обозримые сроки взлетело.

Удачи вам! И напишите нам, когда оно взлетит? Нам интересно, чем оно кончилось! 🙂

ПРАВИЛА:

— Если вы хотите, чтобы ваше письмо опубликовали и обсудили здесь в рубрике «Вопрос-ответ», напишите мне на [email protected] письмо с заголовком «Вопрос-ответ».
— Если вы НЕ хотите, чтобы ваше письмо было опубликовано, НЕ пишите в заголовке «Вопрос-ответ»!
— Письма с заголовком «Вопрос-ответ» содержащие в теле письма фразу «это не для публикации» выбрасываются в помойку независимо от содержания!
— Если вы написали письмо в эту рубрику, оно будет опубликовано! Если вы не уверены в ваших намерениях — не пишите мне! Походите, подумайте, прежде чем писать!
— Я очень серьезно отношусь к своим читателям и их письмам. Пожалуйста, относитесь так же уважительно к моему труду и времени!

Каждый час, который я тут сижу и пишу, ходит неглаженной кисонька!

Кстати! По мотивам публикаций в этой рубрике возникли гадальные карты!
Вы уже можете погадать себе на них, и скачать бесплатно всю книжку к ним!
Подробности и все ссылки — тут:

http://miumau.livejournal.com/2438946.html

Смотрите также:

Магазин Белолапик
Все новости в Телеграме
Недетские картинки в Телеграме
Уютный чат в Телеграме
Мой Youtube
Проспонсируйте вкусняшку брошенным кисонькам: http://paypal.me/mammamiu

Разработка дизайн-проекта в арт-стиле — Energy

Разработка дизайн-проекта в арт-стиле

Арт-дизайн – это направление в разработке дизайна интерьера с преобладанием художественной составляющей, которая опирается на высокое искусство.

Рождение термина «арт-дизайн» берет свое начало во второй половине двадцатого столетия. Страна родоначальник – Италия. Взоры творческих и креативных людей были привлечены в направлении экспрессивного и дерзкого стиля «арт».

Стилевые особенности дизайн-проекта в стиле «арт»:

• контрастные сочетания цвета и света;
• комбинирование разных стилей;
• экзотические акценты, которые ранее не применялись при оформлении интерьеров;
• нестандартные «кричащие» формы и образы;
• необычные материалы для отделки;
• преобладание художественной деталировки с акцентом на хенд-мейд.

Важно!  Арт-дизайн — изящная линия современного дизайна, несмотря на то, что ее реализация требует использования абсурдных, на первый взгляд, предметов домашнего и уличного обихода. Например, шин от машин, из которых делаются оригинальные лампы или светильники для интерьера.

Виды арт-дизайна в интерьере помещений

Дизайн-проект помещения в арт-стиле может быть реализован в двух направлениях:

• Поп–арт. Стиль популярного искусства. Очень любит использование в интерьере объемных картин и орнаментов, состоящих из оптического обмана. Приемлет в интерьере разработку мини-инсталяций в виде подиумов и сцен, неожиданных возвышенностей и переходов. Приветствует обилие зеркал или светильников необычной формы, из огромнейшего количества предметов. Такой стиль несет в себе откровенную провокацию в цвете стен, потолка и пола. Все они могут быть выкрашены в разные контрастные цвета.
• Арт-деко. Ответвление первоначального Арт, которое появилось во Франции. Этот стиль соединил в себе модерн, геометрический уклон  и экспрессию. Четкие и выразительные формы, пользующиеся спросом у многих профессионалов в области дизайна. Изначально это направление использовалось в рисовании иллюстраций, но со временем вылилось в создание стиля касающегося разработки мебели и оформления помещения.

Обратите внимание! В этом «дизайн-искусстве» главная роль отводится первому впечатлению от художественного акцента. Дизайнер не просто создает дизайн-проект, он проектирует ваши эмоции с помощью демонстрации своих или ваших воплощенных фантазий в интерьере.

Материалы для разработки дизайн-проекта в арт-стиле

Оригинальные, иногда шокирующие, композиции присущие стилю эпатируют публику, неся в своем выражении обязательный смысл, который демонстрируется необычным образом с применением любых средств.

Материалы, которые будут использоваться при реализации дизайн-проекта в направлении арт:

• керамика;
• натуральный и декоративный камень;
• ткани;
• мех;
• кожа;
• самоцветы;
• металл;
• дерево;
• стекло;
• пластмасса;
• резина;
• краски.

Важно! Не один стиль не способен настолько вас удивить, как сделает это арт-стиль. Каким он будет арт-деко или поп-арт, конечно, решать вам и вашим близким людям, которые захотят заказать проектной компании именно такие интерьеры квартир, офисов или магазинов.

