Стрит-арт и архитектура: самые громкие проекты
Граффити «Окно в Европу», набережная Цесаревича, Владивосток, 2012. Арх-бюро Concrete Jungle (основатели: Феликс Машков и Вадим Герасименко).Время, когда граффити считалось вандализмом, кануло в темное прошлое. Сегодня уличные художники заняли заслуженное место на пьедестале современного искусства. Городские власти, которые раньше гонялись за авторами, чтобы наказать их по всей строгости закона, теперь встают в очередь на заключение контрактов для оформления общественных пространств. Уличные художники не просто делают наши города красивыми и интересными, зачастую им под силу переосмыслить существующий урбанистический ланшафт, изменить архитектурный контекст.
Вслед за великими именами родоначальников стрит-арта — Китом Харингом (Keith Haring), Бэнкси (Banksy) и Жаном-Мишелем Баския (Jean-Michel Basquiat) на улицы вышло горомное количество художников, чтобы разрисовать все, что попадется им под руку. Сами стрит-артисты считают, что искусство давно было пора выпустить из музеев на улицу. И хотя типологию современного искусства тяжело загнать в строгие рамки (пост-граффити, «интервенция», мурализм и т. д), единственное, что хотят городские жители и туристы — это зрелищность, масштаб, эстетика, философский посыл и яркие краски. Именно это зритель и получает от уличного художника.
Специально для наших читателей рассказываем о самых громких именах в мире современного уличного искусства и предлагаем насладиться подборкой самых эффектных стрит-арт проектов.
Покрас Лампас
Каллиграфия площадью 1625 кв. метров заняла у художника два дня работы и затребовала 730 литров краски.Художник Арсений Пыженков, родом из Королева, известен во всем мире как Покрас Лампас (Pokras Lampas). Забавный теперь уже не псевдоним, а официальное имя, было образовано от старого выражения «покрасить» в среде граффитистов и самой абсурдной рифмы к нему. Покрас работает в стиле «каллиграффити», как очевидно из названия — на стыке граффити и каллиграфии. Он постоянно занят новыми проектами, а на его руках — следы свежей краски.
Художник смог раскрасить тоннель от Атриума до Курского вокзала только наполовину. Причина в том, что часть принадлежит торговому центру, а часть — РЖД, и последние отказались предоставить свой отрезок Покрасу.- Фото:
- Денис Бычковский
Прославил художника проект по созданию самой большой каллиграфии в России (да и вообще в мире) на крыше «Красного Октября» в 2015 году. В 2017 Покрас расписал тоннель от Курского вокзала до торгового центра «Атриум» в Москве, вдохновляясь произведениями художников русского авангарда, цитатами Малевича, Кандинского и Маяковского. Громким международным проектом в карьере каллиграфиста стала покраска крыши Дворца итальянской цивилизации (Palazzo Della Civilta) в Риме, который по совместительству является штаб-квартирой Fendi.
«Важно, чтобы творчество не превращалось в ремесло. Главное — доверять своей интуиции и делать только то, во что ты искренне веришь. Честное творчество всегда будет оценено по достоинству», — Покрас Лампас.
Дуэт Aesthetics
Подмосковный пост-граффити дуэт Aesthetics group существует с 2004 года. Состав участников и концепция со временем менялись, на данный момент — это Petro (Петр Герасименко) и Slak (Илья Блинов).
Совместная работа Petro и Slak в рамках пилотного проекта фестиваля «Объекты природы». Аэрозольная краска. Котка (Финляндия), 2014.Коллектив прошел путь от классического граффити к его смешению с абстрактной живописью. Художники работают на стыке авангарда и граффити, авторский стиль выражается в насыщенных цветах и ломаных линиях.
Диптих без названия. Левая часть — Slak, правая часть — Petro. Аэрозольная краска, акрил. Сатка, Челябинская область, 2017.Миша Most
Московский художник Миша Most занимается граффити с 1997-го и с 2004 года создает живописные работы. Автор быстро перешел из разряда «уличных авторов» в полноценные художники. Практически все работы автора посвящены человеческому будущему.
В 2017 году художник создал самую большую настенную живопись в мире на площади 10 тысяч кв. метров. Холстом для произведения «Эволюция 2.1» стало здание промышленного комплекса в городе Выкса (Нижегородская область).
«Эволюция 2.1», Выкса, Нижегородская область, 2017.Осенью того же года Миша научил рисовать дрона. В основе лежал подход «создание картины без художника». Дроны широко распространены в наше время, люди постоянно обучают устройства делать что-то новое. А художник решил привнести это «что-то новое» в искусство.
Проект «Прощание с вечной молодостью» состоял из нескольких этапов. Для начала Миша отрисовывал объект на планшете, затем изображение переносилось в специальную программу, по которой «летает» дрон. Затем для получения законченного произведения стоило всего лишь нажать на кнопку — остальное делала машина.
«Прощание с вечной молодостью»: Миша Most и дрон.Камилла Валала
Вообще-то британская художница Камилла Валала (Camille Walala) по профессии дизайнер по тканям. Но полученное образование никогда по-настоящему ее не захватывало. Последнее время Камиллу активно зовут оформлять бетонные коробки, непримечательные фасады и пешеходные переходы.
