Архитектура италии 17 века: Архитектура Италии 17 века | История архитектуры

Опубликовано автором

Содержание

Итальянская архитектура 17 века

Архитектура барокко служила утверждению идей католицизма и абсолютизма, но в ней нашли отражение прогрессивные тенденции архитектуры, которые выявились в планировке городов, площадей, зданий, рассчитанных на массы народа. Блестящим центром барочной архитектуры стал католический Рим. Истоки барокко были заложены в позднем творчестве Виньолы, Палладио и особенно Микеланджело.

Архитекторы барокко не вводят новые типы зданий, но находят для старых типов построек – церквей, палаццо, вилл – новые конструктивные, композиционные и декоративные приемы, которые в корне меняют форму и содержание архитектурного образа. Они стремятся к динамичному пространственному решению, к трактовке объемов живописными массами, применяют сложные планы с преобладанием криволинейных очертаний. Они разрушают тектоническую связь между интерьером и фасадом здания, повышая эстетическое и декоративное воздействие последнего. Свободно используя античные ордерные формы, они усиливают пластичность и живописность общего, решения.

Особое внимание уделяется разработке типа храма, в котором уже с конца 16 века нарастают черты барокко. Сложен но построению пронизанный движением фасад церкви иезуитского ордена – Иль Джезу (1568–1584, Джакомо Виньола; фасад – с 1575 года, Джакомо делла Порта). Неравномерное вертикальное членение стен сдвоенными пилястрами усиливает их пластичность, а концентрация ордерных элементов к центру подчеркивает направление движения. Полукруглый фронтон, вынесенный над входным порталом первого этажа, и мощные декоративные волюты второго этажа связывают оба этажа, вызывая впечатление целостности фасада, динамичности и повышенной эмоциональности.

Активизируется и внутреннее пространство храма, расширяется и выделяется центральный неф. Мощные профилированные карнизы, уводящие взгляд вглубь, создают движение к алтарю и центральному куполу. В 17 веке архитектурные формы становятся еще динамичнее и напряженнее.

История зарубежного искусства ►

Итальянское Искусство 17 Века. Архитектура. Стиль барокко в архитектуре.

Монументальная архитектура Италии 17 века удовлетворяла почти исключительно запросы католической церкви и высшей светской аристократии. В этот период строятся главным образом церковные сооружения, дворцы и загородные виллы.
Тяжелое экономическое положение Италии не давало возможности возводить очень крупные сооружения. Вместе с тем церковь и высшая аристократия нуждались в укреплении своего престижа, своего влияния. Отсюда — стремление к необычным, экстравагантным, парадным и острым архитектурным решениям, стремление к повышенной декоративности и звучности форм.
Строительство импозантных, хотя и не столь крупных сооружений способствовало созданию иллюзии социального и политического благополучия государства.
Барокко достигает наибольшего напряжения и экспрессии в культовых, церковных сооружениях; его архитектурные формы как нельзя лучше отвечали религиозным принципам и обрядной стороне воинствующего католицизма. Строительством многочисленных церквей католическая церковь стремилась укрепить и усилить свой престиж и влияние в стране.
Стиль барокко, вырабатывавшийся в архитектуре этого времени, характеризуется, с одной стороны, стремлением к монументальности, с другой — преобладанием декоративного и живописного начала над тектоническим.
Подобно произведениям изобразительного искусства, памятники архитектуры барокко (особенно церковные сооружения) рассчитаны были на усиление эмоционального воздействия на зрителя. Рациональное начало, лежавшее в основе искусства и архитектуры Ренессанса, уступило свое место началу иррациональному, статичность, спокойствие — динамике, напряжению.
Барокко — стиль контрастов и неравномерного распределения композиционных элементов. Особое значение в нем получают крупные и сочные криволинейные, дугообразные формы. Для сооружений барокко характерны — фронтальность, фасадность построения. Здания воспринимаются во многих случаях с одной стороны — со стороны главного фасада, нередко заслоняющего объем сооружения.
Барокко уделяет большое внимание архитектурным ансамблям — городским и парковым, однако ансамбли этого времени основаны на иных началах, чем ансамбли Ренессанса. Барочные ансамбли Италии строятся на декоративных принципах. Для них характерны изолированность, сравнительная независимость от общей системы планировки городской территории. Примером может служить самый крупный ансамбль Рима — площадь перед собором св. Петра.
Колоннады и декоративные стенки, замыкающие пространство перед входом в собор, прикрыли беспорядочную, случайную застройку, находящуюся за ними. Между площадью и примыкающей к ней сложной сетью проулков и случайных домов нет связи. Отдельные здания, входящие в состав барочных ансамблей, как бы утрачивают свою самостоятельность, всецело подчиняясь общему композиционному замыслу.
Барокко по-новому поставило проблему синтеза искусств. Скульптура и живопись, играющие в зданиях этого времени очень большую роль, переплетаясь между собой и нередко заслоняя или иллюзорно деформируя архитектурные формы, способствуют созданию того впечатления насыщенности, пышности и великолепия, которое неизменно производят памятники барокко.
Огромное значение для формирования нового стиля имело творчество Микеланджело. В своих произведениях он разработал ряд форм и приемов, которые были использованы позже в архитектуре барокко. Архитектор Виньола также может быть охарактеризован как один из непосредственных предшественников барокко; в его произведениях можно отметить целый ряд ранних признаков этого стиля.
Новый стиль — стиль барокко в архитектуре Италии — приходит на смену Ренессансу в 80-х годах 16 века и развивается на протяжении всего 17 и первой половины 18 столетия.
Условно, в пределах архитектуры этого времени, могут быть выделены три этапа: раннее барокко — с 1580-х до конца 1620-х годов, высокое, или зрелое, барокко — до конца 17 века и позднее — первая половина 18 века.

<<< Итальянское Искусство 17 Века. Италия в 17 веке

Итальянское Искусство 17 Века. Архитектура. Раннее барокко. >>>

Иллюстрации к разделу >>>

Искусство барокко в Италии 17 век

В XVII веке Италия не являлась уже той передовой страной, какой она была в эпоху Возрождения. Страна оказалась раздроблена на мелкие княжества, охваченные постоянными междоусобицами, захваченные иноземным господством. Оставшись в результате великих географических открытий в стороне от основных экономических центров, Италия в XVII веке переживает глубокий кризис. Однако уровень, ее можно сказать градус, художественной жизни, напряженной духовной работы нации, тонус культуры далеко не всегда зависят от уровня экономического и политического развития. Часто каким-то необъяснимым образом в жестоких, самых непригодных условиях, на самой каменистой, неблагоприятной почве расцветает прекрасный цветок высокой культуры и потрясающего по высоте искусства. Так получилось и в Италии в конце XVI – начале XVII столетия, когда Рим, опираясь на многовековую культурную традицию, на 30–40 лет раньше других европейских стран отреагировал на изменения исторической эпохи, на новые проблемы, которая новая эпоха поставила перед европейской культурой. На короткий период времени Италия возрождает свое влияние на художественную жизнь континента, именно здесь появляются первые произведения нового барочного стиля. Здесь формируется его характер и дух. Барокко в Италии стало логическим продолжением достижений искусства предшествующих эпох, например позднего творчества Микеланджело или итальянской архитектуры последней четверти XVI века. Принципы барочного искусства раньше всего формируются в архитектуре Рима, который был центром развития архитектурной мысли рубежа столетий и притягивал огромное количество мастеров из разных стран.

Образ церкви Иль-Джезу оказался настолько актуальным, близким духу эпохи, и отражающим новые черты мировоззрения, что он стал прототипом для многих католических церквей Италии, а также и всей Европы.

Церковь Иль-Джезу

Примером может служить церковь в Санта-Сусанна, построенная на самом рубеже столетий архитектором Карлом Модерной. Её фасад несколько более компактный чем в Иль-Джезу, все формы и детали объединены общим устремленным вверх ритмом, который не прерывается разделяющим ярусы антаблементом. Наоборот, фронтом первого этажа словно повторяется в энергичном взлете главного фронтона. Ритм, начинающийся у подножия колон первого яруса, активно подхватывается ритмом пилястров второго этажа. Это объединение всего фасада в едином энергичном ритме подчеркивается повторением элементов ордера в различном масштабе, а также двумя волютами ставшими знаковыми деталями эпохи. Богатство фасада усиливается благодаря активной пластике коринфских капителей, расцветающих пышными листьями аканфы и цветами. Благодаря объемным картушам и рельефам, а также благодаря статуями размещенным в нишах фасада пластика его усиливается.

                                                  Санта-Сусанна

Все эти детали, их сложное динамическое взаимодействие, напряжение поверхностей и контрасты светотени усиливают декоративную выразительность фасада. Стена превращается в единую архитектурную массу наделенную пластичностью и динамикой, и словно подчиненную законам органического бытия. Мы не случайно сейчас так подробно останавливаемся на анализе архитектуры этих памятников барочного зодчества. В них уже во всей полноте выкристаллизуются характерные черты, детали, которые будут развиваться в европейской архитектуре XVIIстолетия, проявляясь в большей или меньшей степени в разных национальных школах. Ключевым памятником этой эпохи с одной стороны подводящим итоги предшествующего развития, а с другой стороны открывающим начало нового постренессансного этапа является церковь Иль-Джезу, построенная по проекту Виньолы в 1568 г. Сама яркая часть церкви – фасад был завершен через 10 лет по проекту архитектора Джакома делла Порта (Рис. 1). Базиликальный план церкви несколько изменен в соответствии с нуждами и потребностями католического богослужения. Центральный неф с господствующим над ним полукупольным пространством и акцентированной алтарной частью обрамлен по сторонам небольшими капеллами, в которые превращены боковые нефы. Подобные членения внутреннего пространства никак не отражается на экстерьере храма, на организации его фасада, на котором сосредоточены все средства архитектурного оформления и декора. Два яруса фасада объединены огромными волютами, одними из излюбленных элементов архитектуры барокко. Ордер на фасаде не является отражением внутреннего членения интерьера. Он скорее просто ритмически организует стену – насыщается ее ритмами и внутренней энергией. Эту сдержанную насыщенную энергию придает и полукруглый фронтон над центральным порталом, напоминающий своим очертаниями изогнутый, приготовившийся к выстрелу, к распрямлению, лук, также полукружья в обрамлении окон.

Характерную рассмотренную нами храмом пластику, активность, динамичность фасада мы увидим в еще более выраженном варианте в других произведениях итальянской барочной храмовой архитектуры XVII века, например в церкви Сант-Иньяцио, построенной в середине XVII века архитектором Аллегради, в церкви Сант-Аньезе середины века и церкви Санта Мария ин Компителли архитекторов Карло Райнальди и Борромини. Особенно хотелось бы отметить пространственную активность барочной архитектуры и её связь с окружающим пространством площади, улицы, города. 

                                                                                                Сант-Иньяцио

                                                                                                Сант-Аньезе

                                                                                    Санта Мария ин Компителли 

Кроме выразительности пластики самого фасада большую роль в общении здания с окружающей средой играет лестница, как например лестница восточного фасада церкви Санта Мария Маджоре, построенного в 1673 г. уже упоминавшимся нами архитектором Карло Райнальди. Эта знаменитая лестница, тремя уступами поднимающаяся к стенам храма, словно продолжает полукруглый выступ восточной апсиды вовне, соединяет здание с окружающим ее пространством.

                                   


                                                                                             Санта Мария Маджоре

Подробные полукруглые, изогнутые, упругие формы были любимы барочной архитектурой, близки её активно транслирующему себя вовне ритму, как например, в церкви Санта-Мария-делла-Паче, середины XVII века архитектора Пьетро де Кортона, где нижний ярус фасада упругой дугой выгибается во внешнее пространство улицы, портик приобретает полукруглые в плане очертания.

                                      

                                                                                     Санта Мария де ла Паче.

Эта энергичная дуга повторяется и в большом центральном окне второго этажа, и в полукруглом фронтоне, вписанном во фронтон треугольный венчающий здание. Еще одной знаменитой лестницей в архитектуре барокко является королевская лестница или так называемая «скала реджиа» построенная Лоренцо Бернини в 1663–1666 г., она соединяет собор св. Петра и ватиканский дворец. В этом сооружении Бернини прибегает к перспективному трюку, к игре в целом характерной барочной архитектуре. По мере удаления от нижней площадки лестница сужается, а колонны, размещенные на ее ступенях, сближаются и уменьшаются по высоте. Различную высоту получили и сами ступени. Все это создает особый эффект. Лестница кажется гораздо выше, чем она есть на самом деле.

Она создает впечатление огромного масштаба и большой протяженности, что в свою очередь, делает особенно эффектным выход папы, его появление в соборе во время богослужения.


Застроенный в форме в своем самом предельном выражении барочные принципы воплотились в работах архитектора Франческо Борромини. В произведениях этого мастера экспрессия форм достигает своей максимальной силы, а пластика стены приобретает почти скульптурную активность. Прекрасной иллюстрацией этих слов может быть фасад церкви Сан-Карло-алле-Куатро-Фонтане в Риме, построенный в 1634–1667 гг. Этот храм расположен на углу двух улиц сходящихся к площади четырех фонтанов, и при этом Борромини главный фасад церкви выносит не на площадь, а поворачивает его на одну из узких улочек.

                                              


                                                                                Сан-Карло-алле-Куатро-Фонтане

Этот прием создает очень интересную точку зрения на церковь, по диагонали, сбоку, с усиленной игрой светотени. Кроме того, такое расположение фасада по отношению к внутреннему пространству здания совершенно запутывает зрителя. Экстерьер ничего не говорит об интерьере, он существует как бы сам по себе, независимо от организации внутреннего пространства. Это является значительным изменением в архитектуреXVII века. В отличие от архитектуры эпохи Возрождения, где конструкция здания всегда ясно и четко читалась. Конструктивную роль в барочной архитектуре перестает играть и ордер. Он становится только декоративной деталью, служащей выразительности архитектурного облика здания. Это ясно видно на примере фасада церкви Сан-Карло-алле-Куатро-Фонтане, где ордер теряет логику архитектоники. И в первом и во втором ярусе фасада мы видим круглые колонны, вместо традиционных пилястров во втором этаже. В этом фасаде мы фактически не видим стены, она вся заполнена различными декоративными элементами. Стена растворяется, словно вся играет волнами, то выступая круглыми колоннами-выступами, то изгибаясь, словно углубляясь вовнутрь полукруглыми, прямоугольными нишами-окнами. Антаблементы изгибаются то внутрь, то наружу, членения не получают завершения, антаблемент второго этажа разорван в центре, куда помещен овальный картуш, который поддерживают два летящих ангела. Усложненная динамика фасадов и напряженная пластика экстерьеров церквей Борромини получает продолжение в интерьерах его храмов, например в церкви Сант-Иво 1642–1660 гг. В плане представляющая собой прямоугольник, где между треугольными выступами стен чередуются различные по форме ниши. Кажется, что интерьер лишен внутренней логики, он не симметричен, порывист и устремлен вверх, где его венчает сложный по форме звездчатый купол.
                                                                  

                                     

                                                                                                                     Сант-Иво

Купола барочных церквей обычно имели сложную архитектурно-декоративную проработку, сочетая в себе разнообразные по форме и размерам кессоны, скульптурную отделку, что усиливало впечатление движения и взлета форм. Такой синтез искусств, свойственный барокко, где архитектура, скульптура и живопись служат единой цели выразительности произведения, мы увидим в лучших произведениях барочного зодчества. Замечательные памятники светской архитектуры – палаццо, дворцы знати, городские и загородные резиденции, виллы были созданы в Италии архитекторами барокко.


Пожалуй самым ярким примером подобного сооружения может быть палаццо Барберини в Риме 1625–1663 гг., в строительстве которого принимали участие лучшие архитекторы Италии XVII столетия Карло Модерно, Лоренцо Бернини, Франческо Борромини, Пьетро де Кортона. Внешняя и внутренняя планировка дворца по барочному пространственны. Со стороны улицы выдвинутые крылья образуют парадный двор перед главным фасадом палаццо, который решен в лучших сдержанных традициях барочной архитектуры. В интерьере благодаря анфиладному построению пространства, оно открывается перед зрителем постепенно, словно торжественные сцены в театральном представлении.Барокко наследует у предшествующих эпох типологию загородной виллы, резиденции знати, которая превращается в цельный барочный ансамбль с террасным парком на склоне холма связанный лестницами и пандусами. Любимая барокко динамика выражается и в частом использовании в ансамблях текучих поверхностей воды – каскадов, водоемов, гротов, фонтанов, в сочетании со скульптурными малыми архитектурными формами, с естественной и стриженой зеленью. Например это вилла Альдобрандини во Фоскатти, архитекторов Джакома дела Порта и Карло Модерно. 

                                                                  Вилла Альдобрандини

                                      

                                                                                                            Вилла Боргезе

Вилла Памфили созданная в середине XVII века зодчим Алегарди, и вилла Боргезе возведенная в первой половине XVII века архитектором Вазанцио Фрими. Такой ансамблевый характер барочной архитектуры оказался очень востребованным и необходимым в XVII веке, когда начинают перестраиваться средневековые города, когда возникают проекты перепланировки отдельных частей городских пространств. Так например по плану Доменико Фонтано главный въезд в Рим с севера был связан с наиболее значительными ансамблями города. От Пьяцаа дель Пополло радиально расходились три прямые улицы, а пространство площади объединялось двумя одинаковыми симметрично поставленными на углах купольными церквями архитектора Райнальди, а также обелисками и фонтанами. Впервые появившаяся в Италии подробная трехлучевая система планировки города станет популярной в Европе XVII–XVIIIвеков. Мы можем видеть её воплощение даже в планировке Петербурга.