Дизайн-проект в арт-стиле от Energy-Systems

Команду Energy-Systems не испугать смелыми решениями в разработке дизайн-проектов в стиле поп-арт или арт-деко. Если вы та самая творческая личность, которая собралась с духом и решила «выстрелить» своим предпочтением – позвоните нам по телефону, который указан в шапке сайта.

Внизу страницы есть онлайн-калькулятор, который поможет сделать предварительный расчет стоимости услуг при разработке вашего дизайн-проекта.

Поделитесь ссылкой

 

Дата публикации: 01.11.2017

Арт-дизайн | Дизайн

Арт-дизайн («дизайн-искусство») — вид дизайна с явным приоритетом эстетического начала, направленный на организацию художественного впечатления, получаемого от воспринимаемого объекта. Это «проектирование эмоций», цели которого сближаются с задачами декоративного или даже изобразительного искусства, удаляясь от задач предметного художественного творчества. Чаще всего объекты арт-дизайна – это демонстрационно-выставочные экспонаты, но представляющие собой не произведения изобразительного или декоративного искусства, а декоративные образы знакомых по визуальным признакам вещей: одежды, головных уборов, посуды, мебели, светильников и т. д., преобразованных фантазией художника.

В своем большинстве они мало рассчитаны на практическое использование, поскольку их утилитарные функции завуалированы, отстранены или вообще сняты авторами

По существу, это – декоративные композиции на тему вольно интерпретированных образов изделий тех или иных групп, видов и типов, часто переплетающихся с образами, заимствованными из других видов искусств. Иногда эти композиции по-настоящему оригинальны, выразительны, красивы, но чаще они просто преследуют цели эпатажа зрителей, ниспровержения общезначимых ценностей и критериев красоты компонентов предметного мира ради самоутверждения художников, стремящихся к любой новизне любыми средствами.

Практически все материалы, применяемые для создания вещей в других видах дизайна, в разных сочетаниях используются и в объектах арт-дизайна, но прежде всего в декоративных целях. Это – металлы, древесина, стекло, керамика, пластмассы, резина, краски, ткани, трикотаж, кожа, мех, самоцветы, камень и т. д.

Арт-дизайн целенаправленно отошел от критериев, определяющих сущность промышленного дизайна и стайлинга, пополнив собой разные направления авангардизма в пространственных и пластических искусствах или концептуально особые разновидности выставочного декоративного искусства. Творцы произведений арт-дизайна нередко считают себя художниками особого мира преобразованных их выдумкой вещей, но не дизайнерами, ориентированными на промышленное внедрение практически полезных и одновременно красивых изделий самого разного назначения, необходимых людям в их многообразной жизнедеятельности.

В связи с этим закономерно встают вопросы. Причем здесь дизайн? Почему за этим видом декоративного предметного творчества закрепилось название арт-дизайн? Почему его включают в систему видов дизайна? Какова его роль в мире материально-художественной культуры, в том числе – дизайна?

Причины этого, по-видимому, заключаются в следующем. Арт-дизайн (приходится его так называть за неимением более точного термина, соответствующего сути явления) имеет дело с вещами, или их художественно трансформированными образами, являющимися также объектами и промышленного дизайна или стайлинга (только технически простыми). Слово «дизайн» давно стало модным, престижным, оставив позади «декоративно-прикладное искусство». Многозначность английского слова design позволяет в английском языке распространять его значение и на слова: творческий замысел, проект, эскиз, рисунок, узор, композиция, искусство композиции, и даже произведение искусства.

Социально культурные истоки арт-дизайна, обусловившие выделение этого вида предметного художественного творчества в качестве особого направления, отличающегося от архитектонических искусств, можно обнаружить и в чисто декоративных изделиях-предметах, создававшихся искусными мастерами-ремесленниками в доиндустриальную эпоху, и в отдельных художественно изящных или экстравагантно-роскошных, оригинально-декоративных уникальных произведениях стилевых направлений периода арт деко (20 – 30-е гг. ХХ в.) и, наконец, в проявлении принципиального эстетизма творческой личности у многих профессиональных художников прикладного искусства в нашей стране во второй половине 60-х гг. ХХ в. Сознательный уход этих прикладников, еще недавно с энтузиазмом работавших на массовое производство под лозунгом «Искусство – в быт!» (так назывались большие выставки декоративно-прикладного искусства конца 50-х – начала 60-х годов) от будней созидания эстетически значимых полезных вещей, предназначенных для их тиражирования промышленностью, к празднику свободного, творчески привлекательного и престижного выполнения уникальных произведений декоративного искусства, рассчитанных чаще всего на любование ими, вызвал общественный резонанс, отразившийся в конце 60-х гг. в бурной дискуссии искусствоведов на страницах журнала «Декоративное искусство СССР».

Похожие статьи