Здание Splice Post, Лондон.Валала работает на грани современного искусства и архитектуры, вливая в окружающую среду энергию и оптимистический настрой при помощи ярких красок и орнаментов. Огромное влияние на творчество художницы оказала группа Memphis.
Детская площадка в Лондоне.Именно в стиле этого дизайнерского объединения автор оформила фасад промышленного здания в Бруклине 40-метровой росписью. В основе концепции — оптические иллюзии, контрастные цвета и повторяющиеся L-образные мотивы.
Фасад в духе группы «Мемфис», Бруклин (Нью-Йорк).Феличе Варини
Холстом швейцарца по происхождению и закоренелого парижанина по месту жительства Феличе Варини (Felice Varini) стала сама архитектура. Художник знаменит фирменными оптическими иллюзиями. Работы автора запечатлены на стенах зданий и тротуарах, в парках и скверах.
Каркасон, Франция, 2018.С первого взгляда созданное Варини изображение не воспринимается цельно, оно распадается на отдельные фрагменты. И лишь с определенной «правильной» точки зрения орнамент складывается в целостный образ. Работы Варини выглядят настолько нереальными, что первая реакция человеческого мозга: «Это фотошоп!».
Лозанна, Швейцария, 2015.
Гран Пале, Париж, Франция, 2013.Жанр, который выбрал для себя Варини, называется анаморфозом. Главной темой творчества стала геометрия — разнообразные правильные фигуры: круги, треугольники, прямоугольники. Работы Варини подобным миражам в пустыне: вот человек наблюдает гипнотическое зрелище и вдруг, одно неверное движение, и видение растворяется.
Крыша «Жилой единицы» Ле Корбюзье, Марсель, Франция, 2016.Ill-Studio
Художники Ill-Studio в сотрудничестве с модным брендом Pigalle радикально изменили внешний облик баскетбольной площадки в Париже. В 2015 году спортивный объект оделся в резкие цвета и четкие геометрические формы по мотивам творчества Казимира Малевича.
Площадка Pigalle Duperré в Париже зажата в узком пространстве между домами, 2015.В 2017-м же студия обратилась к более мягким, но не менее эффектным градиентным оттенкам. «Работая над этой площадкой, мы хотели исследовать отношения, складывавшиеся между спортом, искусством и культурой на протяжении многих десятилетий», — рассказывают авторы проекта.
Площадка Pigalle Duperré, Париж, 2017.Проект яркой баскетбольной площадки бурно обсуждался на просторах интернета по всему миру. Современному поколению Instagram пространство явно пришлось по душе. Разумеется, это не единственный спортивный объект, который имеет такую нестандартную окраску. Например, в бельгийском городе Алст художница Катрин Вандерлинден (Katrien Vanderlinden) поработала над преображением другой баскетбольной площадки. Максимально эффектно яркая поверхность выглядит с высоты полета квадрокоптера.
Баскетбольная площадка, Алст, Катрин Вандерлинден.А в итальянской Равенне городскую среду оживила другая баскетбольная площадка. Обновлением занимался уличный художник Gue.
Баскетбольная площадка, Равенна, стрит-артист Gue.Даниэль Бюрен
Творчество французского художника-концептуалиста Даниэля Бюрена (Daniel Buren) имеет постоянный элемент — полоску. Интересно, что концептуальную тему автор обрел благодаря случайности. Однажды на заказанных им холстах остались следы от упаковки — полосы, которые заполонили всего его работы, вне зависимости от контекста.
Тени сквозь цветное стекло Даниэля Бюрена подобны произведениям искусства.От холста француз переходит к городской среде — маркирует полосами станции метро, дворы Парижа. С 70-х художник работает с разноцветным стеклом и светом. Он превращает окна зданий в витражи и изучает отбрасываемую ими тень. Совместно с итальянской галереей Continua Бюрен создал масштабную инсталляцию прямо на фасаде здания парижской галереи Aveline в фирменном стиле — с вертикальными монохромными полосами и витражным стеклом.
Галерея Aveline, Париж, Даниэль Бюрен.Шантель Мартин
Стиль молодой британской художницы Шантель Мартин (Shantell Martin) легко узнаваем. Черно-белыми размашистыми рисунками Шантель готова оформить что угодно — раскрасить городские стены или декорировать новую коллекцию обуви или одежды.
Баффало (штат Нью-Йорк), 2017.Самые масштабные проекты художницы находятся в США. В 2017 году автор расписала 60-метровую стену завода в Баффало. Не меньше повезло городу Денвер — там Шантель оформила огромное общественное пространство. На площади в 600 кв. метров художница разрисовала все доступные ей поверхности — дорожный асфальт, тротуары и колонны.
Денвер (штат Колорадо), 2017.NeSpoon
Польская художница, работающая под псевдонимом NeSpoon, украшает Польские города. В технике трафарета автор расписывает городские стены, фасады домов, мусорные баки, тротуары, мосты и пандусы. Излюбленным орнаментом стрит-артистки являются тончайшие замысловатые кружева.