Лучшим архитектурным ансамблем Италии XVII века не случайно признается площадь свято Петра в Риме , спроектированная Лоренцо Бернини в 1657–1663 гг.

                        

                                        

                                                                                                               Площадь св. Петра

В этом проекте архитектор решал сразу несколько задач. Во-первых, это создание торжественного подхода к собору – главному храму католического мира, а также оформление пространства перед ним, предназначавшегося для религиозных церемоний и торжеств. Во-вторых, это достижение впечатления композиционного единства собора, здания строившегося на протяжении двух столетий разными архитекторами разных стилей. И Бернини блестяще справляется с обеими задачами. От фасада, построенного в начале XVIIвека архитектором Карло Модерной, отходят две галереи затем переходящие в колоннаду, которая по выражению Бернини «словно раскрытые объятия обхватывает площадь». Колоннада становится словно продолжением фасада Модерны разрабатывая его мотивы. В центре огромной площади стоит обелиск, а фонтаны по сторонам от неё фиксируют её поперечную ось. При движении через площадь зритель воспринимает собор как сменяющуюся череду видов и ракурсов в сложном движении и развитии впечатлений. Фасад же вырастает перед зрителем в момент непосредственного приближения к нему, когда он оказывается перед трапециевидной площадью перед самим фасадом собора. Таким образом ошеломляющая грандиозность собора подготавливается постепенным нарастанием динамики движения при движении через площадь.


Позднебарочная архитектура в Италии не дала подобных памятников равноценных произведениям раннего и зрелого барокко по своему художественному качеству и высоте стиля. Архитекторы последней трети XVII века начала XVIII варьируют во множестве вариантов приемы барочного зодчества, часто утрируя формы, перегружая, чрезмерно усложняя пластику и ритмы. Одним из лучших образцов позднее барочной архитектуры является творчество архитектора Гварино Гварини, работавшего главным образом на севере Италии. Церковь Сан-Лоренцо в Турине, которая поражает вычурностью и избыточностью своих форм является одним из типичнейших его произведений.

                                                        

                                                                                  

                                                                                                      Сант Лоренцо в Турине.

Архитектура барокко в Италии создала потрясающие произведения оказавшие огромное влияние на всю европейскую культуру XVII века.

1. Рождение барокко в Италии XVII столетия

1. Рождение барокко в Италии XVII столетия

В XVII веке в архитектуре Италии доминировал стиль барокко, отличавшийся на раннем этапе своего развития строгостью и простотой, но со временем склонявшийся к пышности и изяществу форм. Первыми представителями этого стиля были архитекторы, работавшие в самом начале столетия.

Контраст между напыщенным тщеславием и естественной простотой, всюду выступающий в искусстве XVII века, по преимуществу в местных формах, отражает борьбу высших духовных сил, охватившую все столетие. Подняла голову более, чем когда-либо, страстная и возлюбившая пышность церковь, но и новое евангельское исповедание, закаленное кровавой борьбой, еще глубже, чем раньше, пустило корни в тех странах, которые к нему обратились. И если на пороге столетия (1600) еще пылал костер великого мыслителя Джордано Бруно, то во второй половине этого периода (1673) творец пантеистического миросозерцания, Борух Спиноза, уже был почтен приглашением, правда, безрезультатным, в Гейдельбергский университет. Именно в пластических искусствах эта противоположность направлений всюду ясно обнаруживается. Наряду со всемогущим движением барокко выступает во всех областях искусства едва ли менее мощное натуралистическое течение, часто смешиваясь с первым. Но, само собой разумеется, стиль барокко с его движением масс, его внешней страстностью, его переводом обычного языка форм на формы опьяняющей роскоши, процветал главным образом в странах старой веры, помогших ей с новым порывом достигнуть неслыханного, хотя часто довольно поверхностного блеска, следовательно, главным образом в самой Италии, а возврат к природе с наибольшей решительностью осуществился в странах, добивавшихся государственной и церковной свободы, т. е. главным образом в Голландии.

Именно в итальянском зодчестве процветал в течение XVII столетия настоящий стиль барокко, развитие которого из римского ренессанса XVI века, равно как и первые главные шаги в работах Микеланджело, Виньолы, Джакомо делла Порта и Доменико Фонтана мы уже проследили. Внешняя грандиозность, страстное, изобилующее контрастами движение и стремление к увлекающим впечатлениям итальянского зодчества — те же в итальянской живописи и в скульптуре. Которое из трех искусств первое вступило на этот путь, нелегко сказать. С первого взгляда кажется, будто впереди шло зодчество, подвижная, часто фальшивая массивность которого во многих отдельных случаях вызывала развитие подобных же черт в алтарных изображениях, плафонной живописи и пластических произведениях, рассчитанных на впечатление издали в этих великолепных зданиях. Продолжая чтить в Микеланджело подлинного «отца барокко», мы признаем тем не менее, что стиль барокко возник прежде всего из внутреннего стремления времени придавать человеческому телу в изобразительных искусствах все большую внушительность, все более намеренное движение. В действительности одно и то же течение времени, руководимое великими мастерами, одновременно направляет все три искусства одинаковыми путями.

В Риме, настоящей родине барокко, грандиозный, благородный, строгий ранний барокко, которому следует XVII век, в дальнейшем развитии постепенно уделяет место более радостным и легким формам. Границей его и Вельфлин считает 1630 г. Столбы и пилястры около этого времени снова начинают замещаться колоннами, которые сначала появляются на фасадах, выступая из стены лишь наполовину или на четверть, но затем быстро и свободно овладевают внутренностью. Величавое единство постройки, придающее ей пластичность, уступает место живописным делениям пространства с перспективными просветами и сокращениями. Мощные, простые фасады дворцов снова приобретают более богатое декоративное расчленение. Даже церковная центральная постройка, в раннем барокко уступившая место совершенно прямоугольному или овальному продолговатому зданию, снова возрождается. Но только теперь, после робких более ранних попыток, вертикальные стены, изогнутые внутрь и наружу, тоже приобретают подвижность форм, и любовь к пышности уже соединяется здесь местами с игривой прелестью, подготовляющей стиль рококо.

Итальянское Искусство 17 Века. Италия в 17 веке

Уже с середины 16 века историческое развитие Италии характеризуется наступлением и победой феодально-католической реакции. Экономически слабая, раздробленная на отдельные самостоятельные государства, Италия оказывается не в силах противостоять натиску более могущественных стран — Франции и Испании. Длительная борьба этих государств за господство в Италии закончилась победой Испании, закрепленной мирным договором в Като-Камбрези (1559). С этого времени судьба Италии оказывается тесно связанной с Испанией. За исключением Венеции, Генуи, Пьемонта и Папской области, Италия в течение почти двух столетий была фактически на положении испанской провинции. Испания вовлекала Италию в разорительные войны, которые часто шли на территории итальянских государств, содействовала распространению и укреплению в Италии феодальной реакции как в экономике, так и в культурной жизни. Господствующее положение в общественной жизни Италчи занимали аристократия и высшее католическое духовенство. В условиях глубокого экономического упадка страны лишь крупные светские и церковные феодалы еще располагали значительными материальными богатствами. Итальянский народ — крестьяне и горожане — находился в крайне тяжелом положении, был обречен на нищету и даже на вымирание. Протест против феодального и иноземного гнета находит выражение в многочисленных народных восстаниях, вспыхивавших на протяжении 17 века и принимавших порой грозный размах, как, например, восстание Мазаньелло в Неаполе. Общий характер культуры и искусства Италии в 17 веке был обусловлен всеми особенностями ее исторического развития. Именно в Италии зарождается и получает наибольшее развитие искусство барокко. Однако, будучи господствующим в итальянском искусстве 17 века, это направление не было единственным. Кроме него и параллельно с ним развиваются реалистические течения, связанные с идеологией демократических слоев итальянского общества и получающие значительное развитие во многих художественных центрах Италии

Итальянское Искусство 17 Века. Архитектура. Стиль барокко в архитектуре

Монументальная архитектура Италии 17 века удовлетворяла почти исключительно запросы католической церкви и высшей светской аристократии. В этот период строятся главным образом церковные сооружения, дворцы и загородные виллы Тяжелое экономическое положение Италии не давало возможности возводить очень крупные сооружения. Вместе с тем церковь и высшая аристократия нуждались в укреплении своего престижа, своего влияния. Отсюда — стремление к необычным, экстравагантным, парадным и острым архитектурным решениям, стремление к повышенной декоративности и звучности форм Строительство импозантных, хотя и не столь крупных сооружений способствовало созданию иллюзии социального и политического благополучия государства. Барокко достигает наибольшего напряжения и экспрессии в культовых, церковных сооружениях; его архитектурные формы как нельзя лучше отвечали религиозным принципам и обрядной стороне воинствующего католицизма. Строительством многочисленных церквей католическая церковь стремилась укрепить и усилить свой престиж и влияние в стране Стиль барокко, вырабатывавшийся в архитектуре этого времени, характеризуется, с одной стороны, стремлением к монументальности, с другой — преобладанием декоративного и живописного начала над тектоническим Подобно произведениям изобразительного искусства, памятники архитектуры барокко (особенно церковные сооружения) рассчитаны были на усиление эмоционального воздействия на зрителя. Рациональное начало, лежавшее в основе искусства и архитектуры Ренессанса, уступило свое место началу иррациональному, статичность, спокойствие — динамике, напряжению. Барокко — стиль контрастов и неравномерного распределения композиционных элементов. Особое значение в нем получают крупные и сочные криволинейные, дугообразные формы. Для сооружений барокко характерны — фронтальность, фасадность построения. Здания воспринимаются во многих случаях с одной стороны — со стороны главного фасада, нередко заслоняющего объем сооружения. Барокко уделяет большое внимание архитектурным ансамблям — городским и парковым, однако ансамбли этого времени основаны на иных началах, чем ансамбли Ренессанса. Барочные ансамбли Италии строятся на декоративных принципах. Для них характерны изолированность, сравнительная независимость от общей системы планировки городской территории. Примером может служить самый крупный ансамбль Рима — площадь перед собором св. Петра. Колоннады и декоративные стенки, замыкающие пространство перед входом в собор, прикрыли беспорядочную, случайную застройку, находящуюся за ними. Между площадью и примыкающей к ней сложной сетью проулков и случайных домов нет связи. Отдельные здания, входящие в состав барочных ансамблей, как бы утрачивают свою самостоятельность, всецело подчиняясь общему композиционному замыслу. Барокко по-новому поставило проблему синтеза искусств. Скульптура и живопись, играющие в зданиях этого времени очень большую роль, переплетаясь между собой и нередко заслоняя или иллюзорно деформируя архитектурные формы, способствуют созданию того впечатления насыщенности, пышности и великолепия, которое неизменно производят памятники барокко. Огромное значение для формирования нового стиля имело творчество Микеланджело. В своих произведениях он разработал ряд форм и приемов, которые были использованы позже в архитектуре барокко. Архитектор Виньола также может быть охарактеризован как один из непосредственных предшественников барокко; в его произведениях можно отметить целый ряд ранних признаков этого стиля. Новый стиль — стиль барокко в архитектуре Италии — приходит на смену Ренессансу в 80-х годах 16 века и развивается на протяжении всего 17 и первой половины 18 столетия. Условно, в пределах архитектуры этого времени, могут быть выделены три этапа: раннее барокко — с 1580-х до конца 1620-х годов, высокое, или зрелое, барокко — до конца 17 века и позднее — первая половина 18 века.

в архитектуре, искусстве, живописи, музыке, литературе

В конце XVI века в Риме (Roma) начинается новая культурная эпоха, которую часто ограничивают понятием «художественный стиль». Сменив Поздний Ренессанс, Барокко (barocco) в Италии охватывает период конца XVI − начала XVIII века.

Разнообразие жанров, региональных школ, объединений художников мешают искусствоведам правильно оценить эпоху. Сторонники стиля считают, что грандиозная пластика стремится к красоте, продолжает традиции Возрождения и маньеризма.

Противники уверены, что барокко − безвкусица, кризисная стадия развития художественного творчества. Эмануэле Тезауро (Emanuele Tesauro) знал подход к решению проблемы. Итальянский философ XVII века утверждал: чтобы понять искусство барокко требуется «острый ум», особый способ мышления: способность воспринимать метафоры и аллегорию, умение быстро проникать в суть идей Мастера.

Значение термина

Ни одно происхождение названия стилей в истории искусства не вызывает столько споров, сколько «барокко». Впервые термин употребили в XVIII веке Иоганн Иоахим Викельман (Johann Joachim Winckelmann) и Франческо Милициа (Francesco Milicia). Историки искусства вкладывали в эпитет «барочный» негативный смысл и применяли к творчеству, противоречащему правилам эстетики классицизма.

В списке представлены примеры толкований термина:

  • Название относится к фигуральному искусству
  • Язвительная насмешка, негативный смысл: нелепый, странный, «с причудой»
  • Barroco (французский язык) – дурной, вычурный, неестественный вкус
  • Perola barroca (португальский) – нестандартная жемчужина без оси вращения (термин ювелиров)
  • Barocco (итальянский) – приём софистики; форма логики, приводящая к абсурду
  • Bis-roca (латынь) – камень скрученной формы. Драгоценный минерал, но с дефектом. Имитация красоты
  • Barocco (итальянский) – термин связан с именем крупнейшего художника раннего барокко
  • Федерико Бароччи (Federico Barocci) – крупнейший итальянский художник и график эпохи позднего маньеризма и раннего барокко.
  • Заимствование из архитектуры центрально-азиатских турок (сельджуков)

Рим – родина барокко

Центром развития нового стиля искусства был Рим. Столица католического мира не утратила опыта Ренессанса. «Отцом» итальянского барокко называют Микеланджело Буонарроти (Michelangelo di Lodovico Buonarroti). Крупнейший мастер Возрождения разработал новые композиционные формы для библиотеки папы Климента VII (1523 − 1534) – архитектурное сооружение считается первообразом всех зданий стиля барокко.

В 1593 году в Риме начинает творческую деятельность реформатор живописи Микеланджело Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio). Изменившиеся политические условия диктуют новые правила поведения. Церковь и аристократия нуждаются в демонстрации могущества. Барокко − стиль, который может их возвысить.

Роль церкви. Контрреформация

Историк классического искусствоведения Джулио Карло Арган (Италия) назвал время итальянского барокко «культурной революцией во славу идеологии католицизма». В ответ на протестантскую Реформацию католики начинают церковно-политическое движение − Контрреформацию.

Главная задача реформы заключалась в обновлении Римско-католической церкви, восстановлении её престижа.

Визуально представить власть и могущество могло только искусство, с помощью которого можно ошеломить, привлечь внимание, заинтересовать. Простым церквям протестантов противопоставляют католические храмы, украшенные богатой позолотой, орнаментом, величественными лестницами. Собор святого Петра (Basilica Sancti Petri) в Ватикане − образец нового стиля. Прототипом для церквей итальянского барокко считают римскую церковь Иль-Джезу (Chiesa del Sacro Nome di Gesu), построенную по дизайну Джакомо да Виньола (Il Vignola).

История развития стиля

Мастера барокко отходят от художественных традиций Ренессанса. Развитие искусства происходит в два периода:

  1. Раннее барокко. Временные рамки: конец XVI − начало XVII века.
  2. Зрелое барокко: 30-е годы XVII − начало XVIII века.

Раннее барокко развивалось неравномерно и зависело от местных особенностей. Черты стиля вырабатываются в архитектуре и живописи. Колыбель Ренессанса − Флоренция (Firenze) − остаётся равнодушной к особенностям нового искусства. Рим (Roma) не жалеет средств на реконструкцию города.

Венеция (Venezia), Турин (Torino), Генуя (Genova) придают архитектурным сооружениям утончённый и праздничный вид. Признанные представители раннего барокко: Джакомо Бароцци да Виньола (Il Vignola, 1507 − 1573), Джакомо делла Порта (Giacomo della Porta, 1533 − 1602), Доменико Фонтана (Domenico Fontana, 1543 − 1607), Микеланджело Меризи да Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio,1571 − 1610).

Зрелое барокко начинается после 1630 года. Доминирующим видом искусства становится скульптура. Период характеризуется усилением пышности архитектуры. Появляются новые формы: украшенные скульптурой фонтаны, гроты, балюстрады. Культовое зодчество позднего барокко представляют опытные мастера: Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini, 1598 − 1680), Гварино Гварини (Guarino Guarini, 1624 − 1683), Карло Райнальди (Carlo Rainaldi, 1611 − 1691).

Особенности стиля

Появление нового художественного стиля нельзя объяснять только влиянием католической церкви. Культурная эпоха связана с крушением идеалов гуманизма, новым пониманием природы Человека, изменением «картины мира» (рубеж XVI-XVII веков). От Ренессанса искусство Барокко унаследовало пышность и основательность, от маньеризма − глубокую эмоциональность и динамичность.
Характерные черты стиля в архитектуре:

  • монументальность;
  • пространственный размах;
  • сложный криволинейный план;
  • использование светотени, колоннад, куполов;
  • массивные парадные лестницы;
  • подчёркнутое величие церкви;
  • великолепие.

Итальянская барочная скульптура

Новые элементы зодчества появляются после слияния архитектуры и скульптуры: статуя атланта (теламон), колонна в виде фигуры женщины (кариатида), скульптурное украшение маскарон, обелиск. Самый известный скульптор периода — Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini). Лучшая работа — скульптурная группа «Экстаз Святой Терезы» (Estasi di santa Teresa d’Avila).
Характерные черты стиля:

  • театральность;
  • изображение группы человеческих фигур в энергичном движении;
  • использование белого мрамора;
  • возможность осматривать статуи с нескольких углов обзора;
  • слияние скульптуры с живописью и архитектурой;
  • изобилие скульптурных фигур на фасадах, в парковых зонах дворцов.

Живопись

Итальянская живопись XVII столетия начинает терять исключительное положение в Европе.
Передовым для эпохи остаётся художественное творчество в архитектуре. Искусствоведы разделяют барочную живопись на три типа: церковную, придворную, буржуазную. Новые жанры используют не только мифологические и религиозные темы. Внимание художников фокусируется на реальной жизни.
Особенности барочной живописи:

  • динамизм композиций;
  • незаурядность сюжетов;
  • драматический конфликт;
  • использование аллегории;
  • контраст цвета, тени, масштабов;
  • парадные портреты, создающие иллюзию эмоционального контакта;
  • пышность форм.

Человек эпохи

Мировосприятие в период барокко меняет ренессансное представление о человеке. Итальянская культура нового времени представляет человека песчинкой в мире великой природы. Бог − это Великий Архитектор. Люди должны учиться у высшего разума.

Барокко в искусстве

Современное искусствоведение рассматривает итальянское барокко как художественную эпоху, начавшую движение западной цивилизации к триумфу.

Архитектура

Первыми, кто представил художественный стиль в начале XVII столетия, были архитекторы. Радикальный представитель итальянского барокко Франческо Борромини (Francesco Borromini) закладывает основы для последующего развития европейской архитектуры. Благодаря Борромини Италию называют родиной архитектурного барокко.

Франческо Борромини (1599 − 1667)

Совместно с Лоренцо Бернини архитектор работал над проектом 29-ти метрового балдахина в соборе святого Петра (Basilica di San Pietro) в Ватикане (Stato della Citta del Vaticano). Витые колонны украшены ветвями лавра. Четыре статуи отцов церкви поддерживают кресло святого Петра. Киворий покрыт бронзой, взятой из Пантеона. Имя резкого, неистового Франческо осталось в тени. Слава досталась его сопернику Лоренцо Бернини.

В историю собора вошла высокая решётка из бронзы для капеллы святого Причастия, выполненная по эскизам Борромини в 1630 году.

Выдающийся архитектор принимал участие в реконструкции кафедрального римского собора Святого Иоанна Крестителя на Латеранском холме (Basilica di San Giovanni in Laterano).

За четыре года работы (1646 − 1650) он обогатил базилику элементами барочной архитектуры, спроектировал ниши главного нефа, сделал эскизы статуй святых и пророков. Автор проектов величественных дворцов руководил строительством палаццо Барберини (Palazzo Barberini, 1629 − 1633) в Риме.

Винтовая лестница в виде улитки, двойные колонны, причудливые детали восхваляли могущество Маффео Барберини (Maffeo Barberini), избранного в 1623 году папой Римским (Урбан VIII).

Филиппо Юварра (1678 − 1736).

Римский зодчий, яркий представитель позднего барокко, Филиппо Юварра (Filippo Juvarra) строил в Италии церкви, палаццо герцогов, проектировал королевский дворец в Испании (Palacio Real de Madrid).

Барочные находки Франческо Борромини вдохновили архитектора на создание в 1732 году купола церкви Сант-Андреа в Мантуе (Basilica di Sant’Andrea). В Турине сооружены дворцовый комплекс палаццо Мадама (Palazzo Madama, 1721), загородная резиденция монархов Савойской династии − стильный охотничий замок Ступиниджи (Palazzina di caccia di Stupinigi). Важнейшие постройки − собор Суперга (Basilica di Superga) и палаццо Бираго ди Боргаро (Palazzo Birago di Borgaro).

Собор Суперга

Строительство пышной католической базилики Суперга началось в 1717 году.

Архитектор барочного стиля Филиппо Юварра воздвиг храм, ставший «соперником колоссального собора святого Петра и Павла в Риме» (М.Н. Загоскин).

Палаццо Бираго ди Боргаро

В 1716 году граф Ренато Аугусто Боргаро (Augusto Renato Birago di Borgaro) поручил архитектору построить дворец в Турине. Особенности сооружения: величественная лестница, многочисленные колонны, украшенный статуями главный зал для торжественных приёмов и балов, чередование изогнутых и треугольных фронтонов на окнах.

Пирро Лигорио

Художник итальянского барокко, антиквар, инженер Пирро Лигорио (Pirro Ligorio) был архитектором папского двора Пия IV (1559 − 1565). После критики проекта Микеланджело Буонарроти по сооружению собора Святого Петра, Пирро Лигорио теряет престижную должность и возвращается на службу к Ипполито II д’Эсте (Ippolito II d’Este).

В 1567 году по заказу кардинала архитектор приступает к проектированию фонтанов и парка виллы в Тиволи. Мастер строит сад в соответствии с символикой династии д’Эсте, связанной с прародителем рода − Гераклом. Сорок два водоёма, окружающие виллу, создают «Кипящую лестницу».

Грандиозное сооружение «Дорога ста фонтанов» построено в соответствии с сюжетом «Метаморфоз» Овидия. Знакомство с «Фонтаном Органа» вызвало восторг современников. При попадании воды в сводчатую ёмкость, воздух проникал в органные трубочки и вызывал звуки музыки. После масштабной реставрации ландшафтной архитектуры, созданной Пирро Лигорио, объект назван самым красивым парком Европы (2007).

Скульптура

В эпоху барокко скульптура тесно связана с живописью и архитектурой. Меняется техника ваяния. Скульпторы отказываются от понятия пластического покоя. Наиболее знаменитым скульптором итальянского барокко признан Лоренцо Бернини, которого искусствоведы назвали «Микеланджело XVII столетия».

Джованни Лоренцо Бернини

Основатель барочного стиля в скульптуре осуществлял масштабные проекты. Джованни Лоренцо Бернини посвятил 50 лет творческой жизни украшению Собора Святого Петра в Ватикане.

Работая над статуями религиозных сюжетов, скульптор и главный архитектор Базилики (1629) использует белый мрамор, скрытый свет для усиления эффекта богослужения.

В руках мастера твёрдый блестящий камень становился послушным и пластичным. Скульптуры «оживали», передавая изгибы и теплоту человеческого тела.

Классический пример − работа «Экстаз святой Терезы» (1645 − 1652).

Историк искусства Эрнст Гомбрих (1909 − 2001) дал оценку произведению мастера, написанному для римской церкви Санта Мария делла Витториа (Santa Maria della Vittoria): «Барочный скульптор довёл религиозное чувство до исступления. Лоренцо Бернини нагнетает эмоции до предельного накала и не опасается преступить грань дозволенного. Подобного образа ещё не было в истории искусства».

Давид

Скульптор обращается к античным сюжетам, но создаёт образы в свойственной ему манере. «Давид» Бернини (1623) не похож на героя произведений Микеланджело Буонарроти и Донателло (Donatello).

Автора интересует правдоподобный показ убийства Голиафа. Тонкие губы юного Давида упрямо сжаты, маленькие глаза наполнены злостью, гримаса на лице выдаёт явные намерения. Динамичная фигура заставляет зрителя представить траекторию броска камня.

Римские фонтаны

Творения Бернини − шедевры аллегории и зрелищности. Величественные фонтаны с сюжетной линией выполнены в Риме по заказу папы Урбана VIII.

Фонтан Тритона

Лоренцо Бернини завершает строительство фонтана Тритона (Fontana del Tritone) в 1642 году.

Постамент, выполненный из травертина, образуют скульптуры четырёх дельфинов, между которыми находится герб папы Римского. В огромной раковине, установленной на хвостах морских животных, помещена статуя Тритона. Сын Посейдона выдувает из раковины струю воды.

Фонтан пчёл

В 1644 году архитектор по приказу великого понтифика устанавливает фонтан пчёл (Fontana delle Api), предназначенный для нужд горожан.

По створкам раскрытой раковины к воде спускаются три пчелы − символ династии Барберини.

Фонтан четырёх рек

Период строительства фонтана четырёх рек (Fontana dei Quattro Fiumi): 1648-1651 годы.

Расположенный в середине фонтана обелиск, демонтированный из древнего храма Исиды, окружают скульптуры мифологических богов. Фигуры символизируют главные реки четырёх частей света: Нил, Ганг, Дунай, Ла-Плата. Композиционное расположение духов, их одеяния, динамичные движения аллегорично представляют истории из древних мифов.

Барокко в живописи

В XVI − XVII столетиях в Италии формируются два главных направления в живописи:

  1. «Болонский академизм», созданный братьями Карраччи.
  2. Творчество Караваджо, самого крупного художника стиля барокко.

Микеланджело Меризи да Караваджо

Именем самого значительного художника, работающего в стиле барокко, названо реалистическое течение в искусстве западной Европы (караваджизм). Микеланджело Меризи был противником «болонского академизма» и считался бунтарём.

Он уделял внимание необычным персонажам: картёжникам, авантюристам, шулерам. Картины мастера открыли новый жанр в искусстве − реалистический бытовой портрет («Игроки», 1594 − 1595; «Лютнист», 1595). Увлечённость натурализмом в изображении людей и событий находит отражение в картине «Обращение Савла» (1601).

Религиозный сюжет использовали живописцы до Караваджо. На картинах художников главное внимание уделялось библейским персонажам. Барочный мастер новаторски смело рисует мощный круп лошади на всей верхней части полотна, реалистично изображает сморщенный лоб, натруженные ноги, редкие волосы конюха.

Революционный для того времени прием используется в картине «Успение Марии» (1606). Натуралистическая трактовка образа не понравилась заказчикам. Монахи не приняли картину мастера.

Поиски новых приёмов в творчестве не заслоняют основные достоинства произведений − пластичность, драматизм, эмоциональную выразительность. Лучшие картины: «Положение во гроб» (1602 − 1604), «Распятие Святого Петра» (1601).

Трое палачей прикладывают большие усилия, чтобы перевернуть тяжёлый крест с распятым апостолом. Ответственность за преступление лежит на тех, кто совершает казнь Святого Петра.

Советую почитать:

Фрески семьи Карраччи

Против Караваджо выступили Аннибале, Агостино, Лодовико, Антонио Карраччи (Annibale, Lodovico, Agostino, Antonio Carracci). Братья противопоставили караваджизму «болонский академизм». Семья художников создала в Болонье «Академию»» (1585).

Специальная программа была предназначена «вступившим на истинный путь» живописцам. Принципы болонской школы стали прообразом всех будущих европейских академий.

Братьев признали мастерами монументально-декоративной живописи. По поручению кардинала Одоардо Фарнезе (Odoardo Farnese) Карраччи работают над фресками и галереей (1595-1604) в римском палаццо Фарнезе (Palazzo Farnese).

Совместная работа представляет 13 главных картин: любовные приключения греческих богов, триумфальное шествие Вакха и его свиты, супружеский союз членов династии, другие классические сюжеты. Цельная работа является образцом величайшего произведения раннего барокко.

Литература

Стихотворное творчество первым воспринимает идеи новой эпохи. Поэты считают реальный мир иллюзией. Произведения наполнены метафорами, символами, аллегориями. Исследователи литературы выделяют две стилевые линии в творчестве итальянских писателей конца XVI − начала XVIII веков:
• Аристократическое, элитарное барокко.
• «Низовое» демократическое направление с низменными сюжетами и пародиями.

Джамбаттиста Марино

Родоначальником барочной поэзии был Джамбаттиста Марино (Giambattista Marino, 1569-1625). Поэт находился под покровительством кардинала Пьетро Альдобрандини (Pietro Aldobrandini) и герцога Савойи Карла Эммануила Великого (Carolus Emmanuel Magnus).

Сборники стихов «Лира» (La Lira, 1608 − 1614), «Эпиталамы» (Epitalami, 1616) являются образцом придворной поэзии. Лирические сонеты написаны в привычных формах Ренессанса, но наполнены новым содержанием. Характерный приём − использование метафор, словесная игра сочетаний с противоположным значением («учёный невежда», «богатый нищий»), пасторальные мифологические сюжеты.

Поэт отходит от ренессансного понятия универсальной гармонии и утверждает: миром правит дисгармония. Автор произведения «Слово о музыке» представляет Бога дирижёром хоровой капеллы, распределившим роли между людьми и животными, белыми и чёрными клавишами. Люцифер был первым музыкантом, поддавшимся «диссонансу ада» и сбившимся с нот.

Разгневанный маэстро бросил партитуру на землю, которая стала домом для людей. Творчество придворного поэта легло в основу маринизма − литературного направления эпохи барокко в Италии.

Эмануэле Тезауро

Теорию литературы нового стиля сформулировал итальянский историк, писатель Эмануэле Тезауро (Emanuele Tesauro) в трактате «Подзорная труба Аристотеля» (Il cannochiale aristotelico), опубликованном в 1654 году. Автор назвал произведение главной своей работой, над которой трудился 40 лет.

Теоретик искусства утверждал: литература живёт по своим законам, не связанным с логикой и рациональным мышлением. Новое искусство «быстрого разума» напоминает фокусника, умело использующего Метафору − «Мать поэзии и Остроумия». «Подзорная труба…» следит за всеми удивительными и неожиданными открытиями. Философ восторгается победой человеческой мысли, проникшей с помощью телескопа в загадки Вселенной. Определив критерии прекрасного и отвратительного, Эммануэле Тезауро сформулировал понятие идеала в искусстве своего времени.

Музыка

Период 1630-1750 гг. называют «музыкой барокко». Термин, указывающий на конкретный жанр музыкального искусства, стали применять только в начале XX века. Барочный стиль отличает грандиозность, патетическая приподнятость, театральность, синтез искусств.

Ведущие жанры −опера, оратория, кантата.

Музыкальные инструменты: клавишные (орган, клавесин), струнные смычковые (скрипка, виола, контрабас, виолончель), струнные щипковые (лютня, мандолина, барочная гитара) медные и деревянные духовые, ударные (литавры).
Основными направлениями творчества остаются духовная и светская музыка.

Грегорио Аллегри

Композитор Грегорио Аллегри (Gregorio Allegri, 1582 -1652) был священником, пел в хоре Сикстинской Капеллы (Cappella Sistina) в Ватикане. В 1630 году Аллегри первым написал музыку к тексту знаменитой «Мизерере» (Miserere). Папские певчие долгое время держали ноты в секрете. По легенде через сто лет (в 1770 году) 14-летний Вольфганг Амадей Моцарт (нем. Wolfgang Amadeus Mozart) по памяти записал услышанную мелодию и раскрыл секрет церковников.

В настоящее время Псалом 50 (покаянный) постоянно исполняют в богослужениях католической церкви. Незабываемую барочную музыку можно услышать в видео

Сальватор Роза

Художник, поэт, гравёр, музыкант Сальватор Роза (Salvator Rosa, 1615-1673) был противоречивой знаменитостью Италии. Картина «Титий» (1639) принесла славу живописцу на римской выставке конгрегации «Виртуозы Пантеона».

Но за скандальное полотно «Фортуна» (1658 − 1659) инквизиция пыталась привлечь художника к суду. Разносторонне одарённый человек был отличным музыкантом: играл на арфе, лютне, флейте, гитаре.

Сальватор Роза написал несколько серенад − донцелл, которые пользовались огромной популярностью в Неаполе (Napoli). Вечерние песни трубадуров горожане каждый день распевали под окнами возлюбленных. Незаурядный представитель эпохи итальянского барокко вызвал большой интерес у композиторов XIX века. Ференц Лист написал фортепианную пьесу, которую назвал «Канцонетте Сальваторе Розы» (1849). Бразильский дирижёр и композитор Гомис Антониу Карлус посвятил художнику и музыканту оперу «Сальваторе Розе» (1874).

Мода

В отличие от универсального искусства, Италия эпохи барокко не была законодательницей европейской моды. Человек, подчинённый тяготам земной жизни, перестал быть центром мира.

Модной становится скромность, бледность кожи, украшенная лентами и шнурами одежда. Мужчины носили панталоны с завязками под коленями, короткие куртки с широкими рукавами. Женщины одевали корсеты и неширокие юбки. Яркими остаются итальянские шерстяные и шёлковые ткани. В XVII веке начинается рост производства атласа, бархата, муара. Увеличивается спрос на венецианские кружева, появившиеся в Италии ещё в XV столетии.

Художники декоративно-прикладного искусства Niccolo Zoppino (1527), Bugato (1527) разработали неповторимые узоры и орнаменты для создания кружев, которые превращаются в надёжную валюту и подчёркивают статус в обществе.