Стараниями художницы старые здания в аварийном состоянии, дорожные ямы и полуразрушенные стены становятся по-настоящему эстетичными. Выполненные NeSpoon узоры выглядят настолько реалистично, что хочется подойти и потрогать фактуру «кружева».
В качестве бонуса предлагаем и другие примеры работ уличных художников со всего света, меняющих городской ландшафт при помощи искусства.
Объемная композиция из древесины New City, Нижний Новгород, 2014 Прогрессивный российский художник Алексей Luka.Duo, Мангейм, Германия, 2017. Алексей Luka.«Новые роли», Красноярск, 2014. Уличный художник из Екатеринбурга Слава Птрк (Slava Ptrk). Слава Птрк активно взаимодействует с окружающей городской средой, делая архитектурные элементы частью своих картин.Сан-Висенти, Кабо-Верде, Африка. Работа французского художника Eltono. Современный шотландский художник Джим Лэмби (Jim Lambie) использует в работе глянцевую клейкую ленту различных цветов.Elle Decoration
Хёрст Шкулёв Паблишинг
Москва, ул. Шаболовка, дом 31б, 6-й подъезд (вход с Конного переулка)
www.elledecoration.ru
Стиль арт-деко в архитектуре и интерьере
Источник статьи журнал о Шедеврах арзитектуры и дизайна worlds-interior.ru
Арт-деко – стиль эклектики, который представляет собой гармоничное и при этом броское соединение модерна и неоклассицизма. В переводе с французского языка дословно арт-деко означает «современное искусство». Отличительными чертами арт-деко являются смелые геометрические формы, этнические узоры и орнаменты, богатство и яркость цветовой палитры, роскошь и шик.
Немного из истории арт-деко
Свое название термин «арт-деко» получил в 1925 году благодаря международной выставке Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств (фр.
Однако само направление арт-деко появилось гораздо ранее во Франции, в начале 1920х годов. В те времена Париж, по праву, считался центром стиля арт-деко, который проявлялся во всем: в изготовлении мебели, в дизайне интерьера, в архитектуре, в одежде и аксессуарах, ювелирных изделиях, скульптуре и живописи. В стиле арт-деко оформлялись лучшие рестораны, отели, океанские лайнеры.
Арт-деко бросал вызов лишениям Первой мировой войны, он был просто роскошен и необычен, поэтому так любим богатой публикой. Излюбленными материалами мастеров арт-деко были алюминий, нержавеющая сталь, редкие породы деревьев, серебро, эмаль, слоновая кость, кожа экзотических животных и рыб, таких как крокодил, акула или зебры. Выделялись объемные формы, зигзагообразные и ступенчатые, широкие и энергичные кривые линии. Арт-деко славился своими контрастными декоративными мотивами, такими, например, как узор клавиш фортепиано, который встречался не только в дизайне интерьера, но и даже в дизайне дамской обуви. В 1930—1940-е годы течение арт-деко стало популярно в международном масштабе.
Популярность арт-деко угасла после появления массового производства. Пришло время более спокойным, сдержанным элементам, при этом к арт-деко стали относиться как к кричащему и безвкусному стилю. Закат арт-деко положили лишения Второй мировой войны. Интересно, что возник арт-деко как вызов Первой мировой войне и, продержавшись на пике популярности почти два десятилетия, сошел на нет во время бедствий Второй мировой.
Новое рождение стиль арт-деко получил в 1980 годах благодаря графическому дизайну, став вновь популярным, теперь уже в ювелирном искусстве и моде.
Зародившись во Франции, стиль арт-деко получил широчайшее распространение в архитектуре во всем мире. В архитектуре арт-деко – это прежде стиль больших зданий. В 1910-1920-х годах в США пришли небоскребы, возводившиеся уже с начала 20-х годов в стальном каркасе.
Здания, построенные в стиле арт-деко до сих пор радуют глаз туристов и жителей крупнейших мегаполисов мира, в том числе и столицы двуполярного мира.
Арт-деко в США
В США только на Манхеттене можно насчитать более 150 небоскребов, построенных в стиле арт-деко. Наиболее ярким примером американского арт-деко в архитектуре является небоскреб Крайслер-билдинг (Chrysler Building), построенный по проекту архитектора Уильяма ван-Эллена (William van Alen), получивший свое рождение в 1930 году. Вершину величественного и элегантного здания украшает 38 метровый шпиль из нержавеющей стали. Благодаря этому шпилю Крайслер-билдинг стал самым высоким зданием мира. Правда вскоре утратил это звание, уступив первенство небоскребу Эмпайр Стэйт Билдинг (Empire State Building) в Нью-Йорке. Крыша Крайслер-билдинг собрана в виде семи сводов, символизирующих колесные диски автомобилей «Крайслер» 20-х годов. Визитной карточкой небоскреба стали скульптуры на 31 этаже, повторяющие эмблему «Крайслера» и горгульи-орлы, расположившиеся на 61 этаже. Небоскреб имеет ребристую облицовку и треугольные окна, напоминающие внешне расходящиеся лучи солнца.