Венецианские кружева заказывают для коронованных особ и придворных Англии и Франции. В XVI веке в Италии рождается знаменитое кружево «Ретичелла» (reticello), ставшее позже разновидностью техники Ришелье.

Изменения в обществе наметились в первой половине XVII века. К 60-ым годам все итальянцы стали одеваться по французской моде. Идеальным образом мужчины становится нежный, пахнущий духами синьор в напудренном парике. Женщина с вычурной причёской носит корсет и туфли на каблуках. Отличительная особенность костюма − контрастные цветовые сочетания, вышивки, кружева. До XIX века итальянцы носили парики, уложенные по версальской моде.

Заключение

Италия внесла в мировую культуру вклад исключительной важности. Эпоха конца XVI − начала XVIII века сформировала новое искусство, которое стало универсальным. Стиль барокко медленно вызревал, чтобы взорваться именами великих творцов, изменивших ход развития западноевропейского искусства.

Итальянский жилой интерьер XVII — первой половины XVIII в.

Архитектура барокко / Италия

Лучшие образцы итальянского жилого интерьера XVII — первой половины XVIII века сосредоточены в дворцовых зданиях — новых или заново оформленных в рассматриваемое время. Сам тип итальянского палаццо в отношении его плановой и объемной структуры не претерпевает разительных изменений при переходе от Ренессанса к барокко: сохраняется прямоугольный план и внутренний прямоугольный двор. Различия в основном состоят в пространственном решении главной лестницы и всей вестибюльной части, а также в новом явно декоративном оформлении стенных плоскостей, потолков и полов парадных помещений. Входная вестибюльная часть приобретает в отдельных случаях, как, например, в палаццо Кариньяно в Турине, чрезвычайно сложную, явно надуманную пространственную структуру, основывающуюся на применении криволинейных в плане очертаний стен, смыкании пространственных звеньев различной формы, креповок стен и других приемов. В этом отношении в решении вестибюльной части не было принципиальной разницы с интерьерами итальянских барочных церквей. В ряде сооружений усложненную конфигурацию в плане приобретают и центральные парадные дворцовые залы. Но в большинстве случаев черты барокко как стиля проявлялись в лепном и живописном убранстве потолков и стен помещений особенно среднего, наиболее высокого этажа, в котором сосредоточиваются парадные залы. Примерами могут служить интерьеры палаццо Барберини, палаццо Фарнезе, палаццо Колонна и других сооружений. Вестибюль обычно решается как парадный зал, откуда по монументальной лестнице можно подняться в аванзал, а затем в главный парадный зал, находящийся на оси здания. По сторонам этого помещения, имеющего прямоугольную, близкую к квадрату форму, находятся другие комнаты. Кроме того, во дворцах устраивалась сравнительно узкая и длинная галерея, оформлявшаяся колоннами, пилястрами, скульптурой.

До середины XVII века потолки имели преимущественно плоскую форму, позже их вытесняют так называемые зеркальные (деревянные) своды на развитых падугах, покрывавшиеся штукатуркой с фресковой росписью и в своем основании обрабатывающиеся скульптурой. Плоскости стен оформлялись элементами ордеров, в основном пилястрами, лепкой; в их обработку включалась живопись в пышных, богатых обрамлениях с картушами, гирляндами, волютами, орнаментикой. В качестве облицовочного материала использовались естественные и частично искусственные полихромные полированные мраморы. Мраморными плитами настилались и полы. Особенно эффектны были обрамления дверей, десюденорты и венчающие карнизы.

Основное внимание сосредоточивается на потолках, расчлененных ложными в своей лепке тягами и рамами, разграничивающими эффекттые картины с перспективными построениями, совмещением ряда пространственных планов, изображенными в сильных ракурсах фигурами. Колорит этих росписей обычно яркий, насыщенный. В результате достигалась во многих случаях иллюзия «прорыва» поверхности потолка, взор зрителя уводился художником за пределы помещения. Яркой и мажорной была не только живопись, этот же эффект вызывался и всей отделкой интерьера. В комнатах меньших размеров стены затягивались ткаными обоями, а также покрывались росписью. Особое значение играли большие, доходившие до пола зеркала.

Подчеркнутое великолепие дворцовых интерьеров усиливалось мебелью. Столы, кресла, бюро-кабинеты, канделябры и другие предметыполучают предельно сложную и изощренную обработку. Огромное значение, как никогда раньше, приобретает объемная резьба. Кресла и табуреты имеют сложно и разнообразно прорисованные изогнутые или прямыеножки, соединенные проногами, сплошь покрытыми позолоченной резьбой.В оформлении мебели используется и мотив витых колонок. Кресла наделяются волютообразно прорисованными локотниками; их спинки и сиденьяобтягиваются различными видами бархата, в том числе и восточного происхождения. Исключительно разнообразную структуру и отделку приобретают столы, иногда имеющие три или даже одну точеную ножку,напоминавшую вазу и имевшую дополнительные кронштейны и развитоеоснование. Столешницы создавались подчас из цветного мрамора, в техникефлорентийской мозаики. Очертания столешниц приобретали часто восьми-или шестиугольную форму, их края обрабатывались профилями и орнаментом.

В этот период на смену кассонам, поставцам и ларям приходят новые виды мебели — шкафы, бюро-кабинеты, отделываемые не только богатой резьбой, но и вставками из каменной цветной мозаики и цветного стекла. Изощренностью художественной отделки отличались флорентийские бюро-кабинеты с использованием каменной мозаики с традиционным изображением птиц. В оформлении широко применялись ювелирно отточенные детали из позолоченной бронзы — статуэтки, бюсты, сфинксы, медали, всевозможная орнаментация. Помимо этого, створки и филенки обрабатывались мрамором и стеклом.

В XVII и первой половине XVIII века в Италии приобретает особое развитие монументальная декоративная живопись, главным образом плафонная, ведущими мастерами-виртуозами которой были Пьетро да Кортона (основоположник этого вида искусства), Андреа Поццо — автор не только изумительных плафонов, но и роскошных церковных алтарей, несколько позже — Джованни Баттиста Тьеполо.

В основе орнамента итальянского барокко лежат темы Возрождения, но мастера, свободно импровизируя, создавали из них произвольные композиции и комбинации. К ним добавлялись волюты, разорванные фронтоны. Все это совмещалось, наслаивалось друг на друга, дополнялось многочисленными креповками. Целью являлось добиться ощущения предельной насыщенности и динамики. В создании подобного эффекта участвовали и скульптура и живопись.

Многообразие тем и рисунков, многоцветность колорита приходят и в изделия из металлов и в керамику, в шпалеры, ковры, ткани. В период барокко исключительного развития достигают прикладные искусства. Серебряных и золотых дел мастера создают многочисленные виртуозно исполненные изделия с применением драгоценных металлов, перегородчатой эмали — кубки, чаши, бокалы, солонки, украшенные драгоценными камнями, редкими минералами и чеканкой, наделенные пластическими деталями. Эти изделия, расставленные в залах дворцов-палаццо, также активно содействовали созданию впечатления богатства и роскоши, к чему стремились архитекторы — создатели интерьеров.

Читайте также:

Источники

История архитектуры — Возрождение (15-17 века нашей эры) — Блог Джона Габера

Введение

Термин «Возрождение» происходит от французского слова «Возрождение» , означающего «возрождение» . Он используется для описания этого этапа европейской истории между 14 и 16 веками. Эпоха Возрождения был временем больших социальных и культурных изменений в Европе. Это был период новаторства, воображения и творчества. Эпоха Возрождения также был временем, когда классическое прошлое Европы было пересмотрено и оживлено. Большая часть вдохновения для культурных движений — эпохи Возрождения пришла из попыток людей подражать ( имитировать и улучшать ) наследию классических европейских обществ, таких как Древний Рим и Греция , что казалось, будто Европа действительно возродилась. очередной раз.

1. Раннее Возрождение — Архитектура Флоренции

Флоренция, Италия

Возрождение началось в Северной Италии в 14 веке. Тосканский город Флоренция считается родиной эпохи Возрождения . На итальянском языке этот период обозначается как « il Rinascimento»

. Леон Баттиста Альберти (1404–1472)

Первой выдающейся фигурой, вышедшей из этой новой культуры, был Леон Баттиста Альберти (1404–1472), автор, ставший архитектором. Родившийся в 1404 году в изгнанной флорентийской дворянской семье в Генуе, он должен был получить образование у Гаспарино B arzizza , ведущего авторитета в учении Цицерона, который оказал решающее влияние на идеи Альберти о роли архитектора.Чтобы воплотить этот идеал и положить конец разрушению архитектурных памятников античности и преобладающего готического стиля , он решил написать свою книгу « De re aedificatoria libri decem» . Один из первых трактатов, вдохновленных Маркусом Витрувием Поллио « De Architectura libri decem» ( «Десять книг по архитектуре»), единственной сохранившейся крупной работой по архитектуре классической античности.

Филиппо Брунеллески (1377-1446) — Базилика Санта-Мария-дель-Фьоре, Флоренция, Италия

Несмотря на то, что это презрение к готическому стилю разделяли многие его коллеги, это были технологические достижения готики эпохи, которая позволила бы одному из них, а именно Филиппо Брунеллески (1377-1446), построить купол Флорентийского собора, который часто ошибочно называют первым сооружением эпохи Возрождения.Говорят, что он был вдохновлен Пантеоном , его конструкция была двухслойной, построенной вокруг готического разорванного хранилища. Чтобы преодолеть проблему поглощения возникающих сил без помощи характерных готических аркбутанов, Brunelleschi применил систему из каменных и железных цепей, успешно предотвратив разрыв «купола» под собственным весом, сохраняя при этом иллюзию классический купол.

l’Ospedale degli Innocenti, Флоренция, Италия

Первым подлинным зданием раннего Возрождения было Брунеллески Ospedale degli Innocenti во Флоренции.Больница для подкидышей, построенная по принципам типичного плана этажа средневекового монастыря, отличалась осевой симметрией, подобной симметрии античных римских построек. Его самая заметная особенность и единственная, которая определенно относится к Brunelleschi , — это лоджия, выходящая на Piazza Santissima Annunziata . Он характеризуется строго ритмичными аркадами коринфских колонн и полукруглых арок. Первоначально он находился на 7 ступенях выше уровня пола Пьяцца, как римские церковные постройки. Он послужил источником вдохновения для многих подобных сооружений во Флоренции и других итальянских городах.

2. Архитектура раннего итальянского Возрождения

Работы Филиппо Брунеллески и Леона Баттисты Альберти в области церковной архитектуры представляют собой прекрасное сравнение того, как идеи и идеалы античности были воплощены в архитектуре эпохи Возрождения .

Брунеллески , старший из двух, руководствовался представлением о том, что после расцвета готики возникла потребность в сдержанности и порядке, что ясно продемонстрировало его выбор классических мотивов в сочетании с урезанной простотой формы, что рука об руку с его вниманием к строгим измерениям и пропорциям.Это привело к тесной связи между внутренними и внешними формами, и это можно легко распознать при изучении его модульного плана базилики.

Альберти , с другой стороны, черпал вдохновение в более грандиозных римских постройках, таких как бани и дворцы, в результате чего его церкви были спроектированы с использованием классических мотивов в сочетании со сложными элементами, такими как кессонные цилиндрические своды и огромные украшенные пирсы.

Санто-Спирито, Флоренция — Экстерьер и интерьер Базилика Сант-Андреа, Мантуя — Экстерьер и интерьер

3.Ренессанс Дворцы

Эти грандиозные проекты реконструкции или строительства требовали помощи финансово и политически влиятельных людей, роль, которую взяли на себя члены правящих семей, которые представляли династии итальянских городов-государств, которые хотели закрепить свои амбиции к власти и богатству в материальных ценностях. и, следовательно, бесспорный способ, который сделал архитектуру предпочтительной для семей, особенно в случае их частных резиденций.

В изменившемся политическом климате Италии 15-го века эти дворцы должны были дополнить основное требование силы и мощи воспринимаемой элегантностью жизни эпохи Возрождения .Это привело к созданию нового типа здания, , Renaissance Palace , обычно состоящего из трех четко очерченных этажей, сосредоточенных вокруг внутреннего двора и расположенных либо на заметном острове, либо на угловом участке огромной площади.

Палаццо Медичи Риккарди

Как и большинство зданий, построенных в начале новой стилистической эпохи, Палаццо Медичи демонстрирует лишь несколько явно отличных мотивов от того, что было стандартной лексикой предыдущей эпохи.Наиболее примечательны рустикация фасада и повторное введение нависающего карниза как завершение его вертикального возвышения.

Чрезвычайно дорогостоящая техника рустикации заключалась в использовании больших каменных блоков на первом этаже, которые были либо сформированы в форме подушек, либо имели вид грубо обтесанных камней, чтобы имитировать внешний вид укреплений и других сооружений, которые должны были проецировать изображение прочность и долговечность. Ярким римским примером является Аква Марсия, самый длинный из 11 акведуков, снабжавших город Древний Рим.

В случае Палаццо Медичи, первый этаж, общественный этаж дворца, демонстрирует сильную и грубую рустовку с подушками и наименьшие оконные проемы, в то время как второй этаж имеет прекрасно отделанный каменный фасад и кольцевую полосу высоких двуфур, двойных арочные окна, которые были типичной римской чертой, но их филигранная обработка демонстрирует явное влияние готики. Второй этаж, «рояль нобиле», на котором располагались основные жилые помещения, продолжает общий стиль фасада первого этажа, хотя он показывает еще более гладкую отделку из камня, в результате чего облицовка стен почти идеально ровная.

Palazzo Rucellai, Флоренция, Италия

4. Вариации классического словаря

По мере развития архитектурного языка Италии эпохи Возрождения он начал медленно распространяться, но мы должны напоминать себе о типичных строительных материалах, которыми славился каждый регион, и о том факте, что каждый регион имел сильное желание выразить свою автономию с помощью архитектурный стиль, отражающий местные традиции и наследие.

Certosa di Pavia, Павия, Италия

Ca ’Vendramin Calergi

chiesa di giuseppe

5.Высокое Возрождение, 16 век, Италия,

С наступлением 16 века ядро ​​архитектурных инноваций переместилось из Флоренции в Рим, однако этот сдвиг не был внезапным, поскольку многие флорентийские архитекторы уже принимали заказы в регионе Лацио раньше.

Все это должно оказаться очень удачным для развития стиля Возрождения, поскольку Рим должен был стать одной из крупнейших строительных площадок века. Восстановленный папский двор почувствовал острую необходимость реструктурировать полуразрушенный город, что, в свою очередь, послужило стимулом для многочисленных заказов от пап, кардиналов и новых религиозных орденов как для церковных, так и для светских зданий.

Эти проекты отражали меняющиеся литургические и функциональные требования, мастерски внедренные Донато Браманте (1444-1514) и другими пионерами, и привели к созданию архитектурного языка Высокого Возрождения, который был более значительным и изученным, чем тот, который установился во время Раннего Возрождения 15-го века. век.

Базилика Святого Петра

Chiesa del Redentore

Palazzo Farnese

6. Архитектура эпохи Возрождения — Виллы и сады

Помимо проектов городского строительства, вновь возникло желание объединить удовольствия деревенской жизни, противовес суетливой городской жизни, с идеалом эпохи Возрождения — воссоздать рай на земле.Это было достигнуто за счет создания вилл и садов, которые сочетали в себе красиво оформленные интерьеры с живописными видами. Все они располагались либо в продуктивных фермерских хозяйствах, либо, в случае небольшой виллы в пригороде, в виноградниках и садах недалеко от города.

Одним из самых известных мастеров этого судета был Андреа ди Пьеро делла Гондола (1508-1580), более известный как Андреа Палладио.

В своем собственном трактате по архитектуре I quattro libri dell’architettura он резюмировал суть того, что делает здание достойным похвалы,

Здание должно включать и ценить баланс полезности или удобства, прочности и красоты — требования, которые станут очевидными при более внимательном рассмотрении богатого портфолио его работ.Безусловно, его самый известный выполненный проект — это вилла Almerico Capra , более известная как La Rotonda .

Вилла Альмерико Капра

Вилла Барбаро ди Мазер

7. Начало

Французское Возрождение

Первой страной за пределами Италии, которая познакомилась со стилем и мировоззрением эпохи Возрождения, в основном из-за ее близости и, как следствие, облегчения путешествий, была Франция, особенно во время правления Франсуа I (1494-1547) и его сына Генриха II (1519). -1559), которые были впечатлены способностью осуществлять и укреплять политическую власть с помощью программ архитектурного строительства, которые могли вызвать развитие желаемых культурных и социальных устремлений.

Среди художников и гуманистов, которые были вызваны ко двору Франсуа I, в том числе Леонардо да Винчи (1452-1519), который провел остаток своей жизни во Франции, был Себастьяно Серлио (1475-1554), итальянский архитектор, не понаслышке знакомый с архитектурная среда Браманте и Рафаэля в Риме, и чей первый современный трактат, включающий иллюстрации, Sette Libri d’architettura, оказался очень важным в распространении знаний о формах итальянского Высокого Возрождения.