Арт-деко в СССР
В 1930-1950 в СССР арт-деко (иначе «новый ампир») оказывает значимое влияние на сталинскую архитектуру 30-х годов. Стоит отметить, что под влиянием арт-деко были построены сталинские высотки, библиотека имени Ленина в Москве, дворец культуры имени Кирова и кинотеатр «Москва» в Ленинграде.
Под влиянием стиля арт-деко был построен ряд станций Московского метрополитена, в том числе Сокольнической и Замоскворецкой линии, например, замечательные станции метро «Маяковская», «Аэропорт», «Сокол», «Кропоткинская», а также первая очередь Ленинградского метрополитена.
Другие страны
Арт-деко охватил почти все страны мира и даже Азию. Например, индийский князь Махараджи, обучаясь в Оксфорде, познакомился с молодым немецким архитектором Е. Матезиусом, которому в последствии поручил построить великолепный дворец Махараджи в Индоре.
Стиль арт-деко в интерьере
Стиль арт-деко в интерьере превратился во всемирно признанный символ эффектности. Стиль арт-деко в интерьере представлялся роскошным, броским, свободным и богатым. Смело сочетались всевозможные экзотические материалы, например, такие как черное эбеновое дерево, бриллианты, перламутры, слоновая кость, шкура зебры и кожа крокодила, змеи, ящерицы, акулы и урбанистические современные вещества — стекло, бетон, хром, сталью, алюминий.
Стиль арт-деко в интерьере сочетает в себе орнаменты и мотивы различных исторических эпох и экзотических культур: восточные, индейские, африканские мотивы, элементы старины и совершенно новые произведения искусства.
Визуальное богатство достигалось не только экзотическими фактурами, но яркими и насыщенными цветами, их смелыми сочетаниями.
В стиле не было простоты даже в линиях – излюбленными контурами были ступенчатые и зигзагообразные формы, энергичные широкие кривые линии, мотивы клавишных инструментов. Даже мебель принимала причудливые загнутые формы, украшалась всевозможными геометрическими элементами и орнаментами. Многие предметы интерьера стали настоящими произведениями искусства, создающими атмосферу изысканности и приятного созерцания.
Самые богатые люди и популярные заведения один за другим сменяли свои старые интерьеры на арт-деко, пытаясь сделать их еще более дорогими и изысканными, чем у соседей. Интерьеры представляли скорее коллекцию наиболее дорогих и необычных предметов мебели и декора, привезенных из различных уголков планеты. Складывалась конкуренция кто богаче и изысканнее оформит свое помещение, к тому и больше посетителей.
В заключении…
Возникнув в Париже и просуществовав между двумя мировыми войнами, стиль арт- деко в интерьере и архитектуре был безумно популярен, он стал культовым во всем мире, а особо в США, где получил всевозможные названия, такие как «Стиль звезд», «Джазовый модерн», «Обтекаемый модерн» или «Зигзаг-модерн».
Современная интерпретация арт-деко включает самые последние технические достижения, качественно новые материалы, дизайнерские предметы мебели и декора. И в общем то не важно, как это все между собой сочетается, в арт-деко – главное богатство, роскошь и самое последнее слово моды.
Скажу напоследок, что и стиль гламур тоже относят к интерпретации арт-деко в современной жизни.
subscribe.ru
Арт-архитектура
Это тема в каком-то смысле продолжает заметку про арт-туризм. Потому что арт-архитектуру можно назвать идеальным воплощением туристической приманки. В ней соединились два основных обязательных для городского туриста объекта — уникальная архитектура и музейное искусство. Я уже упоминала краем Музей Гуггенхайма в городе Бильбао, который принято считать классикой жанра. В современной культуре и экономике даже существует термин под названием «эффект Бильбао», который означает эффект от использования необычных проектов зданий для привлечения туристов и омоложения городской архитектуры.
Музей в Бильбао в 1997 году спроектировал уроженец Канады Фрэнк Гери. Его детище расположилось на территории дока в центре Бильбао и действительно привлекло в столицу басков множество туристов. Здание музея, составленное из правильных известняковых блоков и облицованных титаном объемов неправильной формы, напоминает стаю слетевшихся в корабельные доки чаек. Этот проект — одновременно произведение архитектуры, необычная скульптура и отличное развлечение. Любопытно, что некоторые музейные хранители жалуются на то, что в галерее трудно работать. Дело в том, что многие посетители приходят посмотреть не выставки, а само здание.
Еще один классический пример «архитектуры для искусства» хорошо известен даже тем, кто никогда не был в Париже. Это знаменитый Центр Помпиду, который в 70-е годы прошлого века произвел настоящую архитектурную революцию. Его авторы Ренцо Пьяно, Питер Райс и Ричард Роджерс выиграли конкурс буквально в последний момент, еле успев отправить свои чертежи по почте.