Хотя общепризнано, что Франция отреагировала на итальянский классический стиль более прямо и основательно, чем другие европейские страны, нередко в некоторых местах использовались классические формы только в качестве декоративных мотивов.

Для этого слайд-шоу требуется JavaScript.

8. Северное Возрождение

Северная Европа, находящаяся вдали от влияния итальянского Возрождения и часто опасаясь католических ассоциаций, приняла отчетливо северный архитектурный язык, разработанный в 16 веке, не подверженный влиянию классических форм, основанных на античных греческих и римских прецедентах.

Одной из сильных местных архитектурных особенностей, не имевших каких-либо итальянских связей, которая развивалась в этот период в Северной Европе, был украшенный фронтон.Он широко использовался в гражданских и жилых зданиях, и поскольку желание продемонстрировать гражданскую гордость и национальную идентичность через архитектуру было столь же распространенной практикой, как и в городах Южной Европы, крупномасштабные общественные здания, такие как городские и залы гильдий, в конечном итоге будут объединены. Эти местные архитектурные особенности с уникальным использованием классических мотивов позволяют создавать мощные и монументальные общественные здания, которые впечатляют как местное население, так и иностранных гостей.

Для этого слайд-шоу требуется JavaScript.

9. Испанский

Возрождение

Испанский подход к стилю эпохи Возрождения , названному Plateresque , в основном определялся включением определенных мотивов в его богатый и украшенный готический стиль , практика, которая сохранялась на протяжении большей части 16 века, особенно в отношении церковные постройки.

Королевский госпиталь, Сантьяго-де-Компостела, Испания

Однако по мере того, как знания итальянской архитектуры и архитектурной теории стали более распространенными, здания строились с большим вниманием к правилам пропорции и гармонии.В результате, начиная примерно со второй половины 16 века, архитекторы, такие как Хуан де Эррера (1530-1597), построили в очень строгом и урезанном классическом стиле, который стал известен как estilo desornamentado , или austere. стиль . de Herrera связан со знаменитым Real Sitio de San Lorenzo de El Escorial , королевской резиденцией за пределами Мадрида и самым большим зданием эпохи Возрождения, когда-либо построенным, хотя он руководил только последними этапами его строительства после первоначального архитектора Хуана Баутиста де Толедо (1515-1567) умер.

Для этого слайд-шоу требуется JavaScript.

10. Английский прием Возрождения

Англия продолжала отдавать предпочтение и развивать свой собственный готический стиль даже в 16 веке и не проявляла особого интереса к разработкам, сделанным на континенте. Когда, наконец, пришло время принять к сведению, знания о классической архитектуре передавались не из первых рук, как это было во Франции и других европейских странах, а через фильтр ее приема по всей Европе.Сильное влияние оказали французские и фламандские черты характера, особенно резчики и другие мастера, нашедшие работу в Англии.

Wollaton Hall, Ноттингем, Англия

Longleat House, Хорнингсхэм, Англия

Особенно на востоке Англии, где связи с Нидерландами были сильными, украшенные «голландские» фронтоны были представлены во многих новых зданиях, особенно в домах домашнего характера, потому что, как и в период Тюдоров, строилась небольшая церковная архитектура. но было построено несколько важных домов якобинских вундеркиндов.Несмотря на то, что они во многом схожи с более ранними подобными образцами, произошло заметное изменение в том, что их планы местности теперь были либо H-, либо U-образными в интересах обеспечения смелых и впечатляющих силуэтов и достижения поразительных перспектив, что очень похоже на этот востребован архитекторами типичной итальянской виллы.

Blickling Hall, Blickling, England

Audley End House, Saffron Walden, England

Однако следует отметить, что после этого несколько фальсифицированного посвящения 16-го века стилю Возрождения появится очень выдающаяся фигура, которая определит наиболее гармоничный классический английский стиль — Иниго Джонс (1573-1652).Его работа сильно отличалась от того, что явилось результатом отфильтрованного стиля Возрождения, когда он посетил Италию и предпринял подробное исследование древних памятников и архитектуры эпохи Возрождения, особенно зданий Андреа Палладио, и его озабоченность фундаментальной архитектурной истиной зданий, которая включала в себя функцию , гармония и пропорции целого, а не просто добавление классических мотивов в качестве прикладного декора.

Banqueting House, Уайтхолл, Лондон

Queen’s House, Гринвич

Нравится:

Нравится Загрузка…

Итальянское искусство 18 века Предварительные замечания. 18 век …

1. Итальянская архитектура XVIII века

В XVIII веке в Италии барокко окончательно вытеснилось классическими мотивами в архитектуре. В целом эта территория испытывает значительное французское влияние, иногда приводящее к заимствованиям стиля рококо. В силу специфики политического устройства Италии искусство здесь в разных городах развивается по-разному.

Прихоти легкокрылого стиля Людовика XVI были обозначены, по крайней мере, в форме возможностей, как последние шаги в развитии итальянского барокко. Чтобы вернуться к высокому ренессансу и антиквариату, подавляющее большинство образцов было на итальянской земле, и даже итальянские ученые и художники, такие как Гори, Маффеи и Муратори, такие как Пиранези, Феа и Эннио Квирино Висконти, принимали активное участие в научных исследованиях и исследованиях. критическая подготовка этого поворота. За исключением публикаций Пиранези, появились решительные начинания и сочинения, которые изменили художественную жизнь того времени, в основном северными исследователями и мыслителями; В то же время решительные стилистические изменения произошли — за исключением, быть может, театральных построек и их декоративного убранства — не на итальянской, а на французской, английской и немецкой почве.

В итальянской архитектуре 18 века последние наследники барокко только в самых типичных случаях могут быть резко отделены от нового классицизма, который редко идет глубже Палладио; Что касается французского искусства рококо, то его влияние на итальянскую почву можно обозначить только в отдельных архитектурных сооружениях, например, в убранстве зала Палаццо Серра в Генуе, хотя оно выполнено французом Шарлем де Валья и представляет собой переход к стилю Людовика XVI. , а также в великолепных залах Королевского дворца и филармонии Турина, принадлежащих наполовину итальянскому барокко.Вообще, в итальянской архитектуре 18 века, с самого начала почти полностью избегающей извилистых линий, характерных для Борромини или Гварини, происходит медленный процесс возрождения, постепенно приводящий к умеренному, иногда все еще живописному, но в основном сухому, классицизм. В больших церковных и светских архитектурных задачах и в XVIII веке недостатка в итальянских городах почти не было.

Рис. 212. Церковь Сан-Джованни-Латеранский собор в Риме, построенная Алессандро Галилей.

Уже в Риме нас встречает целый ряд великолепных церковных и дворцовых фасадов, широких лестниц и фонтанов 18 века. Празднично-элегантный, созданный как будто из цельного куска травертина в 1734 году флорентийцем Алессандро Галилей (1691–1737), фасад Латеранского собора, два яруса галерей которого, соединенные полукруглыми арками, соединены одним рядом Коринфские колонны и пилястры вряд ли заслуживают названия барокко. Поскольку Галилея некоторое время жила в Англии, Гурлитт даже допускает влияние школы Рена в этом фасаде.Его прямые линии Галилеи сохранились на фасаде церкви Сан-Джованни-де-Фьорентини, с двумя рядами правильных коринфских колонн и пилястр. Но самой удачной римской постройкой этого мастера следует признать капеллу Корсики на Латеране: греческий крест в плане, с благородным куполом над центром креста и сводчатыми коробками в элегантных кассетах во всех деталях представляет собой памятник. чистое эхо золотого 16 века. Снова ближе к барокко — фасад церкви Санта-Мария-Маджоре, построенный в 1743 году флорентийцем Фердинандо Фуге (1699–1744), с мощными арочными пролетами верхнего этажа, а также Палаццо делла Консульство (1747) у Тот же архитектор, во дворе которого только фальшивые обещания аркад, и Палаццо Корсика в Риме, знаменитый своими красивыми настоящими аркадами своего двора и великолепной лестницей.В стиле барокко, с элементами классицизма, обширная вилла Альбани, созданная Карло Маркионне, и, несмотря на поздний вид (1780 г.), построенный Козимо Морелли (умер в 1812 г.), треугольный дворец Браски, частный дворец Папы Пия VI, с роскошной лестницей. Церковь Санта-Мария-дель-Приорато (Приорато-ди-Мальта) на Авентинском холме, построенная Джованни Баттиста Пиранези (1720–1778), издателем римских руин и эскизов каминов, в которых Шефер видит основы стиля ампир, является еще одним Пример «удивительно двустороннего», как выражается Буркгардт в его «Чичероне», сооружении, стоящем на границе барокко и классицизма.

Рис. 213. Фонтан Треви в Риме, работа Николо Сальви.

От римской лестницы отсюда следует назвать знаменитую «Испанскую лестницу» с ее довольно запутанными, но живописно переходящими друг в друга уступами и перилами. Это красивое художественное сооружение было построено между 1721–1728 годами. Алессандро Спекки и Франческо де Санктис. К римским фонтанам добавляются незабываемые, широко и свободно развернутые на фасаде Палаццо Поли, богатый живописными эффектами света и тени, и фонтан Треви (1735–1762 гг.), Богато украшенный скульптурами — лучшая работа римского архитектора Никколо Сальви. (п.Около 1699 г., ум 1751 г.), которую Маньи называет «архитектурным Рембрандтом». Без Испанской лестницы и фонтана Треви, все еще выполненного в духе римского барокко, Рим не был бы Римом.

Рис. 214. Зал в виде греческого креста в Ватикане, построенный Микелем Анджело Симонетти.

Только Мишель Анджело Симонетти представил этот имитационный античный стиль в вечном городе. Залы музея Ватикана, возведенные Папой Пием VI, а именно Круглый зал (ala Rotunda) и зал в форме греческого креста (Sala a croce greca), демонстрируют истинную изюминку стиля.

Самым старым из этих римских мастеров был Филиппо Джувара из Мессины (1685–1736), который работал на севере и юге Италии, в основном в Турине. Несомненно, находясь под влиянием французов, он был здесь представителем, в отличие от субъективного барочного Гуарини, более расслабленного и четкого переходного стиля, напоминающего в его произведениях Палладио, затем французский классицизм, а иногда даже рококо.

Рис. 215. Церковь Суперга в Турине, построенная Филиппо Ювара.

В Турине Ювара выступал в 1713 году в духе умеренного барокко Палаццо Мадама, несколько позже очаровательных овальных церквей Санта-Кристины и Санта-Кроче, а также светской изящной церкви Санта-Мария-дель-Кармине в окрестностях Турин — Замок Ступиниджи, известный своим удивительным, вероятно, французским Боффраном, планом и великолепной архитектурой в стиле итальянского барокко, и, наконец, стоящей на высокой горе великолепной церковью Суперга (1717-1731 гг.) .К церкви внутри восьмиугольной, снаружи круглой центральной формы, известной великолепным куполом, он пристроил спереди видное римское коринфское крыльцо, увенчанное классическим фронтоном; Здание в целом представляет собой довольно холодную смесь мотивов римского высокого Возрождения, опыта барокко и придатков в духе античности. К зданиям Джувары в Мадриде, где он умер, мы вернемся.

В Неаполе студент из Джувары Луиджи Ванвителли (1700–1773), сын многообещающего голландского художника Каспара ван Вителя, олицетворяет переход от барокко к классицизму.Его церковь Санта-Аннунциата (начало 1760 г.), великолепное мраморное колонное здание, фасад которого снизу расчленен в ионическом стиле, а сверху в коринфском стиле, также имеет типичные извилистые линии барокко. Напротив, французские мотивы использовались, особенно в саду, в его огромном королевском замке в Козерте. Центр здания — талантливый восьмигранник, классические пилястры оживляют длинные флигели и обширные дворы.

В Болонье тоже были талантливые архитекторы; из них Альфонсо Торрежани выполнил огромный фасад церкви Сан-Пьетро (1748 г.), хотя и по прямым линиям, но все же беспокойно, и на фасадах дворца, в Палаццо Рускони и Палаццо Альдоврандини (1748–1753), в извилистой форме. отдельных линий и беспокойной кучи мотивов он дал доступ к самым причудливым барочным затеям, в то время как Карло Франческо Дотти дал свою церковь Сан-Лука (1731–1739), расположенную на высоте довольно грубого, длинного овала, богатую и органичную. огранка, которая также отличает его дворцы, пример ворса в Палаццо Агукка (1740 г.), состоящий из пилястр с квадратными пластинами.Только Анджело Вентуроли (1749–1820) находится в своих лучших болонских постройках, например, на лестнице Палаццо Эрколани с портиками, последователя классицизма в духе Палладио.

Ученик Ванвителли, Джузеппе Пьермарини (1736–1808), уже тронутый духом классицизма, работал в Милане; , известный своими 300 гранитными колоннами. Еще более строгим и холодным приверженцем классицизма является Симоне Кантони (1736–1818), выполнивший в 1794 году благородный белый мраморный фасад Дворца дожей в Генуе, дворца Серзеллони Буск в Милане.

Виченца все еще находилась под влиянием классического позднего Возрождения великого Палладио. Так, Оттон Кальдерари (1730–1803) представил в своем великолепном Палаццо Корделлин (1776), нижний дорический этаж которого, украшенный деревенскими окнами, несет элегантный ионический верхний этаж, произведение, полностью пропитанное духом Палладио; в том же направлении работал в Вероне Алессандро Помпеи, таможня (1758) и Музей надписей, разоблачающих стремление к классической чистоте формы.

Доменико Росси (умер в 1742 г.) продолжил традиции барокко и направление Лонгены в Венеции. Ему принадлежит вычурный фасад церкви св. Евстахии и великолепный Палаццо Корнер делла Регина. Его племянник Томмазо Теманца (1705-1789) воплотил в таких постройках, как круглая церковь св. Магдалины, классицизм второй половины XVIII века, который находил удовлетворение в холодном подражании древним порядкам колонн.

Какое влияние итальянская архитектура использовала в 18 веке, показывает ее проявления в соседних странах.Итальянские архитекторы работали даже во Франции и в Испании и, как мы увидим, преобладали в России и часто в Германии. Итальянское искусство не ограничивалось своим распространением только морем и Альпами.

Искусство и архитектура барокко в Италии — Возрождение и Реформация

Введение

Хотя термин барокко чаще всего применяется к изобразительному искусству, на котором будет сосредоточена данная статья, и он наиболее тесно связан с итальянским искусством 17 века, между учеными существует мало единого мнения о ценности и значении этого термина.Более того, ученые англоязычного мира все еще сопротивляются применению этого термина к искусству 17-го века, потому что термин барокко никогда не использовался в тот период. Примененный к музыке Дени Дидро и к архитектуре Борромини в 18 веке, чтобы обозначить излишество, причудливость, уродство и отклонение от правил, барокко впоследствии использовалось, все еще уничижительно, в критике архитектуры и искусства 17 века. Немецкие историки искусства в 19 веке представили его для обозначения производства живописи и скульптуры в период между Ренессансом и расцветом неоклассицизма.Искусство этого периода с 16 -го -го по начало 18-го -го веков было связано с декадансом. К 20 веку термин барокко стал применяться к другим областям культурного производства, включая литературу. По примеру Генриха Вельфлина, который рассматривал барокко как реакцию на Возрождение, Юджин Орс утверждал, что барокко существует в каждую эпоху, хотя и в исторически уникальных итерациях. С одной стороны, искусство барокко связано с художественным производством, символизирующим риторику триумфальной Римско-католической церкви, и, таким образом, было создано в ответ на покровительство папства и религиозных орденов.Его часто связывают с римским искусством 17 века, которое неизбежно будет здесь в центре внимания. С другой стороны, этот термин сохранился в англоязычном мире с 1970-х годов в качестве удобного обозначения периода, хотя в значительной степени пустого. Недавно барокко было вновь введено в английскую науку, чтобы отсылать к драматическому, риторическому и эмоциональному характеру большинства культурных произведений 17-го века. Разногласия относительно продолжительности барокко продолжаются. Заканчивается ли этот период в 1700, 1725, 1750 или даже в 1800 году? Этот термин также нашел успех в художественной теории в качестве повторяющегося и метаисторического контрапункта классическому.Ученые, которые идентифицируют барокко как единую эстетику, выходящую за пределы какой-либо одной художественной области, утверждают, что это эстетика движения, драмы, новаторства и высокой риторики. С ним также связаны многие другие формальные характеристики, в том числе высокая контрастность, детализация, искусность и монументальность. Иногда считается, что это произошло из-за политического кризиса, коррупции и абсолютизма или возникло одновременно с ними. Некоторые ученые используют этот термин для обозначения формальных характеристик определенного периода в изобразительном искусстве; другие используют его для описания универсальной эстетики, объединяющей литературу, риторику, театр, музыку и искусство.

Общие обзоры

Концепция барокко как эстетики высокой риторики, великолепия и великолепия все еще сильна в континентальной науке, о чем свидетельствует постоянное появление публикаций в Германии, Франции и Италии, ориентированных как на специалистов, так и на обычных читателей. . Работы англоязычных ученых, в том числе Магнусона 1982, имеют тенденцию сопротивляться понятию единой объединяющей эстетики или стиля барокко, используя термин baroque экономно и ограниченно, чтобы предположить хронологический период, простирающийся с конца 16 века века до конца 17 века.Кенсет 1991 исследует интеллектуальный союз искусства, литературы, риторики и коллекционирования в контексте эстетики чудесного с конца 16 века до 17 века. Баттистини 2000 связывает барокко с Контрреформацией, в то время как и эта работа, и Снайдер 2005 связывают его также с придворной культурой и театром. Бауэр 1992 наиболее тесно отождествляет барокко с римским культурным производством 17 века. Снайдер 2005, напротив, отождествляет барокко с новаторской эстетикой и с развитием литературы и риторики, которые представляют собой решительный разрыв с прошлым.В противовес преобладающему мнению, которое связывает барокко со стилистическими качествами, очевидными в изобразительном искусстве, Снайдер 2005 утверждает, что эти средства массовой информации выдают меньше новизны, энергии и инноваций и, будучи тесными связями с культурой Возрождения, они менее точно представляют барокко. . Бауэр 1992 связывает барокко с искусством и притворством придворной культуры и с Concettismo , в то время как Харбисон 2000 тематически исследует эстетический характер барокко, рассматривая движение, искажение, удивление, сиюминутность, иллюзионизм и величие.

  • Баттистини, Андреа. Il barocco: Cultura, miti, imagini . Рим: Салерно, 2000.

    Рассматривает многие аспекты культуры барокко. Отношение к католической реформе и к риторике, театру, искусству и музыке в стиле барокко. Помещает барокко в противоположность маньеризму, хотя и то, и другое связано с придворной культурой. Маньеризм интровертен, тогда как барокко экспансивно, театрально, грандиозно и эмоционально. Барокко прозелитизирует и ассоциируется с орнаментом, изобилием, преувеличением, неравномерностью, неожиданностью и эффектностью.

  • Бауэр, Германн. Барокко: Kunst einer Epoche . Берлин: Дитрих Реймер, 1992.

    Определяет барокко как театральный стиль, связанный с придворной жизнью, абсолютизмом, Concettismo и связанный с римским культурным производством. Он рассматривает различные формы культурного производства, включая церемонии и эфемерные представления, такие как фейерверки и театр. Подчеркивает иллюзионизм барокко; включает важную главу о дворце в стиле барокко.

  • Харбисон, Роберт. Размышления о барокко . Чикаго: University of Chicago Press, 2000.

    Тематически исследует эстетику барокко в искусстве, литературе, религии, политике и историческом сознании в различных исторических и региональных контекстах. Начинается в Италии и в основном концентрируется на 17-18 веках, хотя также включает главу о необарокко и барокко 20-го века.

  • Кенсет, Джой, изд. Эпоха чудес . Ганновер, Нью-Хэмпшир: Художественный музей Гуда, Дартмутский колледж, 1991.

    Публикуется вместе с выставкой, посвященной культуре и представлениям о чудесах 16-17 веков. Очерки прослеживают пересечения поэзии, риторики и изобразительного искусства. Связывает чудесное с порождением чудес у читателей и наблюдателей через размытие жанров, новых сюжетов, удивление и трансформацию.

  • Магнусон, Торгил. Рим в эпоху Бернини . 2 тт. Стокгольм: Almquist & Wiksell International, 1982.

    Незаменимый обзор развития римской культуры в историческом, политическом и экономическом контексте между папствами Сикста V (годы правления 1585–1590) и Иннокентия XI (годы правления 1676–1689). Исправляет прежнюю тенденцию пренебрегать этим периодом и рассматривает культурное производство, включая изобразительное искусство, музыку, театр и зрелище, в связи с политическими событиями. Полезно для студентов и специалистов.

  • Снайдер, Джон Р. L’estetica del barocco . Болонья, Италия: Il Mulino, 2005.

    Краткое, но всестороннее исследование философии эстетики барокко, которую Снайдер определяет в отношении парадокса и правдоподобия, а также гениального, фантастического и остроумного. Воспринимает барокко как новое осознание искусства. Отождествляет эту мысль с дворами конца XVI — второй половины XVII веков.

Пользователи без подписки не могут видеть полный контент на эта страница.Пожалуйста, подпишитесь или войдите.

Италия Искусство барокко и рококо


(итальянский текст Анны Лизы Лимарди — перевод и адаптация Доменико Руссуманно)

В 17 веке архитектура барокко распространилась по Европе и Латинской Америке, где ее особенно продвигали иезуиты.Слово «барокко», как и большинство периодических или стилистических обозначений, было изобретено более поздними критиками, а не практиками в 17 и начале 18 веков.

Это французская транслитерация португальского слова «pérola barroca», что означает «неправильный жемчуг», а натуральный жемчуг, который отличается от обычной правильной формы и не имеет оси вращения, известен как «жемчуг барокко».

Ведущими фигурами в архитектуре барокко были Франческо Борромини и Джан Лоренцо Бернини, работавшие в Риме на протяжении большей части 17 века.Два мастера с очень разными характерами.

В скульптуре было выдающимся мастерством Джан Лоренцо Бернини, работавшего прежде всего в Риме (Экстаз Святой Терезы, Рим, Санта Мария делла Виттория).


Бернини (который также отвечал за создание великого бронзового балдаччино внутри базилики Сан-Петра в Риме и церкви Сан-Андреа-аль-Квиринале) открывал пространства и объединял их вместе впечатляющим образом, создавая эффекты движения и непрерывности. трансформация за счет умелого использования света.
Монументальный балдаччино был построен по заказу Папы Урбана VIII в 1623 году и завершен в 1634 году.


Большой бронзовый купол в стиле барокко, который сам по себе является очень большим сооружением, образует визуальное посредничество между огромными размерами здания и человеческими масштабами людей, совершающих религиозные церемонии.


Бономини (архитектор Oratorio dei Filippini и С. Иво алла Сапиенца) играл с контрастами силы и напряжения, оттягивая поверхности стен, изгибая их или создавая эффекты вращения вертикального толчка.
Oratorio dei Filippini (Ораторий Святого Филиппа Нери) был построен между 1637 и 1650 годами.
Основной корпус разделен на пять частей пилястрами вогнутой формы. Вверху барабанная перепонка, впервые созданная после углового искажения, подчеркивает как изогнутые, так и угловые движения.


В центральной части возникает диалектический набор между нижним уровнем, кривая которого движется наружу.


Борромини работал над этой задачей в течение 13 лет, и к 1640 году молельня использовалась, а к 1643 году библиотека, названная Biblioteca Vallicelliana, была завершена.


Современный облик города, площади с обелисками и фонтанами, лестничные марши и эффектные фасады создавались в течение столетия.


Искусство барокко отличается от искусства классицизма тем, что оно направлено на вовлечение зрителя, обращение к его воображению, физическим чувствам и чувствам, а не к его разуму.

Он должен покорить их захватывающими сильными эмоциями и чувством трепета. В некотором смысле это подавление рационального иррациональным, поиск нового баланса, теперь освобожденного от классических ограничений.Однако эти два стиля жили бок о бок и во многих случаях даже смешивались.


Церковь Санта-Мария-делла-Салюте (венецианский шедевр Бальдасара Лонгена), например, является классической по общему плану, но в стиле барокко по своему творческому убранству. Церковь стоит на узком пальце Пунта-делла-Догана, между Большим каналом и каналом Джудекка, в Бачино-ди-Сан-Марко в Венеции.


Известный как Cappella della Sacra Sindone (Часовня Святой Плащаницы) в северном городе Турин (регион Пьемонте), спроектированный архитектором Герино Гуарини и построенный в конце 17 века (1668–94) во время правления Карла Эммануила II, герцога Савойского.Часовня была построена для размещения Плащаницы, религиозной реликвии, которую многие считают погребальной плащаницей Иисуса из Назарета.



В отличие от других регионов, где архитекторы имели преимущество планировать совершенно новые памятники с роскошным экстерьером, неаполитанские художники и их спонсоры из-за нехватки недвижимости были вынуждены сосредоточить свое творчество на интерьере существующих структур, а не на внешней стороне.


Фонтан Тритона работы Бернини был выполнен в 1642–1643 годах.Он расположен на площади Пьяцца Барберини,
. (Площадь Барберини) и не следует путать с близлежащим фонтаном Тритони на площади Пьяцца Бокка делла Верита Франческо Бицзаккери. Тритон, первый из отдельно стоящих городских фонтанов Бернини, был построен для подачи воды из акведука Аква Феличе.


Великолепие архитектуры барокко, часто с оригинальными чертами, проявляется по всей Италии, особенно на юге, в пышности дворцов и церквей Неаполя.

… а также на Сицилии, где целые города (Катания, Ното) были восстановлены после сильных землетрясений по согласованному проекту в стиле барокко, включающему архитектуру и городское планирование.


В Лечче этот стиль проявляется особенно в богатой сложной отделке фасадов.


В 18 веке произошла утонченность линий и форм, которые стали более легкими и нежными, и изменение вкусов в отношении внутренней отделки, которая стала более изысканной, с использованием деликатных материалов (зеркала, лакированное дерево, обои) и экзотических фантазий. , следуя стилю, получившему название «рококо».
Работа Филиппо Джувары в Турине (Палаццо Мадама, Вилла Реале, Ступиниджи) является типичным примером этого стиля. Дворец был спроектирован для использования в качестве дворца какча («охотничий домик») Виктора Амадея II, короля Сардинии.

Ступиниджи были излюбленным зданием для проведения торжеств и династических свадеб членов Савойского дома. Здесь в 1773 году Мария Тереза, принцесса Савойская, вышла замуж за Чарльза Филиппа, графа Артуа, брата Людовика XVI и будущего французского Карла X.




В начале 1600-х годов картина Караваджо вызвала скандал и восхищение в Риме своим драматическим использованием света, грубым реализмом сцен и скромной повседневной внешностью главных героев (Зов и мученичество святого Матфея, Рим, Сан-Луиджи деи Францези).


… Тем временем искусство Карраччи (Фрески на своде Галереи Фарнезе, Рим) …


…и затем Гвидо Рени (Избиение младенцев, Болонья, Pinacoteca Nazionale) … Картина основана на библейском эпизоде ​​Избиения младенцев, описанном в Евангелии от Матфея.


… и Гверчино (Et in Arcadia ego, Rome, Galleria Corsini) процветали в Болонье, положив начало новому классическому течению. На картине изображены два молодых пастуха с мышью и мясной мухой, смотрящие на череп, помещенные на циппус со словами Et in Arcadia ego («Я тоже [был] в Аркадии»)


Малоизвестный за пределами Италии дворец Палаццо Лабиа в стиле барокко, построенный в 17-18 веках.
Дворец примечателен замечательным бальным залом, расписанным фресками Джованни Баттиста Тьеполо. Сцена ниже изображает встречу Клеопатры и Марка Антония.



Иллюзионизм и виртуозность были отличительными чертами живописи в стиле барокко, которая доминировала на протяжении большей части века. Своды и потолки церквей и дворцов были покрыты небом, населенным религиозными и мифологическими фигурами и имитацией архитектуры.

Одним из величайших ее практиков был Пьетро да Кортона (Триумф Божественного Провидения, Рим, Палаццо Барберини).

Живопись и скульптура 18 века сохранили характер прошлого века, но сменили драматическое напряжение на более утонченную и радостную элегантность.
Великолепные настенные украшения Джан Батиста Тьеполо являются примерами этого стиля (фрески во Дворце архиепископов в Удине).

С другой стороны, точная детализация — одна из характерных черт городских пейзажей Каналетто (Вид на милон из бассейна реки С.Марко, Флоренция, Уффици).
Неоклассицизм возник в результате возобновления изучения античности в конце века.

Начиная с 17 века использование воды как элемента в произведениях искусства было широко распространено.
Знаменитые фонтаны Рима (Четыре реки, Пчелы, Наяды) представляют собой архитектурные сооружения, украшенные скульптурами и струями воды.


Fontana dei Quattro Fiumi (Фонтан Четырех рек) находится на площади Пьяцца Навона в Риме.Он был спроектирован Джаном Лоренцо Бернини в 1651 году по заказу Иннокентия X, чей семейный дворец Памфили выходил на площадь. Основание фонтана представляет собой бассейн, из центра которого возвышаются травертиновые скалы, чтобы поддержать четырех речных богов, а над ними — древний египетский обелиск, увенчанный гербом семьи Памфили в виде голубя с оливковой веткой. В совокупности они представляют четыре основные реки четырех континентов, через которые распространилась папская власть: Нил, представляющий Африку, Дунай, представляющий Европу, Ганг, представляющий Азию, и Рио-де-ла-Плата, представляющий Америку.

Фонтан Апи (Пчелы), автор Джан Лоренцо Бернини

Fontana delle Api (Фонтан пчел) расположен на площади Пьяцца Барберини в Риме, где Виа Венето выходит на площадь. Он был завершен в апреле 1644 года и состоит из мраморной двустворчатой ​​раковины, на которой покоятся три пчелы из того же материала.
Фонтан был задуман как поилка для лошадей.
Надпись на раковине гласит: «Городской VIII мост. Макс., Построив фонтан для общественного украшения города, также построил этот небольшой фонтан для обслуживания частных лиц.В 1644 году, XXI году его понтификата ».


Фонтан наяд в Риме находится на площади Пьяцца делла Република. Первоначально он назывался «Аква Пиа» и был завершен в 1870 году. В результате в 1901 году четыре скульптуры, изображающие львов, были заменены скульптурами наяд Марио Рутелли.


Изображенные наяды — Нимфа озер (узнаваемая по лебедю, которого она держит), Нимфа рек (растянутая на чудовище рек)…


Нимфа океанов (верхом на лошади, символизирующей моря) и нимфа подземных вод (склоняющаяся над таинственным драконом).



Сады украшены бассейнами, фонтанами и водопадами, населены божествами и нимфами.


Прекрасным примером является парк Реджиа-ди-Казерта.


Другие произведения искусства того периода можно найти в следующих регионах и городах:

Слева — Палаццо Спаньоло — Неаполь — Справа и ниже — Санта-Мария-делла-Салюте — Венеция

Турин (Турин) — Пьемонте

Кьеза дель Кармине (F.Джувара)
Chiesa della Visitazione (Э. Ланфранки)
Chiesa deita Consotata (Г. Гуарини)
Corpus Domini (А. Виттоцци)
С. Андреа (Дж. Гуарини)
С. Филиппо Нери (Ф. Джувара)
С. Франческо д’Ассизи (Б.Виттоне)
С. Лоренцо (Дж. Гуарини)
С. Тереза ​​ (А. Костагута, Ф. Джувара)
Капелла делла Сакра Синдоне (G.Гуарини)
Палаццо Кариньяно (Г. Гуарини)
Палаццо Читта (Э. Ланфранки)
Палаццо Мадама (Ф. Джувара)
Палаццо Реате (Ф. Джувара)
Палаццо Карпано (М. Гарове)
Кастелло дель Валентино (К. ди Кастелламонте)
Пьяцца С. Карло. (C. dili Castellamonte)
Galleria Sabauda (Карраччи, Г.Рени, Гверчино,
М. Прети, Б. Строцци, С. Риччи, Тьеполо, Ф-дель-Каир.
Городской музей (Г.К. Прокаччини, Д. Оливеро)


Ступиниги (Турин) Вилла Реале (Ф. Джувара)

Милан (Милан)

С. Алессандро (Л, Бинаги)
С. Джузеппе (Ф.М., Ричини)
S, Антонио Абате (Г.Руснати)
С. Мария алла Порта (Ф.М. Ричини)
Палаццо Дурини (Ф.М. Ричини)
Палаццо Кусани (Г. Руджери)
Палаццо Литта (Ф.М. Ричини)
Пинакотека Брера (Тьеполо, Каналетто, Дж. Черути, Д. Креспи, Дж. Ассерето, Дж. Гварди, Гверчино, А. Лонги, Т. да Варалло)
Musei del Castello (Тьеполо, Г.К. Прокаччини, Серано, Д. Креспи, А. Маньяско, Ф.Гварди)


Museo di S. Maria della Passione (Д. Креспи, Ф. дель Каир, Вермиглио)

Генуя (Генуя)

СС. Аннунциата (Г.А. Ансальдо, Б. Строцци, Л. Камбьязо, Т. Карлоне, Д. Пиола)

С. Анна (Сарцана)
С. Марта (Ф. Пароди)
С.Панкрацио (Ф. Скьяффино)
С. Себастьяно (Д. Солари)
Палаццо Бальби (Г. Петонди)
Палаццо Университарио (Б. Бьянко)
Палаццо дель Подестир (Ф. Бигги)
Палаццо Реале (К. Фонтана)
Галерея Палаццо Россо (Л. Камбьязо, Сарцана, Б. Строцци, Грекетто)
Museo di architettura e scultura ligure
(F.Parodi, P. Puget, F, Schiaffino, L. Cambiaso)


Палаццо Бьянко (Г. Ассерето, Дж. Б. Кастелло, Карлоне, Б. Строцци, А. Маньяско)

Венеция (Венеция)