Основная радикальная идея архитекторов состояла в том, что для Центра Помпиду они придумали «дизайн наоборот». Ярусы этого многоэтажного здания имеют открытый план и поддерживаются металлическим каркасом не внутри, а снаружи. Все служебные системы здания (водопроводная, электрическая, вентилляционная, эскалаторная) вынесены на его внешние стороны. Особенно здорово смотрятся эскалаторы в стеклянных трубах. По меткому выражению первых критиков здания, оно напоминало дом с «кишками наружу», что и породило такой неприятный архитектурный термин как «бауэллизм» (от английского bowel — «кишечник»). В любом случае талантливые архитекторы, уставшие от прямых линий и правильных бетонных коробок, придумали свежий архитектурный подход. И сегодня вокруг Центра Помпиду гуляет множество туристов, которые даже и не стремятся попасть внутрь, чтобы взглянуть на современное искусство. Зачем, когда все самое интересное снаружи?
источник
yarcenter.ru
Архитектура ар-деко Нью-Йорка — Блог об искусстве и дизайне — LiveJournal
Ар Деко — это стиль, соединивший в себе внешнюю роскошь с рациональностью структуры. Он просуществовал недолго, немногим более 15 лет и за это время стал символом финансового благополучия, процветания и изысканности. В период между двумя Мировыми войнами Ар Деко создал сам образ жизни людей, моду, стиль общения, работы и отдыха.
вид на имперское здание с Херолд Сквера. Здание имеет 102 этажа и является 2-м по высоте в США (после Chicago’s Sears Tower). Построено было в 1932-м году и удерживало рекорд высоты более 40 лет. В июле1945-го в тумане, в здание врезался самолет B-25 Mitchell на уровне 79-80-х этажей. 14 человек погибли, однако пожар удалось подавить уже через 40 минут. Большинство контор возобновили работу через 2 дня. Сейчас помещения здания так же рентуются различными конторами. На 86 и 102-м этажах находятся смотровые площадки. Здание венчается антенной телевещания нескольких телестанций. В вечернее время верхние секции Эмпайр Стэйт Билдинга подсвечиваются разноцветными огнями. Расцветка меняется соответственно какому-то событию. Например ко дню Святого Патрика — зеленые огни, ко дню Независимости — цвета американского флага — синий, красный, белый и т.д. Американская Ассоциация Гражданских Инженеров признало это здание как одно из 7 чудес света современного мира.
Фото и текст взяты [url=http://fotki.yandex.ru/users/galafromny/view/218762/?page=0]тут[/url]
Chrysler Building
1928-1930
Для Ар Деко «роскошь» — это не только дорогие материалы, но и визуальное богатство: яркие, насыщенные цвета. Как правило, используется более чем 3 цвета, и это выглядит удивительно целостно и неожиданно красиво. На фоне шахматного контраста черного и белого — горящие вкрапления красного и золотого, хромированные предметы интерьера.
General Electric Building
1929-1931
THE AMERICAN INTERNATIONAL BUILDING
1930-1932
The Savoy Plaza Hotel
1927, demolished 1964
Эпоха Ар Деко — время коротких женских стрижек, туфель без каблука, экстравагантных костюмов, влюбленности в автомобили и аэропланы, экзотические вещи, акульи шкуры, невиданные породы деревьев, танцев под джаз, самых красивых небоскребов и рождения индустрии «люкс».
New York Metalwork
Chanin Building
1927-1929
Cheney Silk Company Building
1925
Ар Деко — стиль буржуазный, но не обывательский, классический, но не под старину. Стиль, искусно объединивший в себе традиции Рима, Египта, Греции, Китая, Японии. Интерьеры, оформленные в Ар Деко, производят впечатление не композиции, а суммы отдельных компонентов, группировки «стильных вещей» — мебели, тканей, изделий из бронзы, стекла, керамики. Не случайно, многие из таких интерьеров назывались «павильон коллекционера», «ателье художника’, они создавались с шиком 1920-х годов, дорогих отелей и ресторанов и потому иногда их стиль называют «стилем Ritz «.
Exchange Place
1931
Waldorf=Astoria Hotel
1929-1931
Этот стиль характеризуется cкругленными углами, cтрогими вертикальными линиями, «отступающими» формами. От всех мебельных стилей его отличает применение декоративных элементов в виде зигзагов, окружностей, треугольников, солнц.
The Normandy
1939
THE SAN REMO APARTMENTS
1930
Metropolitan Life Insurance Company, North Building
1932-50 built, in 3 stages
Williamsburgh Savings Bank
1929
Metropolitan Life Insurance Company
1893; Tower, 1909
Эта стилистическая тенденция проявилась и в советской художественной культуре 1920—1930-х годов. Ар деко оставил на память о себе великолепные интерьеры московского метрополитена, остатки довоенной роскоши ВДНХ и фарфор Ленинградского фарфорового завода. Безусловно, стиль получил у нас весьма своеобразное преломление. Но «национал
kayros-81.livejournal.com
Стиль арт-деко в интерьере и архитектуре |
Арт-деко – стиль эклектики, который представляет собой гармоничное и при этом броское соединение модерна и неоклассицизма. В переводе с французского языка дословно арт-деко означает «современное искусство». Отличительными чертами арт-деко являются смелые геометрические формы, этнические узоры и орнаменты, богатство и яркость цветовой палитры, роскошь и шик.
Немного из истории арт-деко
Свое название термин «арт-деко» получил в 1925 году благодаря международной выставке Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств (фр. «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes») 1925 года в Париже.
Однако само направление арт-деко появилось гораздо ранее во Франции, в начале 1920х годов. В те времена Париж, по праву, считался центром стиля арт-деко, который проявлялся во всем: в изготовлении мебели, в дизайне интерьера, в архитектуре, в одежде и аксессуарах, ювелирных изделиях, скульптуре и живописи. В стиле арт-деко оформлялись лучшие рестораны, отели, океанские лайнеры.
Арт-деко бросал вызов лишениям Первой мировой войны, он был просто роскошен и необычен, поэтому так любим богатой публикой. Излюбленными материалами мастеров арт-деко были алюминий, нержавеющая сталь, редкие породы деревьев, серебро, эмаль, слоновая кость, кожа экзотических животных и рыб, таких как крокодил, акула или зебры. Выделялись объемные формы, зигзагообразные и ступенчатые, широкие и энергичные кривые линии. Арт-деко славился своими контрастными декоративными мотивами, такими, например, как узор клавиш фортепиано, который встречался не только в дизайне интерьера, но и даже в дизайне дамской обуви. В 1930—1940-е годы течение арт-деко стало популярно в международном масштабе.
Популярность арт-деко угасла после появления массового производства. Пришло время более спокойным, сдержанным элементам, при этом к арт-деко стали относиться как к кричащему и безвкусному стилю. Закат арт-деко положили лишения Второй мировой войны. Интересно, что возник арт-деко как вызов Первой мировой войне и, продержавшись на пике популярности почти два десятилетия, сошел на нет во время бедствий Второй мировой.
Новое рождение стиль арт-деко получил в 1980 годах благодаря графическому дизайну, став вновь популярным, теперь уже в ювелирном искусстве и моде.
Арт-деко в архитектуре
Зародившись во Франции, стиль арт-деко получил широчайшее распространение в архитектуре во всем мире. В архитектуре арт-деко – это прежде стиль больших зданий. В 1910-1920-х годах в США пришли небоскребы, возводившиеся уже с начала 20-х годов в стальном каркасе.
Здания, построенные в стиле арт-деко до сих пор радуют глаз туристов и жителей крупнейших мегаполисов мира, в том числе и столицы двуполярного мира.
Арт-деко в США
В США только на Манхеттене можно насчитать более 150 небоскребов, построенных в стиле арт-деко. Наиболее ярким примером американского арт-деко в архитектуре является небоскреб Крайслер-билдинг (Chrysler Building), построенный по проекту архитектора Уильяма ван-Эллена (William van Alen), получивший свое рождение в 1930 году. Вершину величественного и элегантного здания украшает 38 метровый шпиль из нержавеющей стали. Благодаря этому шпилю Крайслер-билдинг стал самым высоким зданием мира. Правда вскоре утратил это звание, уступив первенство небоскребу Эмпайр Стэйт Билдинг (Empire State Building) в Нью-Йорке. Крыша Крайслер-билдинг собрана в виде семи сводов, символизирующих колесные диски автомобилей «Крайслер» 20-х годов. Визитной карточкой небоскреба стали скульптуры на 31 этаже, повторяющие эмблему «Крайслера» и горгульи-орлы, расположившиеся на 61 этаже. Небоскреб имеет ребристую облицовку и треугольные окна, напоминающие внешне расходящиеся лучи солнца.
Арт-деко в СССР
В 1930-1950 в СССР арт-деко (иначе «новый ампир») оказывает значимое влияние на сталинскую архитектуру 30-х годов. Стоит отметить, что под влиянием арт-деко были построены сталинские высотки, библиотека имени Ленина в Москве, дворец культуры имени Кирова и кинотеатр «Москва» в Ленинграде.
Под влиянием стиля арт-деко был построен ряд станций Московского метрополитена, в том числе Сокольнической и Замоскворецкой линии, например, замечательные станции метро «Маяковская», «Аэропорт», «Сокол», «Кропоткинская», а также первая очередь Ленинградского метрополитена.
Другие страны
Арт-деко охватил почти все страны мира и даже Азию. Например, индийский князь Махараджи, обучаясь в Оксфорде, познакомился с молодым немецким архитектором Е. Матезиусом, которому в последствии поручил построить великолепный дворец Махараджи в Индоре.
Стиль арт-деко в интерьере
Стиль арт-деко в интерьере превратился во всемирно признанный символ эффектности. Стиль арт-деко в интерьере представлялся роскошным, броским, свободным и богатым. Смело сочетались всевозможные экзотические материалы, например, такие как черное эбеновое дерево, бриллианты, перламутры, слоновая кость, шкура зебры и кожа крокодила, змеи, ящерицы, акулы и урбанистические современные вещества — стекло, бетон, хром, сталью, алюминий.
Стиль арт-деко в интерьере сочетает в себе орнаменты и мотивы различных исторических эпох и экзотических культур: восточные, индейские, африканские мотивы, элементы старины и совершенно новые произведения искусства.
Визуальное богатство достигалось не только экзотическими фактурами, но яркими и насыщенными цветами, их смелыми сочетаниями.