Chiesa dei Gesuali (Г. Массари)
Кьеза дель Реденторе (К. Сарасени)
Кьеза дель Анджело Раффаэле (Ф. Гварди)
Кьеза делла Маддалена (T.Теманза)
С. Мария делла Салюте (Б. Лонгена)
Gli Scalzi (Б. Лонгиена, Г. Сарди)
С. Симоне Пикколо (Г. Скальфаротто)
Палаццо Джустиниан-Лолин (Б. Лонгена)
Палаццо Пезаро (Б. Лонгена, А. Гаспари)
Палаццо Реццонико (Б. Лонгена, Г. Массари)
Палаццо Видманн — Фоскари (Б. Лонгена)
Палаццо Лабиа (Дж. Б. Тьеполо)
Scuola dei Carmini (G.Б. Тьеполо)
Galleria dell’Accademia ( F. Solimena, B. Strozzi, D. Fetti, Tiepolo, Piazzetta, S. Ricci,
) А. Маньяско, Ф. Гварди, Каналетто)

Palazzo Rezzonico, Museo del
Settecento (Тьеполо, П. Лонги, Каналетто, Ф. Гварди, л. Гуарана, Р. Карьера)

Виченца

с.Марко (С. Риччи)
Кьеза дельи Аракоели (К. Борелла)
Палаццо Бонацци (А. Пиццокаро)
Палаццо Корделлин а (О. Кальдерари)
Палаццо Пагелло (Б. Скамоцци)
Вилла Валмарана (F. Muttoni, G.B. e G.D. Tiepolo)
Ла Ротонда (Б. Скамоцци)


Городской музей (Г.8. e G.D. Tiepolo, F. Maffei, S. e M. Ricci, G.B. Питтони, В.А. Cignaroli)

Лацио — Рим

С. Лоренцо в Лучинии (Л. Бернини, Дж. Рени)
С. Аньезе ин Агоне (Ф. Борромини)
С. Агостино (Л. Ванвителли, Л. Бернини, Караваджо)
С. Карло алле Кватро Фонтане (Ф. Борромини)
С.Мария делла Паче (П. да Кортона)
С. Пьетро ин Ватикано (Л. Бернини, А. Альгарди, К. Фонтана)
С. Андреа аль Квиринале (Л. Бернини)
Сан Джованни ин Латерано (Ф. Борромини)
С. Мария Маджоре (Ф. Фуга)
Палаццо Дориа (Г. Вальвассори)
Палаццо Киджи (Г. Мадерно)
Палаццо дель Парламенто (К. Фонтана)
Палаццо Барберини (L.Бернини)
Палаццо Мадама (Л. Карди)
Вллла Албани-Торлония (К. Маркионни)
Фонтана делла Баркачча (Л. Бернини)
Фонтана Треви (Н. Салви)
Фонтана деи Фьюми (Л. Бернини)
Фонтана дель Тритон (Л. Бернини)
Тринита деи Монти (Ф. де Санктис, А. Спекки)
Пьяцца С. Пьетро (L.Бернини)
Галерея Боргезе (Л. Бернини, Караваджо, П. да Кортона, Бароччи)
Galleria Nazionale d’Arte Antica (Караваджо, Каналетто, Ф. Гварди)
Галерея Дориа-Памфили (А. Альгарди, Карраччи, Караваджо, Л. Бернини)


Пинакотека Ватикана (Гверчино, Дж. Рени, П. да Кортона, Караваджо)

Неаполь (Кампания)

Chiesa dei Gesuiti (Ф.Solimena, M. Stanzione)
S. Domenico Maggiore (A. Corradini, G. Sammartino)
S. Maria degli Angeli (F. Grimaldi)
S. Nicola alla Carita (F. Solimena, F. Де Мура)
С. Паоло Маджоре (Ф. Солимена, М. Станционе)
С. Филиппо Нери (Л. Джордано, М. Станционе, Ф. Солимена, Г. Рени)
Капелла Сансеверо (Ф Кейроло)


Гулия ди С. Дженнаро (C.Fanzago)
La Nunziatella (F. Sanfelice)
Palazzo Reale (D. Fontana)
Fontana del Nettuno (D. Fontana, C. Fanzago, L. Bernini, M. Naccherino)


Museo di Capodimonte (Г. Рени, Г. Рибера, А. Джентилески, А. Ваккаро, Ф. Де Мура, Ф. Солимена,
Ф. Гуарино, А. Маньяско, Г.М. Креспи)
Museo di S. Martino (М. Станционе, Дж. Рибера, Дж. Рени, Л. Джордано, Б. Караччоло, Г.Ланфранко, А. Ваккаро, К. Маратта, М. Спадаро)
Городской музей Филигери (А. Ваккаро, Г. Рибера, Л. Джордано, Б. Караччиоло)

Казерта — Кампания

Королевский дворец — Реджа (Г. Ванвителли)

Лечче — Апулия

Домский собор (Г. Зимбало)

С. Анджело (Зингарелло)
С. Кроче (С.Пенна)
С. Мария делле Грацие (М. Колузио)
С. Кьяра (Г. Чино)
С. Маттео (А. Кардуччи)
Кьеза-дель-Росарио (Г. Зимбало)
Кьеза дель Кармине (G, Cino)
Палаццо делла Префеттура (Зингарелло)
Палаццо дель Говерно (G. Zimabalo, G, Cino)

Палермо — Сицилия

Собор Сан-Джузеппе деи Театини (F.Фуга)


Работайте с нами — Вы гид? Вы организуете туры в северную и южную Италию? Если тематика основана на культуре, истории и мероприятиях на свежем воздухе, мы будем рады поговорить с вами. Напишите нам.

Sei in grado di promuovere il tuo Territorio con le sue produzioni enogastronomiche, le sue strutture ricettive e le sue bellezze storiche e Arthe, Made in South Italy può essere la piattaforma ideale per raccontare i mapresentare , Бен consapevole, что для meglio meglio и в modo Complete ha bisogno della сотрудничества di chi vive in quei luoghi, li conosce dall’interno e li sa rappresentare.Interessati?

La vetrina ideale for promuovere i vostri prodotti e servizi sul mercato Nord Americano ma cherebbe essere un punto di visibilità anche nei var mercati internazionali.


Paesi di provienza dei visitatori in ordine numerico
Stati Uniti — Canada — Italia — Gran Bretagna — Australia — China — Germania — Francia — Nuova Zelanda — Olanda

Coloro interessati adloserire la loro attivita ‘/ azienda / nel site
звук прегати меттерсов в контакте используется по модулю сопрастанции…per saperne di piu ‘

Южное барокко: Италия и Испания

Лекции по европейскому искусству семнадцатого века обычно проходят после занятий по эпохе Возрождения в Италии и на Севере. На этом этапе хронологического исследования истории искусства студенты узнают о ряде ключевых идей и тем, таких как возобновление интереса к греческому и римскому гуманизму и натурализму, пересечение искусства и науки в эпоху Возрождения, движения за религиозные реформы. это изменило европейскую культуру и возникший глобализм, связавший Европу, Африку, Азию и Америку.Эти темы создают интересные контрасты и преемственность с барокко.

Этот урок можно начать с краткого исторического обзора, чтобы представить контекст искусства семнадцатого века. Другой способ начать обсуждение в классе — сравнить произведения эпохи Возрождения и барокко, такие как «Тайная вечеря » Леонардо да Винчи и « Зов святого Матфея » Караваджо. Чтобы учащиеся критически оценили это сравнение, дайте им лист, в котором перечислены сходства и различия.Студенты могут работать вместе в парах, чтобы поделиться своими идеями и подготовиться к сегодняшней лекции и / или обсуждению в классе. Затем можно попросить группы студентов добровольно поделиться своими ответами. Среди вопросов, которые могут стать рамками лекции или обсуждения в классе, следующие: «Основываясь на этих двух изображениях, чем живопись барокко отличается от живописи эпохи Возрождения?» или «Как искусство барокко связано с искусством Возрождения?» Вступительное обсуждение может помочь студентам рассмотреть концепции и элементы (например, светотень, жесты и т. Д.).) они уже научились в классе, чтобы помочь понять их варианты в искусстве барокко (т. е. тенебризм, крайние эмоции и т. д.).

Есть много отличных ресурсов для изучения искусства Италии и Испании семнадцатого века. Материалы для чтения могут включать соответствующие главы из любого из основных учебников по исследованиям, таких как Gardner, Janson и Stokstad. Некоторые из текстов обзоров, относящихся к конкретному периоду, содержат полезные сегменты для преподавателей, которые хотят получить больше информации об искусстве семнадцатого века:

  • Роберт Нойман, Искусство барокко и рококо (Пирсон, 2013).
  • Энн Сазерленд Харрис, Искусство и архитектура семнадцатого века , 2-е изд. (Пирсон, 2008).

Краткие выдержки из основных трактатов по искусству итальянского и испанского барокко в книге Роберта Энггасса и Джонатана Брауна « Итальянское и испанское искусство, 1600-1700: источники и документы» могут быть назначены для ознакомления студентов с первоисточниками по таким крупным художникам, как Караваджо и Веласкес. Всю книгу можно найти в Интернете здесь.

Текущее научное онлайн-руководство по исследованиям, содержащее дополнительные ссылки, см. В Anne H.«Барокко» Мураоки в Оксфордской библиографии .

Интернет-ресурсы включают записи о Хейлбруннской шкале истории искусств, поддерживаемой Метрополитен-музеем, а также Smarthistory. Музей Метрополитен также имеет открытый доступ к некоторым из их публикаций. Например, книга Кейта Кристенсена «Переход к барокко: привлечение мастеров XVII века в Метрополитен», , Бюллетень музея искусств Метрополитен, , т. 62, вып. 3 (зима 2005 г.).

Онлайн-программа AHTR также предлагает хорошие рекомендуемые чтения.

Если библиотека вашего учебного заведения подписана на «Фильмы по запросу», вы можете рассмотреть возможность потоковой передачи некоторых клипов или полнометражных фильмов, посвященных искусству и архитектуре барокко. К знаменитой серии Саймона Шамы «Сила искусства» (2006) можно получить доступ целиком, а также к ее фрагментам, посвященным искусству Караваджо и Бернини.

Италия и Испания, с 1600 по 1700 — Кливленд State Art

Святая Тереза ​​была монахиней, которая была канонизирована (сделана святой церковью) отчасти из-за духовных видений, которые она испытала.Она жила в середине 16 века в Испании — в разгар Реформации. Святая Тереза ​​написала несколько книг, в которых описала свои видения.

ДЖАНЛОРЕНЦО БЕРНИНИ, внутренний двор капеллы Корнаро, Санта-Мария-делла-Виттория, Рим, Италия, 1645–1652 гг.

ЭКСТАЗИ СВЯТОЙ ТЕРЕЗЫ

  • Отображает движение и эмоции итальянского барокко
  • Бернини отказался ограничивать свои статуи крошечными нишами

В капелле Корнаро римской церкви Санта-Мария-делла-Виттория

  • Архитектура, скульптура и живопись бывшие в употреблении
  • Вся комната заполнена напряжением

Исследовал театральные и сценические проекты

Игнатий Лойола (1491–1556)

  • Основал орден иезуитов в 1534 году
  • Церковь святого Игнатия канонизирована в 1622 году

В своей книге Духовные упражнения

  • Утверждал, что воссоздание духовных переживаний в произведениях искусства во многом повысит преданность
  • воздействие на чувства было важно
  • может использовать искусство для достижения целей Контрреформации

Бернини был набожным католиком

ДЖАНЛОРЕНСО БЕРНИНИ, Экстаз Святой Терезы, Капелла Корнаро, Санта-Мария-делла-Виттория, Рим, Италия, 1645–1652 гг.Мрамор, высота группы 11 футов 6 дюймов.

изображает святую Терезу

  • Монахиня ордена кармелитов
  • Один из великих мистических святых испанской контрреформации
  • Ее обращение произошло после смерти отца
  • Впал в серию трансов, видел видения и слышал голоса

Почувствовал непрекращающуюся боль

  • Приписывают это огненной стреле божественной любви, которую ангел неоднократно вонзил ей в сердце
  • Святая Тереза ​​описала это переживание как заставившее ее упасть в обморок от восхитительной тоски

Вся часовня стала похожа на театр

Бернини изобразил святого в экстазе

  • Безошибочное сочетание духовной и физической страсти
  • опирается на облако, в то время как улыбающийся ангел целит стрелу
  • разные текстуры в облаках
  • Грубая ткань, прозрачная ткань, гладкая плоть и перистые крылья
  • Все вырезаны из одного белого мрамора

Свет из скрытого окна из желтого стекла льется на золотые лучи

  • Предложите сияние Небес, нарисованное изображение которого покрывает свод

Он был завершен в 1652 году примерно за 120 000 долларов

Часовня — это взрыв цветного мрамора, металла и деталей.

Свет проникает через окно над Терезой, подчеркнутое позолоченными лучами.

Ниша, в которой это происходит, выглядит как неглубокая авансцена

  • (часть сцены перед занавесом)
  • вверху половина фронтона
  • в окружении цветного мрамора

Это ее описание события, которое изображает Бернини:

Рядом со мной слева явился ангел в телесной форме…. Он был невысокого роста, но невысокого роста и очень красив; и его лицо так пылало, что он казался одним из ангелов высшего ранга, которые, кажется, все в огне …В его руках я увидел большое золотое копье, а на его железном наконечнике, казалось, была точка огня. Он несколько раз вонзился мне в сердце, так что оно проникло в мои внутренности. Когда он вытащил его, я почувствовал, что он взял их с собой и оставил меня полностью поглощенным великой любовью Бога. Боль была настолько сильной, что заставила меня издать несколько стонов. Сладость, вызываемая этой сильной болью, настолько велика, что невозможно желать, чтобы она прекратилась, и душа не довольствуется ничем, кроме Бога.Это не физическая, а духовная боль, хотя тело принимает в ней некоторую, даже значительную долю.

Святая Тереза ​​описывает свои сильные духовные переживания в очень физических, даже в сексуальных терминах. Почему? Мы знаем, что важная цель искусства барокко — привлечь зрителя. Тереза ​​описывает это в физических терминах, чтобы мы могли понять. В конце концов, быть посещенным ангелом и наполненным любовью к Богу — непростой опыт. Как мы можем с нашим обычным опытом надеяться понять интенсивность и страсть ее опыта, кроме как на наших собственных условиях?

Часовня Корнаро
Когда мы смотрим на произведение Бернини Ecstasy of Saint Teresa , мы должны рассмотреть все пространство часовни.Часовня называется часовней Корнаро в честь семьи Корнаро, которая контролировала ее и поручила Бернини вылепить святую Терезу.

Когда мы идем к часовне, мы видим, что по обе стороны от нас, на боковых стенах, есть что-то, похожее на театральные ложи. В этих ящиках сидящие фигуры, кажется, разговаривают и жестикулируют друг с другом. Возможно, они преклоняют колени в молитве, наблюдая и обсуждая сцену экстаза Святой Терезы .

Покровитель, Федерико Корнаро, второй справа.

Кто эти фигурки в театральных ложах? Один из них — Федерико Корнаро, Кадинал Венеции и покровитель, который заплатил за капеллу Корнаро. Остальные — посмертные портреты членов семьи Корнаро (многие из них также были кардиналами). Позади них Бернини создал сказочную иллюзию архитектуры — кессонный цилиндрический свод, дверной проем и колонны. А если следовать метафоре театра, кажется, что у нас лучшие места в доме! И, что немаловажно, произошло то, что мы сразу стали частью произведения искусства.Он нас окружает, и мы буквально внутри него. Это, как мы видели, типичная черта искусства барокко — преодоление барьера между произведением и зрителем, чтобы вовлечь нас.

Архитектура эпохи Возрождения — Всемирная историческая энциклопедия

Архитектура эпохи Возрождения зародилась в Италии и пришла на смену готическому стилю в период с 1400 по 1600 годы. Особенности зданий эпохи Возрождения включают использование классических порядков и математически точные соотношения высоты и ширины в сочетании с стремление к симметрии, пропорциям и гармонии.Колонны, фронтоны, арки и купола образно используются в зданиях всех типов.

Шедевры эпохи Возрождения, которые повлияли на другие здания по всему миру, включают базилику Святого Петра в Риме, Темпьетто в Риме и купол собора Флоренции. Еще одна определяющая черта архитектуры эпохи Возрождения — распространение иллюстрированных текстов на эту тему, которые помогли распространить идеи по Европе и даже за ее пределами. Стиль эпохи Возрождения часто смешивался с местными традициями во многих странах и в конечном итоге был оспорен богато декоративным стилем барокко, начиная с 17 века.

Архитектура эпохи Возрождения была развивающимся движением, которое сегодня принято делить на три фазы:

  • Раннее Возрождение (ок. 1400 г. и позже), первое пробное повторное использование классических идей
  • Высокое Возрождение (ок. 1500), чистокровное возрождение классицизма
  • Маньеризм (он же поздний ренессанс, ок. 1520-30 гг.), Когда архитектура стала намного более декоративной, а повторное использование классических тем — еще более изобретательным.

Историки редко приходят к единому мнению о том, когда именно произошли эти изменения, и многое также зависит от географии, как в отношении стран, так и отдельных городов.