В стиле не было простоты даже в линиях – излюбленными контурами были ступенчатые и зигзагообразные формы, энергичные широкие кривые линии, мотивы клавишных инструментов. Даже мебель принимала причудливые загнутые формы, украшалась всевозможными геометрическими элементами и орнаментами. Многие предметы интерьера стали настоящими произведениями искусства, создающими атмосферу изысканности и приятного созерцания.
Самые богатые люди и популярные заведения один за другим сменяли свои старые интерьеры на арт-деко, пытаясь сделать их еще более дорогими и изысканными, чем у соседей. Интерьеры представляли скорее коллекцию наиболее дорогих и необычных предметов мебели и декора, привезенных из различных уголков планеты. Складывалась конкуренция кто богаче и изысканнее оформит свое помещение, к тому и больше посетителей.
В заключении…
Возникнув в Париже и просуществовав между двумя мировыми войнами, стиль арт- деко в интерьере и архитектуре был безумно популярен, он стал культовым во всем мире, а особо в США, где получил всевозможные названия, такие как «Стиль звезд», «Джазовый модерн», «Обтекаемый модерн» или «Зигзаг-модерн».
Современная интерпретация арт-деко включает самые последние технические достижения, качественно новые материалы, дизайнерские предметы мебели и декора. И в общем то не важно, как это все между собой сочетается, в арт-деко – главное богатство, роскошь и самое последнее слово моды.
Скажу напоследок, что и стиль гламур тоже относят к интерпретации арт-деко в современной жизни.
Рекомендую посмотреть фильм «Секреты Арт-деко» об истории стиля и его популярности
На тему архитектурных стилей рекомендую Вам прочитать следующие статьи:
Эклектика в архитектуре Москвы 19 века
Классицизм в архитектуре
Стиль модерн в архитектуре и интерьере
Очень интересными получились материалы об этнических стилях
Тосканский стиль
Кельтский стиль
Ирландский стиль
Скандинавский стиль
Мексиканский стиль
Японский стиль
Похожие статьи
Март 23, 2014 adminworlds-interior.ru
: Хроники конкурсов :: Статьи
В преддверии итогов всероссийского конкурса на разработку эскизов объекта архитектурно-художественного завершения главного фасада административного здания компании «Лукойл» Портал «Архсовет Москвы» подготовил небольшой очерк о двух персоналиях, знаковых для современной монументалистики.
Генри Мур: краеугольные камни
По словам известного историка искусства Валерия Турчина, на всем протяжении XX века «желание „населить“ пространства знаками, утверждающими Бытие, материализованными лозунгами и подобиями самих себя побеждало любые сомнения в целесообразности, а вопрос о затратах (ибо это „дорогое“ искусство) не стоял». Особое место в истории монументальной скульптуры ушедшего столетия занимают работы знаменитого британца Генри Мура. Как писал сам художник еще в 1951 году, «сегодня стало очевидным, что отсутствие скульптуры обеднило архитектуру». По мнению Мура, в идеале «произведение искусства должно быть центром, вокруг которого должна кружиться вся гармония сооружения».
Именно тогда, в середине столетия, мастер задумал и осуществил декоративную композицию из бронзы для здания компании Time/Life (1952) в Лондоне (Time-Life Screen: Working Model 1952). Четырехфигурная «просвечивающая» балюстрада открывается для обозрения с одной из центральных улиц Лондона. В ее основу положены изобразительные мотивы, вызывающие в памяти искушенного зрителя ассоциации с памятниками искусства доколумбовой Центральной Америки. Рельеф, апеллирующий к культуре древних цивилизаций, оживляет сугубо деловой облик здания издательства, явно намекая, что его обитатели претендуют на место в истории — по меньшей мере, в качестве заказчиков произведений высокого искусства.
Еще один пример муровского арт-объекта, внедренного непосредственно в структуру архитектурного сооружения — выполненный в 1955 году рельеф из кирпича для здания Королевского института нидерландских архитекторов в Роттердаме (Rotterdam Bouwcentrum building). Здесь тоже присутствует стилизация на тему художественного наследия древних цивилизаций, но в соответствии с функцией постройки она гораздо более однозначна и очевидна.
Одно из самых значительных детищ этого выдающегося скульптора — «Лежащая фигура», установленная в 1958 году перед зданием ЮНЕСКО в Париже. Созданная наподобие глыбы песчаника, обтесанной морскими волнами и ветром, она всем своим видом контрастирует с рационально-геометрическим остекленным фасадом штаб-квартиры международной организации. Изначально скульптора просили сделать фигуру из бронзы. Однако в темное время суток на фоне темного остекленного фасада ее было бы практически не видно, и Мур выбрал светлый травертин из Каррары. Этим же камнем облицована и часть фасада здания ЮНЕСКО. Арт-объект располагается на постаменте, на фоне невысокой каменной стенки, напоминающей кладку средневековых средиземноморских построек. Даже для если не знать, что прообраз фигуры скрыт в древнемексиканской мифологии, она все равно вызывает целую гамму ассоциаций на тему единства природы, истории и культуры, рождающих многозначный художественный образ.
Фрэнк Гери и партнеры: воплощенные фантазии
Настоящая популярность пришла к этому мастеру к пятидесяти годам. Сначала, в 1978 году, он привлек внимание профессионалов необычной деструктивистской перестройкой собственного дома под Лос-Анджелесом. В 1984-м Ф.Гери строит аэрокосмический павильон Калифорнийского музея науки и промышленности. Стены и объемы здания наклонены под разными углами и создают эффект экспрессивного разнонаправленного движения. Активный участник этого архитектурного «авангардно-хореографического» действа — натуралистически воспроизведенный реактивный истребитель F-104, закрепленный на консоли главного фасада.
Творческий эксперимент прошел успешно: архитектор начинает получать заказы из самых, казалось бы, неожиданных мест. В 1987 году ему довелось руководить реализацией своего проекта в японском городе Кобо. Возведенный там рыбный ресторан состоит из двух контрастных объемов — привычной глазу остекленной модернистской призмы и взметнувшейся ввысь гигантской изогнутой фигуры рыбы, готовой одним мгновенным движением разнести в дребезги человеческое творение. Еще два года спустя именно за подобные пластические композиции или, как тогда стали говорить, образы скульптурной архитектуры, Фрэнк Гери получает Притцкеровскую премию. Выступая на церемонии вручения престижной награды, мастер говорил об использовании элементов фигуративного искусства в качестве средства и побуждающего импульса для достижения эффекта непосредственности архитектурных форм.
В 1991 году Гери строит офисный комплекс рекламной фирмы «Чат Дай» (Chiat Day) в Калифорнийской Венеции. Основное здание выглядит как коллаж из разнохарактерных по структуре и по колористике объемов, один из которых, выступающий на первый план, скомпонован по-деконструктивистски, а на взгляд неподготовленного зрителя — просто сумасбродно. По контрасту с ним, высящийся в центре композиции гигантский бинокль (авторство этого арт-объекта принадлежит скульптору Клаусу Ольденбургу) убедительно архитектоничен. Гигантский оптический прибор, в чреве которого разместились служебные помещения рекламной фирмы, стал ее товарным знаком, а офисный комплекс в целом — наглядным визуальным символом креативного духа, столь необходимого в работе рекламщиков.
Настоящей мировой архитектурной столицей тех лет была стремительно обновлявшаяся в канун Олимпийских игр 1992 года Барселона. Неутомимый архитектор из Лос-Анджелеса оказался востребован и там. Гери вновь берется за создание огромной скульптуры рыбы. На этот раз мастер задумывает и реализует арт-объект в чистом виде, без «заселения» его интерьера. Замысловатые криволинейные изгибы морского чудовища впервые вычерчивались с использованием французской компьютерной программы, применяемой в самолетостроении. Дирижаблеподобное «существо», перекликающееся с образами Сальвадора Дали, возвышается на тонких металлических опорах на кровле торгового центр в барселонском порту. В результате довольно традиционное по форме здание (также проект Гэри) вырастает как в своих физических размерах, так и в архитектурной значимости. Такой архитектурный ансамбль просто обречен стать приманкой для туристов и «камнем преткновения» — для искусствоведческих дискуссий.
Свое наиболее знаменитое на сегодняшний день произведение Фрэнк Гери тоже возводит в 1990‑х годах, и тоже в Испании. Проектируя Музей Гуггенхайма в Бильбао, он не смог обойтись без уже традиционных для его творчества арт-объектов. На этот раз Гери привлекает к сотрудничеству скульпторов. Гигантский металлический паук перед фасадом здания, спроектированный Луизой Буржуа, шаржирует структуру здания и в очередной раз создает аллюзии, связанные с именем все того же Сальвадора Дали.
Пародийно-устрашающая фигура насекомого-монстра резко контрастирует со столь же огромным, но излучающим добродушие «Щенком» работы Джефа Кунса. 13 щенок, от морды до хвоста сплошь покрытый цветами, явно настраивает посетителей музея на самый позитивный лад.
Следующим «остановочным пунктом» на пути мастера вполне предсказуемо и закономерно оказывается Берлин, превратившийся ближе к рубежу тысячелетий в новую архитектурную Мекку. Фрэнк Гери выигрывает конкурс на проектирование здания DG Банка на Паризерплац по соседству с Бранденбургскими воротами. Жесткие строительные регламенты Ханса Штимманна обязывали всех без исключения архитекторов воссоздавать утраченную историческую объемно-планировочную структуру центра немецкой столицы. По-настоящему дать волю буйству фантазии «кудесник» из Калифорнии мог только в интерьере. Этой возможностью он и воспользовался. Очередным сенсационным арт-объектом мастера становится размещенный в многосветном пространстве центрального холла скульптурообразный объем конференц-зала, окрещенный журналистами «лошадиным черепом». Как выяснилось, можно строить и так. Пример берлинских финансистов явно подстегнул многие крупные корпорации в разных частях планеты включиться в своеобразное соревнование за право считаться лучшими архитектурными меценатами и культуртрегерами. Почин DG Банка и его предшественников подхвачен ныне «Лукойлом». О том, что получилось у участников завершившегося в Москве конкурса, мы расскажем в самое ближайшее время.
archsovet.msk.ru