Римский Пантеон

Capitu (CC BY)

Изучение прошлого

Период Возрождения стал свидетелем большого возрождения интереса к древности с точки зрения мысли, искусства и архитектуры. Первым и наиболее очевидным пунктом изучения архитекторов эпохи Возрождения была масса греко-римских руин, которые все еще можно увидеть в южной Европе, особенно, конечно, в Италии.Базилики, римские бани, акведуки, амфитеатры и храмы были в разной степени разрушены, но все еще видны. Некоторые сооружения, такие как Пантеон (ок. 125 г. н. Э.) В Риме, очень хорошо сохранились. Архитекторы изучили эти постройки, сняли обмеры и сделали их детальные чертежи. Они также изучали византийские постройки (особенно купольные церкви), особенности романской архитектуры и средневековых построек. Для многих итальянских архитекторов готический стиль считался агрессивным «северным» изобретением, которое «испортило» итальянские традиции.Во многих отношениях архитектура эпохи Возрождения была возвращением к корням Италии, даже если средневековая архитектура никогда не была полностью заброшена.

История любви?

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей по электронной почте!

Базовая грамматика архитектуры эпохи Возрождения составляла пять классических порядков: тосканский, дорический, ионический, коринфский и композитный.

Вторым пунктом исследования были уцелевшие древние тексты, в частности, Об архитектуре римского архитектора Витрувия (ок.90 — с. 20 г. до н.э.). Написанный между 30 и 20 годами до нашей эры, трактат сочетает в себе историю древней архитектуры и инженерии с личным опытом автора и советами по этому вопросу. Первые печатные издания вышли в Риме в 1486 году. Архитекторы эпохи Возрождения тщательно изучали эту работу, изучали акцент на симметрии и математических соотношениях и во многих случаях даже пытались построить структуры, которые Витрувий описал только на словах. Возможно, еще большим эффектом было то, что Витрувий вдохновил многих архитекторов эпохи Возрождения на написание собственных трактатов (см. Ниже).

Пять классических орденов Серлио

Роберт Пик (общественное достояние)

Современные влияния

Architects изучали не только далекое прошлое, но и то, чем занимались коллеги в других местах. Рисунки и гравюры распространяют новые концепции повсюду, так что те, кто не может лично увидеть новые здания, могли изучать развивающиеся тенденции. Иногда влияние исходило из неожиданных мест. Флорентийский художник и скульптор Микеланджело (1475-1564) создал одни из самых известных произведений искусства эпохи Возрождения, которые оказали огромное влияние на более поздние художественные стили.Его смелое и декоративное переосмысление классических фигур в искусстве также повлияло на архитекторов, побуждая их пробовать новые идеи, смешивая классические элементы и делая их более декоративными. Сам Микеланджело принимал непосредственное участие в архитектуре. Его Лаврентьевская библиотека, Сан-Лоренцо, Флоренция (1525 г.) с читальным залом длиной 46 метров (150 футов) представляла собой триумфальное сочетание эстетики и функциональности — двух неразрывных идей архитекторов эпохи Возрождения.

Другим влиятельным художником, ставшим архитектором, был Рафаэль (1483-1520).Он так же повлиял на архитектуру, в его случае с Палаццо Бронконио дель Аквила в Риме (ныне разрушенный). Это здание имело очень богатую внешнюю отделку и представляло собой преднамеренное и оригинальное смешение обычного и функционального расположения колонн, ниш и фронтонов.

Но даже более влиятельными, чем эти художники, были специализированные архитекторы, чьи здания, трактаты и биографии распространяли свои идеи по Италии и Европе. Филиппо Брунеллески (1377–1446) — одна из таких фигур, и он считается отцом архитектуры эпохи Возрождения.Брунеллески особенно интересовался изучением линейной перспективы и достижением гармоничной простоты формы в зданиях, которые также учитывали непосредственную среду, в которой они были построены. Акцент Брунеллески на классических пропорциях, простой геометрии и гармонии был главными соображениями в том, что стало новым архитектурным языком.

Купол собора Флоренции работы Брунеллески

Бирасуэги (CC BY-SA)

Этот архитектурный язык был официально канонизирован Себастьяно Серлио (1475-1554) в его Семи книгах по архитектуре , чрезвычайно влиятельной теоретической и практической работе (см. Ниже).Серлио сформулировал пять классических орденов, пятый из которых впервые был определен c. 1450 год — архитектор и ученый Леон Баттиста Альберти (1404-1472). Эти порядки следующие: тосканский, дорический, ионический, коринфский и пятый, композитный (смесь ионических и коринфских элементов). Архитекторы экспериментировали с этими заказами, смешивая и переосмысливая их, чтобы создавать совершенно уникальные здания. Дизайнеры также добавили бы к смеси другие идеи, такие как умные эффекты иллюзорной перспективы, особенно заметные в работе Донато Браманте (ок.1444-1514), который считался основоположником архитектуры Высокого Возрождения. Чтобы лучше понять, какой вклад внес каждый архитектор в движение эпохи Возрождения, необходимо рассмотреть некоторые из ключевых зданий того периода.

Церкви

Церкви продолжали оставаться очень важной частью любого сообщества, и одним из самых выдающихся достижений эпохи Возрождения в этой области был купол собора Санта-Мария-дель-Фьоре во Флоренции, спроектированный и построенный Брунеллески.Построенный в 1436 году, кирпичный купол имеет диаметр у основания 45,5 метров (149 футов), что сделало собор самым большим и самым высоким зданием в Европе того времени. Купол имел блестящую конструкцию и был построен без фиксированного центрирования (временных деревянных лесов) на этапе строительства. Скорее, каждый круговой ход купола завершался до того, как сверху добавлялся другой курс. Купол является самонесущим благодаря 8 внешним и 16 внутренним ребрам, которые поднимаются от основания к вершине и образуют самонесущие арки.Как следствие этой системы, купол имеет заостренный профиль и состоит из восьми различных сторон. Еще одним соображением для архитектора было то, что заостренный купол дает гораздо меньшую боковую нагрузку на барабан под ним, чем полусферический, что устраняет необходимость в дополнительной поддержке, такой как неприглядные парящие контрфорсы. Сделанный из кирпича, уложенного в виде армирующей елочки, купол придает дополнительную прочность и легкость за счет двойной оболочки. Наконец, казалось, что Возрождение превзошло инженерные достижения древности.

Фасад базилики Сан-Андреа, Мантуя, автор — Альберти

Геобия (CC BY-SA)

Церкви были повсеместными в Европе, но теперь многие были обновлены. Проблема с такими проектами заключалась в том, как совместить симметрию классической архитектуры со средневековой церковью с высокими нефами. Альберти придумал одно решение — создать фасад, состоящий из трех квадратов одинакового размера (один по обе стороны от входа, а другой сверху, увенчанный треугольным фронтоном).Идея была воплощена в жизнь для фасада церкви Санта-Мария-Новелла во Флоренции (завершена в 1470 г.). Использование колонн и фронтона сильно напоминает фасад римского храма. Альберти пошел еще дальше, создав фасад церкви Сан-Андреа (спроектированный ок. 1470 г.) в Мантуе. Это было первое монументальное здание эпохи Возрождения, очень напоминающее римскую триумфальную арку. Кроме того, интерьер повторяет арочную тему с ее массивными опорами и балочным потолком, крупнейшим сооружением со времен античности.

Темпьетто Сан-Пьетро в Риме был разработан Браманте и завершен ок. 1510. Здание, расположенное на месте, которое считалось местом распятия Святого Петра, было первым сооружением эпохи Возрождения, в котором использовался весь дорический орден античности. Дизайн, в котором сочетаются классические и христианские идеи, является прекрасным примером гуманистического мышления эпохи Возрождения, выраженного в архитектуре. 16 классических колонн (восстановленных из древних зданий) не только элегантны и не украшены, но и круговой дизайн храма считался идеальной формой для церкви, поскольку считался самой благородной из геометрических форм.Кроме того, христианские здания, посвященные памяти мучеников, традиционно планировались централизованно. Элегантный фасад и бочкообразный центр, поднимающийся прямо через кольцо колонн к парящему куполу, имитировались повсюду с тех пор и до сих пор можно увидеть в зданиях по всему миру, от лондонского собора Святого Павла до Капитолия США.

Tempietto of San Pietro, Рим

Quinok (CC BY-SA)

В 1565 году Андреа Палладио (1508-1580) начал строительство церкви Сан-Джорджо Маджоре в Венеции, здания, вдохновленного базиликой Максенция 4-го века на Римском форуме в Риме.Как и Альберти, Палладио стремился придать классический вид средневековому зданию неправильной формы. Фасад с колоннами на массивных основаниях, увенчанными коринфскими капителями, состоит из двух взаимосвязанных фасадов храма. Это было новаторское решение Палладио для покрытия наклонного здания симметричным фасадом в классическом стиле. В 1576 году Палладио повторил идею церкви, ныне известной как Il Redentore (Христос-Искупитель), также в Венеции. Интерьер просторный, с очень широким нефом и без проходов.Он очень мало украшен и в основном белый, Палладио предпочитает вместо этого придавать церковный характер игрой обильного света на своих коринфских колоннах и арках. Освещение интерьера во многом благодаря полукруглым окнам, заполненным удивительно прозрачным венецианским стеклом. Обе эти венецианские церкви содержат элементы, которые можно увидеть в римских банях, такие как несколько сводчатых областей, разделенных экранами из колонн.

Кульминацией всех архитектурных особенностей эпохи Возрождения стала новая базилика Святого Петра в Риме.Старая базилика, построенная на месте гробницы Святого Петра, была снесена. Рекорд Флорентийского собора как самой большой церкви в мире должен был быть отменен. Многие архитекторы участвовали в проекте, который длился более века, но первый крупный проект был внесен Браманте. По заказу Папы Юлия II (годы правления 1503-1513), первый камень в фундамент был заложен 18 апреля 1506 года. Последний камень был заложен в 1626 году. Внутренние размеры здания составляют 180 x 135 метров (600 x 450 футов), а величественный купол имеет купол. диаметр 42 метра (137 футов) и поднимается на высоту 138 метров (452 ​​футов) от уровня земли.

Общественные и домашние здания

Общественное здание, которое часто называют типичным примером архитектуры раннего Возрождения, — это больница Брунеллески во Флоренции (завершена в 1424 году). Использование архитектором высоких тонких колонн для поддержки арок, образующих лоджии с неглубокими куполами, имитировалось для фасадов многих других типов общественных зданий на протяжении 15 века.

Базилика Палладиана, Виченца от Палладио

Юния (CC BY-SA)

В 1546 году Палладио спроектировал новый фасад ратуши Виченцы (впоследствии известной как Базилика Палладиана).Арки создают то, что стало известно как «Палладианское окно», то есть пару более коротких двойных колонн, поддерживающих арку, причем каждая арка обрамлена одной более высокой колонной. Эта идея способствовала тому, что стало известно как «палладианское движение» в архитектуре, часто называемое палладианством.

Что касается жилых зданий, влиятельное переосмысление классических форм можно увидеть в доме Альберти с. 1450 Палаццо Ручеллаи во Флоренции. Уплощенный фасад пилястровых колонн и совершенная симметрия даже включали нижнюю часть алмазного декора, что является прямой ссылкой на древнеримскую технику возведения стен, известную как opus reticulatum .Это здание было первым в эпоху Возрождения, получившим фасад в классическом стиле.

Еще один значительный вклад в новые идеи в области частных зданий был внесен Браманте с его Палаццо Каприни 1501 года в Риме. Он известен как «Дом Рафаэля» после того, как Рафаэль поселился в нем с 1517 года. Верхний этаж выполнен в классическом стиле, а нижний — в рустованном стиле с арочными фасадами магазинов. Эти два уровня объединились, чтобы создать строго симметричный фасад, и он оказал огромное влияние на дворцовые постройки в Италии в течение следующих двух столетий.

Palazzo Farnese, Рим

Myrabella (CC BY-SA)

Палладио также оказал огромное влияние на внутреннюю архитектуру. Работая для богатых землевладельцев в Виченце и ее окрестностях на севере Италии, Палладио спроектировал множество впечатляющих вилл, которые превратили храмы Древнего Рима в частные дома. Он добавил большой портик с колоннами для входа (или даже по одному для каждой стороны здания), имел большую центральную комнату, увенчанную куполом, и поместил всю конструкцию на приподнятую платформу.Лучшим примером является вилла Вальмарана, также известная как «Ла Ротонда», недалеко от Виченцы, построенная ок. 1551. Более поздние архитекторы эпохи Возрождения добавили террасные сады, чтобы еще больше улучшить визуальное восприятие великих изолированных жилых домов.

В 16 веке архитектура эпохи Возрождения превратилась в более декоративный и изобретательный маньеризм. Хорошим примером этого изменения настроения является внутренний двор Палаццо Марино в Милане (завершен в 1558 году н.э.), спроектированный Галеаццо Алесси (1512-1572). Это театрализованное представление классических элементов, почти стертых декоративной скульптурой.Сравните это здание с классической симметрией и строгостью Палаццо Фарнезе в стиле высокого Возрождения в Риме (проект около 1517 года) Антонио да Сангалло Младшего (около 1483-1546 гг.).

Palazzo Marino Courtyard, Милан

Карло Дель’Орто (CC BY-SA)

Наконец, архитекторы эпохи Возрождения были вовлечены в менее красивые, но практически полезные проекты, такие как строительство защиты от наводнений, укреплений, монументальных общественных фонтанов и городского планирования.

Письменные работы по архитектуре

Многие архитекторы, как уже отмечалось, написали книги по своему предмету.Книга Альберти О здании ( De Re Aedificatoria ) вышла на латыни в 1452 году, а затем на тосканском языке в 1456 году. Альберти каталогизировал определяющие принципы классической архитектуры и отметил, как они могут быть применены к современным зданиям эпохи Возрождения. Он подчеркнул необходимость того, чтобы здания были видны со всех сторон, что проектировщик должен одинаково учитывать интерьер и экстерьер, и они должны быть впечатляющими как по размеру, так и по внешнему виду. Книга стала своего рода библией архитектора, тем более, что она была напечатана в 1485 году как Десять книг по архитектуре .По праву Альберти стал известен как «флорентийский Витрувий». Работа Альберти также положила начало более широкому обсуждению роли архитектуры в обществе, отношения дизайна здания к его функциям, и заставила людей говорить об архитектуре, которые не были напрямую вовлечены в эту область.

« Семь книг по архитектуре» Серлио (с 1537 по 1575 год) не только канонизировали пять классических орденов, как упомянуто выше, но и охватывали уцелевшие здания античности, современную архитектурную теорию и практические советы для архитекторов, основанные на моделях.Особенностью этих книг является включение большого количества подробных и точных печатных иллюстраций на дереве, часто нарисованных самим Серлио. Еще одна влиятельная и пользующаяся большим спросом книга по заказам принадлежит Джакомо Бароцци да Виньола (1507–1573), его 1562 «О пяти приказах» ( Regole delle cinque ordini ).

страницы из семи книг Серлио по архитектуре

Франсуа де Дижон (CC BY-SA)

В 1556 году Палладио представил серию иллюстраций к новому изданию своего героя Витрувия « Об архитектуре », а затем внес свой вклад в растущую библиотеку эпохи Возрождения, выпустив свои Четыре книги архитектуры (1570).Сразу же завоевав популярность у архитекторов, работа была переведена на несколько других европейских языков, в том числе четыре издания на английском языке между 1663 и 1738 годами. В работе рассматриваются материалы, классические порядки, бытовые и общественные здания, а также представлены реконструкции римских храмов. Книги помогли распространить идеи Палладио об архитектуре, потому что, хотя они сосредоточены на классической архитектуре, автор часто использовал свои собственные проекты для иллюстрации описаний.

Распространение идей Возрождения

Путешествие архитекторов в разные города и распространение письменных работ помогли гарантировать, что Италия не была единственной свидетельницей архитектурной революции.Книги часто переводили, и поэтому, например, 50 иллюстраций декоративных дверных проемов в книгах Серлио стали популярными среди архитекторов-маньеристов в Северной Европе.

Архитектора также переехали за границу. В 1541 году, например, Серлио уехал из Италии во Францию, где работал на короля Франции Франциска I (годы правления 1515-1547) над проектированием и строительством дворца Фонтенбло. Франциск был страстным покровителем искусств и уже нанял Леонардо да Винчи (1452-1519) между 1517 и 1519 годами, возможно, с участием итальянца в дизайне его огромного нового замка Шамбор.Серлио спроектировал замок Анси-ле-Фран (ок. 1546 г.) с его фасадом из пилястр в классическом стиле. Этот замок является типичным примером того, как идеи эпохи Возрождения сочетаются с местными архитектурными традициями по всей Европе в зданиях всех типов от Антверпена до Лиссабона.

Замок Шамбор

Марк Картрайт (CC BY-NC-SA)

Английский архитектор Иниго Джонс (1573–1652), как известно, собрал оригинальные рисунки Палладио после визита в Италию и таким образом представил свой стиль Англии.Джонс спроектировал такие грандиозные сооружения, как Королевский дом в Гринвиче и Банкетный зал в Уайтхолле, Лондон, во втором десятилетии 17 века. Дизайн Палладио был также популярен в Ирландии и американских колониях, где его колонные входные подъезды стали стандартной чертой всего, от домов до библиотек. Идеи Возрождения распространились даже на другие континенты. Испанцы путешествовали с архитектурными книгами, а затем копировали элементы в здания, которые они построили в Мексике и Перу.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *